Trip To No-Place

Il mio 2011 in musica - pt.1 - NOMI NUOVI

2012-01-18T11:54:00.000-08:00

In ritardo (e contrariamente alle mie abitudini) ecco che me ne esco con una lista guardando indietro al mio 2011 musicale...potrebbero seguirne altre...ma potrei anche smettere di scrivere tutto d'un tratto...

Il 2011 è stato un anno decisamente rivolto verso panorami sempre più elettronici (con particolare attenzione, come si vedrà, al bosco e al sottobosco musicale inglese).
Qui ci starebbe bene una lunga digressione sul concetto di musica, ma preferisco rimandarla a quando avrò voglia di scrivere un bel post logorroico; per ora mi limito a constatare come tutti i gruppi in questione condividano l'aspetto della ricerca timbrica (ormai uno dei più importanti in assoluto quando si parla di musica contemporanea), seppur in maniere e con risultati differenti tra loro...

Le 5 Rivelazioni

Nomi scoperti nel 2011 (che, nel corso dell'anno, abbiano rilasciato almeno un nuovo disco)
in ordine sparso (perchè sono pigro.)

- James Blake

Quello inglese è al momento uno dei panorami più in fermento nella scena europea, ed è proprio di Londra l'autore di quello che, secondo molti (incluso il sottoscritto), è uno dei migliori dischi dell'anno.

James Blake (nome dell'autore ET del disco) è stato etichettato come "post-dubstep", nuova e lacunosa definizione che accomuna artisti, a volte anche piuttosto distanti tra loro, in base a una presunta comunità d'intenti. A mio avvisto ci si sta semplicemente accorgendo che l'"elettronica", prima - e più - che un genere, è un approccio alla musica, che accomuna la stragrande maggioranza dei generi divenuti fortunati negli ultimi 10-20 anni; così, a mio avviso, "James Blake" non è un disco 'post-dubstep', quanto un disco di black music aggiornata all'era del minimalismo elettronico.

Cantante e tastierista (e si sente!) Blake costruisce delle armonie sorprendenti mantenendo l'equilibrio tra pochissimi elementi; timbricamente (ma suppongo sia una questione di gusti personali) trovo che questo sia il disco più sorprendente dell'anno; il minimalismo di Blake è a subito messo in risalto e portato alle sue estreme conseguenze; i pezzi sono costituiti da riff e loop scarni, che si inseguono e si danno il cambio, sui quali viene ripetuta una strofa (o, a volte, una frase); il tutto è sostenuto da un uso ricercatissimo di synth e filtri.

La frammentazione dell'armonia in tanti timbri diversi e distanti tra loro, fornisce il contributo fondamentale nell'operazione di reinvenzione e ristrutturazione di sonorità derivate dalla black music più classica, in particolare da Soul e Gospel.

La voce è usata come ennesimo elemento timbrico da distorcere; posta il più delle volte al livello di qualsiasi altro strumento, perde il ruolo solitamente affidatole in contesti di musica pop (uso il termine in senso esteso) divenendo parte integrante della struttura armonica e dell'impasto sonoro del brano.

Il singolo "The Wilhelm Scream" è un esempio perfetto del minimalismo dell'autore, uno dei pezzi più scarni, pulsanti e ben riusciti del disco; "I Never Learnt To Share" è invece la cifra stilistica di Blake, probabilmente il pezzo più sorprendente e ricercato di questo grande album.

Oltre l'LP omonimo, nel 2011 Blake ha sfornato ben due EP, il primo: "Enough Thunder", intraprende una strada meno sperimentale e più cantautoriale, dando più spazio a suoni più comuni; vanta inoltre un buon featuring con Bon Iver; il secondo invece: "Love What Happened Here", sembra invece un'uscita casuale, 3 tracce piuttosto mediocri di cui si poteva fare tranquillamente a meno!

Discografia:

- The Bells Sketch (EP) [2010]

- CMYK (EP) [2010]

- Klavierwerke (EP) [2010]

- James Blake [2011]

- Enough Thuner (EP) [2011]

- Love What Happened Here (EP) [2011]

- St. Vincent

Al secolo Annie Erin Clark, cantautrice-polistrumentista americana che propone un avant-pop dal chiaro background prog-rock; 3 dischi che hanno spostato gradualmente le sue sonorità su una dimensione sempre più electro.
Se nel primo LP, "Marry Me", si era occupata di voce, chitarra, basso, piano, organo, moog, sintetizzatori, clavietta, xilofono, triangolo, percussioni e drum-programming, nell'ultimo si limita a voce chitarra e tastiere, rivendicando in particolare le sue radici da chitarrista e facendo dello strumento l'elemento trainante del disco, effettandolo fino a creare un'unica pasta sonora; risultato di questa ricerca è un convincente ibrido analogico-digitale.

I suoi pezzi, in continuo movimento, coniugano un electro-pop trascinante a variazioni e modulazioni da prog-rock, sorprendente l'uso abbondante di dissonanze e poliritmie, messe ulteriormente in risalto dal rapporto spesso contrappuntistico tra voce e musica.

Discografia:

- Marry Me [2007]

- Actor [2009]

- Strange Mercy [2011]

Notata in particolare grazie a questa piccolo sfoggio d'equilibrismo tra ballad eclettica e valzer:

- SBTRKT
Come James Blake, anche questo ragazzo è inglese, anche lui è al primo LP (anche questo dal titolo omonimo), anche lui viene etichettato come Post-dubstep.
Il disco [di] SBTRKT (che, in caso ve lo stiate chiedendo, non è altro che la parola SuBTRaKT privata delle vocali) è stato più volte accostato a quello di James Blake.
I due prodotti suonano in realtà in maniera ben distinta; tutt'al più si può dire che SBTRKT rappresenti l'altra faccia di Blake, quella più mainstream.
Tenendosi ben lontano dagli sperimentalismi del primo, SBTRKT - precedentemente noto come Aaron Jerome, autore del disco "Time to Rearrange", del 2008 - ha messo su un progetto di impronta più schiettamente elettronica rispetto a quello di Blake; dove il succitato cantante\compositore gioca con l'elettronica per riaggiornare un 'dizionario musicale' che esula dal genere, il DJ\Produttore usa l'elettronica per rielaborare l'elettronica stessa.
Il disco passa per i generi fondamentali dell'elettronica contemporanea - dalla 2step alla dance al dubstep, sempre con un occhio a qualche sonorità "ottanteggiante" - riproponendoli per come digeriti dall'orecchio dell'autore e riaggiornando e uniformando il tutto al suono dell'era post-dub.
Il disco è assolutamente easy listening, come si è detto, si tiene lontano da sperimentalismi di sorta e mostra un uso più canonico delle voci, qui tutte degli ospiti: Sampha (co-compositore di molte tracce), Little Dragon, Jassie Ware e Roses Gabor.
E' un'alternarsi di brani nei quali si passa da atmosfere dark\notturne ad atmosfere da club, passando per parentesi più radio-friendly e per altre più 'solenni'.

Discografia:
(Aaron Jerome)
- Time to Rearrange [2008]
(SBTRKT)
- 2020 (EP) [2011]
- SBTRKT [2011]

- Chase and Status
Ancora Londra, questa volta per via di Chase & Status, una delle realtà di maggior rilievo nel panorama elettronico, inglese e non solo.
Ad essere onesti, l'ultimo disco del duo, "No More Idols", uscito nel 2011, non è neanche lontanamente all'altezza del debutto "More Than A Lot", del 2008, ma è comunque un buon disco.
Non mi sento di stare bestemmiando quando dico che "More Than A Lot" sia riuscito a ridefinire un suono, partendo dalla D'n'B per approdare al Dubstep (che è solo D'n'B rallentata?), e che C&S arricchiscono ulteriormente con contaminazioni omni-direzionali, verso l'hip hop e il funk, l'acid house, la jungle, e così via, passando anche per qualche parentesi più esotica (si pensi alla dubstep orientalizzata di Eastern Jam, della quale, per la cronaca esiste anche una versione alternativa con featuring di Snoop Dogg).
Il secondo episodio, cadendo nel tranello di d'n'b e dubstep, generi costantemente a rischio di ripetitività (specie il secondo) è più prevedibile e piatto del primo, pur non mancando di consegnare la sua quantità di brani più o meno vincenti.
Notevoli anche i remix del gruppo, su tutti il più noto è probabilmente quello di "No Good", che ha restituito nuova vita al brano, altrimenti piuttosto trascurabile, di Plan B.
"Vedere Chase & Status live" è stato aggiunto alla mia lista di cose da fare prima che sia troppo tardi!

Discografia:
- More Than a Lot [2008]
- No More Idols [2011]

- Dorian Concept

E, per finire, un artista che non ho ancora avuto modo di ascoltare in maniera completa e soddisfaciente, ma che è riuscito a colpirmi subito.

Dorian Concept (Oliver Tohmas Johnson), giovane musicista elettronico dai trascorsi pianistici, uno che la gavetta se l'è fatta in camera sua, fino a diventare un fenomeno e ad attirare l'attenzione della Ninja Tune, sembra essersi prefisso un obbiettivo: generare caos ordinato, programmato e programmatico, attraverso il quale erigere monumenti alla "nerd music".

Synth e sample si inseguono, si frantumano, vengono troncati e distorti, si sommano, progressivamente si sovrappongono e, proprio quando sembrano sul punto di urlarsi sopra, all'improvviso divengono un tutt'uno perfettamente intelligibile.

Questo carnevale di suoni da vita a ritmiche sorprendenti, tronche e in continua mutazione.

La padronanza del mezzo è evidente, la struttura dei pezzi è molto curata e lascia qualche spiraglio a una linearità che li rende accessibili nonostante la bizzarria estetica; in questo groviglio di oscillatori e filtri riusciamo a distinguere linee melodiche e strutture armoniche.

Al 2011 risale il suo ultimo ep; il mio ascolto ha avuto inizio dai vari singoli e video youtube (in particolare quelli live da casa sua); catalizzata la mia attenzione è stato il turno del primo LP targato Ninja Tune: "When Planets Explodes" (fin'ora il disco che ho ascoltato meglio), seguito dall'ascolto dell'ultimo uscito "Her Tears Taste Like Pears"...ma ho ancora parecchia roba da recuperare; ad ogni modo l'impatto è garantito.

Discografia:
- Nouns and the Revelance of Wood (EP) [2005]
- Seek When Is Her [2006]

- A TrebleO Beat Tape (EP) [2008]

- Maximized Minimalization (EP) [2008]

- When Planets Explode [2009]
- Her Tears Taste Like Tears (EP) [2011]

...Da Tenere d'Occhio...

Ghostpoet

Ma torniamo in Inghilterra, dove, come si è visto, e come si sa, a dominare è la musica elettronica. Il dominio è così prepotente da riuscire a sporcare e trascendere qualsiasi suono un tempo estraneo all'elettronica.

Ghostpoet (Obaro Ojimiwe), è un rapper\produttore londinese che, uscendo quest'anno con il suo disco d'esordio "Peanut Butter Blues & Melancholy Jam", si è imposto subito all'attenzione degli appassionati.

Ghostpoet può vantare una voce profonda, un flow avvolgente, lento e sofisticato e un evidente e ostentato rifiuto di atteggiamenti giovanilistici o modaioli.
E' con questo appeal che il rapper si divincola con scioltezza tra basi (di sua stessa creazione) che sintetizzano sonorità derivate dall'underground targato UK a un approccio figlio dell'hip hop del nuovo millennio.

Nonostante qualche ridondanza di troppo, il disco scorre bene, passando tra atmosfere notturne e fumose, scendendo sempre più a compromessi con sonorità pop, fino ad arrivare alla "deriva" pop-rock di "Liines" in chiusura.
Ascoltando i pezzi meglio riusciti, l'impressione è però, almeno in parte, quella dell'occasione sprecata; sarebbe infatti bastato poco a realizzare un disco molto più variegato, soprattutto per quanto riguarda certe basi.

Discografia:

-The Sound of Strangers (EP) [2010]

- Peanut Butter Blues & Melancholy Jam [2011]

Back to my Trips

2012-01-14T10:25:00.001-08:00

Previously on "Trip to No-Place"
"...blog?! ma vai a cagare tu e i blog! (Che non sono più di moda dal 2006) Devo laurearmi!"
"...cosa vuoi dire splinder sta chiudendo?...ah...e come si scrive?!"
"Il futuro della nazione è nelle nostre mani! Credo proprio sia ora di riprendere a scrivere su un blog!"

...Nel frattempo...da qualche parte...:
è il 2012, mi sono laureato, splinder è tornata alla polvere, io ho altro da fare...ma sono comunque su blogspot...o blogger...

Cosa Cambia:
anzitutto l'indirizzo, che da http://www.zensation.splinder.com (indirizzo scrivendo il quale, attualmente, si viene ridiretti su questa piattaforma...in futuro chissà) è diventato http://www.alsosprachzenn.blogspot.com quindi ora sono più figo.

A destra noterete, sotto l'elenco di film recensiti, due voci: TV Shows e Musica; quindi suppongo di voler sprecare del tempo anche parlando di questi "nuovi" argomenti.

A sinistra, sotto i vari elenchi Link (aggiornati) e i Commenti Recenti, ci sono anche i POST PIU' POPOLARI (Suppongo siano i più cliccati, dal momento che i più commentati, che io sappia, rimangono quelli dedicati a Drawn Together, Lost e Avatar...almeno credo!).

Per finire: essendomi appena trasferito da splinder, la maggior parte di video e link interni al blog sono andati persi; piano piano recupererò quelli fondamentali, ma di certo non tutto verrà recuperato; di certo nessuno dei trailer relativi a ogni recensione verrà ripubblicato.

Cosa NON cambia:
tutto ciò che è stato scritto\detto, risulta ancora scritto\detto

il doppiaggio è ancora la quint'essenza del Male

il mio avatar è sempre lo stesso.

...E Adesso...
aspettiamo, e il primo post arriverà...

bye bye splinder?

2011-11-14T06:05:00.000-08:00

Gira voce splinder sia sul punto di chiudere...potrebbe essere tutta un'invenzione, come la mucca pazza, il buco dell'ozono o l'aids, ma potrebbe anche essere vero, fatto sta che backuppare il blog è un'operazione lunga e noiosa.
Per tutti quelli di voi che non dispongono di un servo (ma che, sia chiaro, dovrebbero rimediare a questa mancanza), esiste Download Them All, un plug-in per firefox in grado di scaricare di tutto e di più e, nel caso specifico, utile per salvare tutti gli archivi del vostro blog in html in un'unica operazione (che dura tra l'altro assai poco).
Nel caso non usiate firefox e non siate intenzionati a installarlo, la fatica e la noia sono ciò che vi meritate.

Recensioni Ristrette pt.3

2011-11-05T06:55:00.000-07:00

altre 4 recensioni ristrette causa tempo...

"A Dangerous Method" - durata: 99 min. genere: drammatico anno: 2011 paese: USA regia: David Croenenberg sceneggiatura: Christopher Hampton cast: Michael Fassebender, Keira Knightley, Viggo Mortensen, Vincent Cassell, Sarah Gadon...

Quando a deludere è Croenenberg a me piange un po' il cuore...e con questo ho già detto la mia...ad ogni modo...
Il film prende le mosse dal caso Sabina Spielrein (Knightley), paziente con la quale Jung (Fassbender) ebbe una relazione, ma il vero oggetto della trama è il deterioramento del rapporto tra Jung e Freud (Mortensen).
Al di là delle pecche legate alla sceneggiatura, che principalmente sono riassumibili nell'estrema macchiettizzazione estrema dei personaggi, che mina inevitabilmente la credibilità del film, l'intera operazione è un disastro.
Croenenberg sembra completamente assente e ci consegna una regia da film-tv, gli attori se la cavano più o meno tutti nei loro ruoli privi di spessore, eccezion fatta per Keira Knightley, semplicemente insostenibile, spesso ai limiti del ridicolo. Il film sembra funzionare solo nelle sue brevi parentesi comiche, comunque lontane dall'essere "da antologia"!
Poco credibile, piuttosto insulso e abbastanza noioso, "A Dangerous Method" si lascia guardare senza lasciare assolutamente nulla.

VOTO: 2/5

"Carnage" - durata: 79 min. genere: commedia anno: 2011 paese: Francia, Germania, Polonia, Spagna regia: Roman Polanski sceneggiatura: Roman Polanski, Yasmina Reza cast: Jodie Foster, Kate Winslet, John C. Reilly, Christoph Waltz

Al ritorno di Polanski al cinema si sprecano gli applausi, ma c'è ben poco da applaudire!
"Carnage" è tratto da una piece teatrale (d'altro canto il film sembra strillarlo), è ambientato in un appartamento (in particolare in una stanza) dove 2 coppie di genitori (Foster e Reilly, Winslet e Waltz) discutono dopo che il figlio degli uni (Winslet e Waltz) ha colpito il figlio degli altri (Foster e Reilly), la discussione sembra non voler finire e si sposta su altri piani, i 4 rimangono intrappolati in un cul de sac di 79 minuti che pesano come fossero molti di più.
Si perchè Polanski è bravo alla regia, gestisce bene gli spazi e gli attori, il cast poi da un'ottima prova, ma il film è scontato e retorico all'eccesso. Dal primo minuto ci rendiamo subito conto dell'esito della vicenda: i 4 adulti regrediranno a livello infantile vivendo una giornata infernale, mentre i 2 ragazzini il giorno dopo si saranno già lasciati tutto alle spalle.
Ogni personaggio è vittima di una stilizzazione da fumetto, l'avvocato sempre attaccato al telefono, la borghese attenta all'etichetta, il sempliciotto ignorante e simpatico, la radical chic nevrotica, dire che tutto sa di già visto è usare un eufemismo. Lo scontro tra le due famiglie, chiaramente, passerà per diversi piani a scandire la loro regressione, partendo come uno scontro di classe tra le due coppie e finendo nel più (volutamente) infantile scontro di sessi.
Il fatto che il film sia tratto da una piece teatrale non giustifica i ritmi lenti e mal gestiti, i dialoghi infiniti, se non fossero recitati da attori in stato di grazia, sarebbero semplicemente ridicoli, e comunque non reggono per tutta la durata del film, reggono a malapena i primi 20 minuti!
Carnage ci dispensa dosi massicce di relativismo spicciolo e una morale dall'ovvietà sfiaccante e, nonostante la degenerazione dei personaggi sia graduale, questi punti sono chiari sin da subito.
La banalità del contenuto è superata solo dalla prevedibilità della sua "consegna"...
Non fosse per il cast sarebbe un film insostenibile.

VOTO: 2.5/5

"This Must Be The Place" - durata: 118 min. genere: drammatico anno: 2011 paese: Italia, Francia, Irlanda Regia: Paolo Sorrentino Sceneggiatura: Paolo Sorrentino, Umberto Contarello Cast: Sean Penn, Frances McDormand, Eve Hewson, Judd Hirsch, Kerry Condon, Harry Dean Stanton, Joyce Van Patten, Olwen Fouerè, Shea Whigham, David Byrne

Cheyenne (Penn) è una rockstar tramontata degli anni '80; un uomo la cui sensibilità e il cui infantilismo sono difficilmente distinguibili, schiavo del suo vecchio "costume di scena" (che chiaramente non è mai stato limitato alla scena), vive una vita piatta a Dublino.
Alla morte del padre decide di rintracciare l'ex ufficiale nazista che, durante la seconda guerra mondiale, lo aveva umiliato in un campo di concentramento; inizia così un viaggio on the road in America.
Sorrentino rovina un soggetto potenzialmente interessante scrivendolo e dirigendolo.
Anche qui ci troviamo davanti dei personaggi di un vuoto e di un'ovvietà sconvolgente ai quali il regista "regala" dei dialoghi pietosi.
"This Must Be The Place" è uno dei film più pretenziosi degli ultimi tempi, Sorrentino, completamente preso da se stesso, si concentra nel costruire scene e movimenti di macchina più o meno suggestivi, ma completamente vuoti, e costruisce un film accostando quadretti sconclusionati e derivativi, visivamente curati, a volte ai limiti del fotografico, ma del tutto superficiali e privi di qualsiasi interesse.
Molti momenti sono poi carichi di un pathos completamente ingiustificato e tanto fuori luogo da renderli ridicoli, se non fosse che la noia prevale con una prepotenza tale da togliere qualsiasi voglia di ridere.
Poco altro da aggiungere: 2 ore di Sean Penn che recita in falsetto e sopra le righe mentre la macchina da presa si compiace di se stessa alquanto arrogantemente.
Fallimento su tutti i fronti.

VOTO: 1,5/5

"Melancholia" - durata: 130 min. genere: drammatico anno: 2011 paese: Danimarca, Germania, Francia, Svezia regia&sceneggiatura: Lars Von Trier cast: Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, Alexander Skarsgard, Charlotte Rampling, John Hurt, Stellan Skarsgard, Brady Corbet, Udo Kier, Jesper Christensen...

Von Trier ci porta in un doppio giro di giostra, due sorelle, due vicende: nella prima parte del film seguiamo i festeggiamenti del matrimonio di Justine (Dunst), nonostante qualche inceppo sembra tutto più o meno funzionare, poi, proprio all'ultimo, la coppia appena sposata si lascia; nella seconda parte del film Claire (Gainsbourg) teme per il passaggio del pianeta Melancholia accanto al nostro, la vicinanza dei due potrebbe causare l'annientamento della Terra; il pianeta segue la sua traiettoria e inizia ad allontanarsi, tutto sembra andare per il meglio, senonchè, il giorno dopo, Melancholia è nuovamente in avvicinamento, e alla terra rimangono solo poche ore di vita.
Costruito superbamente, il film mette a confronto le figure delle delle due sorelle, la prima, sopraffatta dalla vita e dagli artifici attraverso i quali si tenta di darle un senso, cede sotto il peso dell'esistenza, ma convive con l'incombenza della fine; la seconda, che senza quegli stessi artifici di cui sopra è incapace di vivere come di morire, è sopraffatta dalla morte, e cerca invano di darle un senso attraverso gli stessi meccanismi di ritualizzazione coi quali ha tentato di dare un senso alla sua vita.
Allo stesso modo John, marito di Claire, studioso d'astronomia, farà le veci della scienza, rimanendo sopraffatto dall'impotenza di fronte a situazioni inevitabili, mentre Leo, figlio dei due, ignaro della portata di quanto sta accadendo, è l'ultima immagine di serenità che ci regala il film.
Suggestivo sin dalla sequenza iniziale: sogno premonitore di Justine nel quale, come lei affonda nella terra, la terra affonda in Melancholia.
E' più spaventosa l'inescrutabilità dell'esistenza o l'inevitabilità della morte? E' meglio sapere o non sapere? Attraverso queste domande "Melancholia" si propone come un'amara riflessione sull'attaccamento alla vita e sul suo valore.
La camera a spalla che si muove tra i personaggi riporta con la mente al dogma, ma non ci si priva di una buona fotografia, di immagini suggestive e di un accompagnamento musicale sontuoso (Wagner). Anche in sede di montaggio Von Trier rifiuta compromessi e dispensa jump-cut e irregolarità temporali.
Evidentemente curato nella simbologia sottostante la sua costruzione, "Melancholia" è un punto d'incontro perfetto tra un'autorialità dura e una visionarietà potente e suggestiva (che meriterebbe un'analisi ben più lunga e accurata di questa).
Stupendo.

VOTO: 4/5

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=wzD0U841LRM]

Zenn FM returns: The Streets - "Outside Inside"

2011-06-05T07:38:00.000-07:00

non ho tempo per fare nulla come si deve...non ho tempo di scrivere altro...non ho tempo di specificare che sto cercando di finire gli esami e laurearmi...

(Wake up and smell the coffee)
Stirring a word the conversation obsurd
Like the herbs of work their pattiences and concured
Wake up and smell the coffee
Light up and dwell the offerings
Drink with a thinking pinch
Sit with a kitchen sink

The world is outside but inside warm
Inside informal outside stormy inside normal

Back to the time skip it on it's bullocks
Rome to the oven turn it off it's on
Skin a racket fag I'm gone
What are we waiting for mate
Let's wait to the place
Cause it's all a bit late
And were all in a bit of a state
Weed makes me not want to be in new places fight it!
Stare at the same tv watching the torrent like it

The world is outside but inside warm
Inside informal outside stormy inside normal

The fossil-ed remains of locked of ancient ways
Are buried or lost in every of my mates brains
But I can't find it because they like blazing
Solving that problem brings priests and doctors and poets maybe
And hot overclocked brains
I'm not over shocked blotto or of my rock place
I got their at lunchtime
I was still their at 8
Next they were turning chairs onto the table at my place
Psychedelic cycle get it?
Ride all wet
Arrive a bit sketch
But I like bedding

The world is outside but inside warm
Inside informal outside stormy inside normal

The world is outside but inside warm
Inside informal outside stormy inside normal

The fossil-ed remains of locked of ancient ways
Are buried or lost in every of my mates brains
But I can't find it because I like blazing!
Solving that problem can be quite amazing

The world is outside but inside warm
Inside informal outside stormy inside normal

Boris - il film

2011-04-04T08:56:00.000-07:00

"Boris - Il Film" - durata: 108 min genere: commedia anno: 2011 paese: Italia regia&sceneggiatura: Giacomo Ciarrapico, Mattia Torre, Luca Vendruscolo cast: Francesco Pannofino, Caterina Guzzanti, Pietro Sermonti, Alessandro Tiberi, Carolina Crescentini, Paolo Calabresi, Ninni Bruschetta, Roberta Fiorentini, Alberto Di Stasio, Antonio Catania, Carlo Luca De Ruggieri, Luca Amorosino, Massimiliano Bruno, Karin Proia, Eugenia Costantini, Giorgio Tirabassi, Monica Samassa, Claudio Gioè, Valerio Aprea, Massimo De Lorenzo, Andrea Sartoretti, Paolo Bontempi.

Chi non conosce "Boris"?...bhè in realtà un sacco di gente non conosce "Boris", telefilm prodotto da sky, probabilmente il migliore prodotto in italia (a mio avviso anche più che probabilmente).
La serie, seppur non diffusa a livello universale, ha una gran fetta di pubblico e narra le vicende di un regista (Renè Ferretti, interpretato da Pannofino) di soap che spera costantemente in un'occasione di "redenzione" da tutto lo schifo che gira e ha girato, ma che non ne trova mai perché in Italia si produce solo merda, perché costa di meno e fa più comodo su vari livelli.
Il film, attesissimo da tutti i fan (me incluso) è finalmente uscito, dopo mesi e mesi di incertezze, il 1° aprile.
La sensazione che si ha dalla visione è effettivamente quella del pesce d'aprile.

Come ogni serie alla quale segue un film, anche qui ci troviamo davanti a un episodio lunghissimo, anzi, per essere precisi, a una serie cortissima.
Tutto quello che potrebbe avvenire in una serie di boris è concentrato in questo lungometraggio: dal nuovo progetto - questa volta cinematografico - in cui Renè inizia a credere, alle disavventure, produttive e non, che lo porteranno a essere una cagata, al passaggio definitivo dall'essere un film "impegnato" al diventare un "cinepattone".
I personaggi ci si palesano davanti dal nulla, come avverrebbe nella serie, senzaq inroduzioni di sorta, hanno persino delle piccole vicende personali, poco curate e poco divertenti, insomma: "Boris - il film" potrebbe tranquillamente essere la quarta serie di "Boris" e, come molte quarte serie, lascia parecchio a desiderare (lo avevano detto nell'ultima serie: mai andare oltre la terza!).

La trama è ormai così schematica da essere noiosa, le gag vanno a diminuire in numero e in efficacia per farle spazio, senza contare come siano fondamentalmente tutte riciclate dalle 3 serie del telefilm.
Il film vuole mostrare come il mondo del cinema sia anche peggio di quello della televisione, ma in realtà si direbbe semplicemente che i due mondi siano la stessa identica cosa in quanto le critiche e le 'provocazioni' (molto poco provocatorie questa volta) mosse sono sempre le stesse, e sono mosse sempre nei confronti delle stesse persone, seguono sempre lo stesso schema.
Ogni personaggio continua il proprio ruolo senza proporre niente di nuovo, tolto forse uno Stanis che, portato veramente alla follia esasperata, finisce col non far neanche più ridere.
I personaggi della serie ci sono stati infilati tutti a forza, tolto Guzzanti, che magari avrebbe saputo regalare qualche sorriso in più; in compenso c'è un cameo tristissimo di un Frankie Hi-Nrg mc (che in meno di 30 secondi non riesce a rimanere serio neanche per 5) di cui non si sentiva veramente il bisogno.

Se tra una serie e l'altra "Boris" è sempre riuscito ad apportare un qualche elemento di novità e a proporsi come divertentissima "tragicommedia", impreziosita da fotografia e regia ben superiori a quelle del prodotto televisivo italiano medio, il film fallisce miseramente sotto tutti i fronti:
I meccanismi di monotonia e ripetitività delle gag di ogni personaggio ricordano più "Zelig" o "Colorado Caffè" (a voi stabilire quale dei due programmi sia il peggiore) e le pretese di serietà e disfattismo puzzano qui di operazione puramente commerciale nel loro ammiccare a una nicchia di pubblico ormai ammaestrato.
A questo aggiungo che, se la fotografia non cambia praticamente di una virgola, la regia e il montaggio sono ai limiti del pietoso, fanno quasi urlare allo scandalo, tra continue, immotivate (e comunque orrende) dissolvenze in nero, jump-cut chiaramente accidentali stacchi bruschi e un'imperizia assoluta e deliberata nella composizione di ogni scena, ma soprattutto ci tengo a sottolineare come tutti questi dettagli mi siano saltati all'occhio in particolare grazie a una trama noiosa e prevedibile che mi ha lasciato (soprattutto in quanto fan della serie) con l'amaro in bocca e tutto il tempo del mondo per notarli.
Chiunque abbia sperato che Boris sarebbe stato per il cinema quello che è stato per la televisione rimarrà deluso nel rendersi conto che, come per la maggior parte delle pellicole italiane, anche in questo caso a mancare è la capacità di costruire un qualcosa di cinematograficamente edificante (o quantomeno sensato) e in grado di attirare grande pubblico.
L'impressione in sala poi, come da manuale, è quella della risata "preregistrata" di un pubblico che, essendo seguace della serie, aveva deciso in anticipo che il film sarebbe stato divertente.
Qualsiasi altro film del genere passerebbe inosservato, forse prenderebbe anche dei fischi (e a ragione), in questo caso, se sul passare inosservato non v'è dubbio, non mi stupirei se la gente iniziasse a dire che "è fatto a cazzo di cane a posta!" (che tristezza).
Qualche gag funzionerà anche, ma si contano sulle dita di una mano, da "Boris" ci si sarebbe dovuto aspettare qualcosa di moooooolto di più di questo pasticcio.

Se non altro non c'è nessuna quarta serie in cantiere, e, a malincuore (ma veramente), spero non cambino idea, perché è evidente come non abbiano più nulla da dire

Per concludere: banale, noioso, fatto coi piedi (e ci si sono messi in 3!), risate ai minimi storici, qualche sorriso qua e là. La sorpresa sta nel palesarsi dell'atteggiamento di arroganza e ipocrisia dei creatori che, nel tentativo disperato di denigrare la mentalità e la mediocrità cinematografica italiane fino all'esasperazione, finiscono col fornircene un esempio perfetto.
Insomma: hanno fatto l'"Impepata di cozze"!

deluso, deluso, deluso e ancora deluso.

VOTO: 2/5

Recensioni Ristrette pt.2

2011-03-24T11:47:00.000-07:00

Continuo nell'operazione iniziata nel post precedente:

"Buried - Sepolto" ("Buried") - durata: 94 min. genere: Thriller, Drammatico anno: 2010 paese: Spagna, Australia regia: Rodrigo Cortés sceneggiatura: Chris Sparling cast: Ryan Reynolds

1 attore davanti alla videocamera tutto il tempo, 1 location: una bara.
Impressionante film dai dichiarati echi Hitchcockiani (e lo si capisce dai titoli di testa, citazione chiara e inequivocabile), un'autentica scommessa, difficilissima da vincere, ma stravinta.
Il film inizia con un uomo che si sveglia in una bara, sepolto vivo, senza sapere dove si trovi o per quale ragione sia in una situazione del genere; con sè ha solo una torcia, un telefono e poco altro; un telefono, perchè lo sventurato è sì sepolto, ma non troppo in profondità, e per 1 ora e mezzo sarà costretto a telefonare nel disperato tentativo di essere salvato.
Buried è molto più che un semplice thriller riuscito a perfezione, è uno di quei rarissimi film che riesce a impastare una trovata e una struttura avvolgenti con delle tematiche di attualità; uno di quei rarissimi esempi di film che riescono a farti comprendere la guerra quasi empiricamente, pur senza mostrarla neanche una scena, e nel farlo eguaglia un titolo del calibro di "Redacted".
Toccare tali argomenti con tale pathos senza risultare patetici o "furbi" non è cosa facile ma, per quanto mi riguarda, Cortés riesce in pieno nell'operazione.
Chiunque creda non sia possibile costruire una regia vincente, con tanto di movimenti di macchina che hanno dell'acrobatico, all'interno di una cassa, troverà in questo film prova del suo errore di giudizio.
A voler trovare un difetto possiamo dire che "la scena del serpente" (sì! Dopo "Il Grinta" mi ritrovo a utilizzare nuovamente la stessa espressione nel giro di due post...) è forse l'unica leggermente di troppo, e che non conribuisce a tenere alta la tensione, forse la rompe per un secondo, ma senza per questo ledere minimamente la riuscita del tutto. Uso la parola "forse" perchè è pur vero che per giocare con gli stati d'animo bisogna saper dosare la tensione.
Il finale è semplicemente perfetto, Cortès sembra qui volerci ricordare - in questi tempi in cui impressionare senza effetti speciali, 3d o quant'altro, sembra esser diventato impossibile - il significato dell'espressione: "mozzafiato".
Lo stesso Hitchcock invidierebbe un risultato del genere.
Avrebbe meritato nomination e statuette molto più di tanti film in lizza.

in 3 parole: da panico; letteralmente.

VOTO: 4/5

"Il Discorso del Re" ("The King's Speech") - durata: 111 min. genere: Storico, Drammatico anno: 2010 paese: UK, Australia regia: Tom Hooper sceneggiatura: David Seidler cast: Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter...

"principa balbuziente (Firth) diventa re proprio allo scattare del secondo conflitto mondiale, si fa aiutare da un professionista nel campo (Rush) a pronunciare il suo discorso alla nazione"; questa la trama del film, che a tratti sembra voler essere un "My Fair Lady" visto allo specchio, disegnandone una sorta di percorso opposto.
Il personaggio di Rush tenta di 'ammorbidire' il suo paziente, diventarne amico, liberarlo dal peso dell'"etichetta" e fargli capire quanto il suo vissuto e la sua personalità siano alla base delle sue difficoltà espressive, offrendogli un aiuto "non convenzionale" in quanto non concentrato solo sull'aspetto 'meccanico' del problema.
Di 'nuovo' o di 'originale' in questo film non vi è nulla, è la più classica delle storie narrata nel più classico dei modi, fotografia e regia sono solenni, a tratti pittoriche e manieriste, e aiutano a contestualizzare la vicenda.
Il punto forte di quella che, un po' per forza di cose, un po' per scelta furba, è un'opera estremamente teatrale, sono naturalmente gli attori (il cui lavoro, al solito, è completamente annullato nella versione doppiata, che mi è capitato di vedere dopo aver visto l'originale).
Tutto il film trova un suo senso e una sua collocazione solo in funzione del discorso finale, per il resto si seguono i libri di storia.
Rush, senza nulla togliergli, vive di rendita grazie a un personaggio un po' troppo facile e che, aiutato dalla vicenda, va a rievocare le prime diffidenze nei confronti della psicanalisi, quest'ultima non è mai citata ma è un'ombra onnipresente lungo la durata del film, che finisce col sottoporci il protagonista come un paziente da osservare, forzandoci dalla parte del personaggio dallo spirito più "illuminista", arrivato da lontano (dall'Australia per la precisione) a portare una ventata Freudiana in quello che ci viene descritto, in maniera a tratti divertita, ma a tratti un po' troppo arrogante, come un mondo residuo di culture antiche, superate, "inette".

Fatto, quest'ultimo, curioso se si pensa che ci troviamo innanzi a un film talmente classico da rappresentare a sua volta l'ombra di un'idea di cinema anche questa ormai superata, un po' antica nel suo ostentato classicismo.
Firth si è preso un oscar meritato, vincendo su un Jeff Bridges ("Il Grinta") che però, va ricordato, non ha proprio nulla da invidiargli.
Hooper ha invece rubato clamorosamente l'oscar ad Aronofsky con un film che, per quanto valido, non è neanche lontanamente all'altezza de "Il Cigno Nero" (del quale avrò modo di parlare in un'analisi ben più lunga di questa).
Tuttavia, considerando che è di Oscar che parliamo, premio senz'altro prestigioso, ma dalla valenza più che dubbia, e che l'anno scorso a vincere era stato il triste "The Hurt Locker", credo che quest'anno non ci sia così tanto da lamentarsi in quanto ci troviamo innanzi a un film più che valido.

Versione italiana da evitare.

in 3 parole: non supera le aspettative, ma neanche ci prova.

VOTO: 3/5

"127 Ore" ("127 Hours") - durata: 90 min. genere: Drammatico anno: 2010 paese: UK regia: Danny Boyle sceneggiatura: Danny Boyle, Simon Beaufoy cast: Jess Franco.

"Ma che fine ha fatto il regista di 'Trainspotting'?" potrebbe chiedere uno spettatore che non ne consoce nome e cognome...eh sì perché dall'epoca del glorioso film che, a ripensarlo adesso, mi vien da dire debba molto più al romanzo Irwine Welsh che non al suo regista, Boyle si è esibito in una serie di film che tutto sommato non dicono niente.
Con questo non si dia per scontato che si tratti in ogni caso di film "osceni"...più che altro di film anonimi!
E questo è veramente strano se si pensa a quanto impegno ci metta Boyle nel tentativo di essere il fattore più importante di ogni suo film, e forse è proprio qui il problema, la regia non si limita a sfiorare l'esibizionismo, ce ne da un breve saggio.
"127 hours" è la vera storia del ragazzo, un po' sfortunato un po' sprovveduto, ritrovatosi con il braccio bloccato tra una parete rocciosa e una roccia franatagli addosso, che ha finito col tagliarsi via l'arto.
Jess Franco si impegna, e i risultati ci sono, l'attore svolge bene il suo ruolo tenendo banco sostanzialmente da solo per l'intera durat del film; Boyle tenta di giustificare l'impianto canonico del film "a flashback" con un'infinità di effetti "videoclippari" di rara efficacia.
Se il tentativo può sembrare vagamente sul trend di "Buried", il risultato non è per nulla all'altezza (d'altro canto la forza di "Buried" sta, almeno in parte, proprio nell'assenza di flasback), tuttavia non ci si annoia troppo, ma l'unico momento riuscito sembrerebbe essere il momento dell'amputazione.
la presenza della videocamera con la quale il protagonista si filma mentre tenta di mantenere la calma con risultati alterni, e la conseguente dimensione "metacinematografica" evidentemente agognata da Boyle sono inutili e aggiungono pressocchè nulla al film.

in 3 parole: film da una botta e via

VOTO: 2/5

"Incontrerai L'Uomo dei Tuoi Sogni" ("You Will Meet a Tall Dark Stranger") - durata: 98 min. genere: Commedia paese: USA, Spagna anno: 2010 regia&sceneggiatura: Woody Allen cast: Naomi Watts, Anthony Hopkins, Josh Brolin...

Chiunque conosca me o questo sito sarà ormai a conoscenza del fatto che Woody Allen è, da queste parti, un nome intoccabile data la mia totale "devozione" nei confronti di quello che considero uno degli autori più importanti di sempre.
E' quindi col cuore in mano e quasi con le lacrime agli occhi che mi trovo costretto a parlare di quello che, senza ombra di dubbio, è il peggior Woody Allen di sempre.
"You Will Meet a Tall Dark Stranger", film, come al solito, largamente anticipato, è una delusione totale sotto tutti i punti di vista.
Eh sì perchè che Allen sia bravo alla regia e che sappia scrivere non lo mette in dubbio nessuno, ma la pesantezza di questo film supera ogni aspettativa!
Ho già parlato in più occasioni di quel tragitto filosofico che Allen ha tracciato nei suoi ultimi film, e avevo già espresso le mie riserve ai tempi di "Whatever Works"; in questo caso il regista ha ben pensato di girare un secondo "Vicky Christina Barcellona", privo dell'imponenza, della bellezza e della natura sofisticata e delicata del primo.
"La vita è inutile, tutto è nulla, di conseguenza godetevi questo giro di giostra senza chiedervi per chi o per come, perchè questo film non parla della vita, questo film è la vita." Questo voleva essere il discorso sotteso a "Vicky Christina Barcellona" appena accennato in una battuta.
Qui il discorso è lo stesso, esattamente identico; a differenza che nel caso precedente, Woody ci rende partecipi a pieno titolo di quest'idea nella prima battuta del film, una battuta in fuori campo, che vorrebbe fare da commento e dichiarazione d'intenti al film.
Se il fatto che Allen abbia deciso di fare due film, sotto quest'aspetto, identici è una deludente sorpresa le cui avvisaglie erano già presenti nel precedente "Whatever Works", a peggiorare il tutto interviene un cast che offre una prova insipida, il soggetto è banale e lo sfottò nei confronti di superstiziosi e cartomanti è tanto ovvio quanto inutile, persino fastidioso.
La visione non lascia assolutamente nulla.

in 1 parola: disastro.

VOTO: 1,5/5

(Ma sono certo che il buon Woody saprà come rifarsi.)

recensioni ristrette

2011-03-20T07:05:00.000-07:00

Era un po' che volevo tornare a buttar giù opinioni...dal momento che ho tanti film da commentare, e che ho oglia di buttar giù qualche opinione meno prolissa del solito (ovviamente solo per film rispetto ai quali non credo che sia necessario spendere troppe parole) ho deciso di optare per una pioggia di mini-recensioni, tanto per conciliare la mia domenica mattina...

"Il Grinta" ("True Grit") - durata: 110 min. genere: Western anno: 2010 paese: USA regia: Ethan & Joel Cohen sceneggiatura: Ethan & Joel Cohen, Charles Portis (racconto originale) cast: Jeff Bridges, Matt Damon, Hailee Steinfeld...

I Cohen si cimentano nel remake di un classico stemperando i toni solenni del vecchio western e sfatandone un po' i miti, riconducendoli a un dimensione più umana che leggendaria; operazione questa di dubbia originalità e tirata estremamente per le lunghe. nulla da dire contro la loro regia (eccetto quella che mi limiterò a definire "la scena del serpente", che è semplicemente ridicola) ma non vedo proprio di che stupirsi, i momenti puramente 'coheniani' sono pochissimi, tra questi il finale, tanto simpatico quanto inutile. Completamente da bocciare la scelta della narrativa in terza persona che accompagna lo spettatore sin dall'inizio privando di qualsiasi pathos il finale.
Bellissimo il lavoro fatto sulla parlata degli attori (a tratti la comprensione del film si fa stentorea).
Jeff Bridges da il meglio di sé tirando fuori un'interpretazione da oscar, Matt Damon fa il cretino con successo, peccato il suo personaggio sia veramente ai limiti del vignettistico, Hailee Steinfeld fa sorgere fantasie infanticide, ma fa il suo sporco lavoro.
La sensazione finale è quella di vuoto e inutilità, non che sia un brutto film, ma è un film di cui non si sentiva (o quantomeno io non sentivo) assolutamente la necessità, appesantito da una durata che sfiora le 2 ore.
Personalmente ringrazio solo Jeff Bridges per avermi aiutato a combattere il sonno che mi stava venendo durante la visione.

in 3 parole: Jeff Bridges Show.

VOTO: 2.5/5

"The Fighter" - durata: 115 min. genere: bio-drama-sportivo anno: 2010 paese: USA regia: David O. Russell sceneggiatura: Scott Silver, Paul Tamasy, Eric Jhonson cast: Mark Whalberg, Christian Bale, Amy Adams....

Incredibile quanto sia stat lunga e complessa la gestazione dietro la produzione di un film così banale (passato letteramente tra le mani di palate di registi e attori).
E' una storia vera, forse è per questo che è una storia noiosa, fondamentalmente è "Rocky", più brutto e con un finale più facile, ma con in più un quadretto familiare 'malsano' che di più prevedibili non se ne potevano fare (provando ad anticipare le battute si ha un buon margine di successo).
Va tuttavia a questa pellicola il merito di avermi fatto tornare simpatico un Cristian Bale che, dopo i due Batman, non riuscivo proprio a reggere...certo la parte del fallito invadente che proietta i suoi sogni di gloria, ormai naufragati, sul fratello minore e che si strafà di crak è di un già visto che si stenta a crederlo, ma è pur sempre una storia vera (che qualcuno riuscirà anche a trovare interessante, ma fatico a immaginare un giudizio del genere su questo film).
La regia è ammiccante e noiosa (a volte si ha l'impressione che le immagini siano fuori fuoco), la fotografia piuttosto sciatta in questo dubbio "trionfo del digitale", sul ring si tenta di ricreare lo stile dei canali ESPN, peccato che gli incontri non siano credibili grazie a un Mark Whalberg (che a me, generalmente parlando, NON sta antipatico) ridicolo, che sul ring ha le stesse movenze di un coatto scoordinato che tenta di ballare in discoteca senza rovesciare il drink, e che ogni volta che apre bocca sembra per qualche ragione sul punto di vomitare; durante tutto il film il momento di massima credibilità dell'attore è una scena in cui lo si vede addormentato al cinema.
La prima metà fatica a ingranare e non si riescono a trattenere le lacrime dal sonno, dalla sequenza in galera in poi il film si fa più piacevole, l'ultimo incontro riesce anche a far ritrovare l'attenzione perduta, ma è ormai troppo tardi per salvare un film di 115 minuti...
nota personale: nelle scene d'allenamento Christian Bale sembra suonare i bonghi sui pugni immobili di Whalberg

in 3 parole: ...bha...

VOTO: 2/5

"Tron Legacy" - durata: 125 min. genere: Sci-Fi anno: 2010 paese: USA regia: Joseph Kosinski sceneggiatura: Edward Kiswitz, Adam Horowitz. cast: Jeff Bridges, Garrett Hedlund, Olivia Wilde...

Tutti conosciamo "Tron", film di una certa importanza rispetto all'evoluzione del genere in questione; questa nuova pellicola, parzialmente in 3d, esce in un momento particolare, forse proprio per riaggiornare un classico alle moderne tendenze e tecnologie.
La scelta di creare un film che segua i canoni del classico film d'avventura anni '80 è a mio avviso azzeccata e coerente rispetto al titolo scelto; di originale non c'è niente, questo è una sorta di grosso mash-up che attinge a un repertorio che va da "Star Wars" a "Matrix" in maniera tutt'altro che sorprendente, ma riuscendo a portare a destinazione la dose necessaria d'intrattenimento vecchio stile.
Anche in questo caso gran parte dell'intrattenimento a dovuta a un Jeff Bridges abbastanza sprecato; Olivia Wilde è chiaramente presente grazie a doti fisiche che certo non intaccano il film (che è e rimane un blockbuster, ma godibile), Garrett Hedlund...bhè non so chi sia e non voglio scoprirlo, è ridicolo.
L'uso del 3D non è invadente ma suggestivo, tant'è che la maggior parte del film è in realtà a 2 dimensione, e che la terza viene usata al meglio definendo dei paesaggi e un mondo avvolgenti e totalmente riusciti.
nota personale: Finalmente ho avuto modo di vedere un film in 3d che non mi abbia fatto uscire irritato (naturalmente ho preferito di gran lunga questo Tron a quel pulciosissimo avatar...).
Aggiungerei che i Daft Punk hanno tirato fuori delle musiche assolutamente anonime e al di sotto dei loro standard.

in 3 parole: retorico e prevedibile, ma è così che deve essere. A suo modo è molto più solido di tanti "Blockbuster" in circolazione, vanta un uso ponderato e completamente funzionale del 3D.

VOTO: 2,5/5

"Burke and Hare - Ladri di Cadaveri" (Burke and Hare) - durata: 91 min. genere: Commedia anno: 2010 paese: USA regia: John Landis sceneggiatura: Piers Ashworth, Nick Moorcroft cast: Simon Pegg, Andy Serkis, Jessica Hynes...

Rilettura romanzata delle vicende di due tombaroli che vendevano cadaveri a professori di medicina, ambientato in una stilizzatissima Edimburgo 800esca.
Questo film è stato più volte definito "commedia nera", "ricco di humor nero", e simili...personalmente direi che, per quanto tecnicamente esatte, queste definizioni siano fin troppo generose, qui siamo davanti a una "simpatia grigia" senza infamia nè lode...
...a dirla tutta un po' d'infamia ce n'è!
91 minuti talmente ovvi da non passare mai, la simpatia c'è, ma è ai minimi storici, se non fosse che provo una certa simpatia per Simon Pegg (che comunque qui non è al top della forma, complice una parte tutt'altro che stimolante) probabilmente avrei interrotto la visione.
Le gag sono per la maggior parte di un'ovvietà sconcertante (un esempio su tutti: i 3 gendarmi sono figurine totalmente inefficaci), il retrogusto agrodolce aggiunto dalla vicenda 'amorosa' di Burke è inutile, così come il rimando a Shakespeare.
E' chiara come il sole la "critica sottesa" di Landis che vede 'ironicamente' nell'illuminismo l'autentico germe di corruzione e immoralità della società odierna, c'è proprio di tutto, mafiosi, scienza nemica di valori, etica e umanità, mignotte che diventano attrici (se non altro in un'era ancora in grado di fischiare contro la loro incapacità).
Insomma, un John Landis retorico e bacchettone, che non si trova abbastanza a proprio agio nella gestione di questo tanto decantato "humor nero", finendo il più delle volte per rifugiarsi in un'ironia infantile e inefficace (che strappa dei sorrisi veramente sporadici) traveste un facilissimo cumulo di banalità prive di spunti interessanti da 'commedia nera e sagace', qualcuno ci cascherà anche, ma dubito fortemente che questa 'cosa' rimarrà negli annali.

in 3 parole: anonimo, scontato, noioso.

VOTO: 1,5/5

2011 - prime visioni

2011-01-30T04:29:00.000-08:00

Più una distrazione dallo studio che una promessa, nonchè un'idea della dieta disordinata che sto seguendo in questi giorni!
Segue un piccolo elenco di film visti - tra una ripresa e l'altra i primi, tra un capitolo e l'altro gli ultimi . durante questo 2011 (anzi, dal 29122010 a voler esser precisi)...con ripromessa d'analisi di almeno 34 dei titoli...

Wild at Heart (D. Lynch)
True Grit (J. & E. Cohen)
Enter the Void (G. Noè)
The Fighter (D.O. Russell)
Beijing Bicycles (X. Wang)
Buried (R. Cortèés)
Tron Legacy (J. Kosinski)
Life During Wartime (T. Solondz)
Black Swan (D. Aronofosky)
The Men Who Stares at Goats (G. Heslov)
The Chaser (N. Hong-Ji)
Castaway on the Moon (L. Hae-Joon)
The Pledge (S. Penn)
Boogie Nights (P.T. Anderson)
Valzer (S. Maira)
The Cook the Thief his Wife and Her Lover (P. Greenaway)
A Serbian Film (S. Spasojevic)

Machete

2010-10-11T11:27:00.000-07:00

Visto che gettare giudizi dal mio pulpito mi è un po' mancato...

"Machete" - durata: 105 min. genere: Exploitation anno: 2010 paese: USA regia: Robert Rodriguez, Ethan Maniquis sceneggiatura: Robert Rodriguez, Alvaro Rodriguez cast: Danny Trejo, Robert De Niro, Jeff Fahey, Jessica Alba, Michelle Rodriguez, Steven Seagal, Don Johnson, Tom Savini, Cheech Martin, Lindsay Lohan...

Penso che tutti ricordi "Grind House", film rovinato da un'uscita a episodi e, in italia, dall'eliminazione della quasi totalità dei falsi trailer realizzati da registi di tutto il mondo.
Ci fu un trailer però che si salvò; trattasi di "Machete"...E chi se lo scorda?
Visto il successo planetario di quel trailer Rodriguez ha ben pensato di trasformarlo in un vero e proprio film, sicuro degli incassi, ed ecco che, a 3 anni di distanza, dopo un mese di riprese (che, visto il film, è quasi troppo!), il film esce nelle sale e vanta un cast che va da Robert De Niro a Steven Seagal (ma Seagal era mai uscito al cinema prima di oggi?!) passando per Jessica Alba e Michelle Rodriguez.
Protagonista indiscusso è il già noto Danny Trejo, per la prima volta in una parte da protagonista, e, in fin dei conti, mi fa piacere per lui!
Venendo al film:
un politico contrario all'immigrazione (De Niro) tenta di essere eletto, chi si occupa della sua campagna elettorale (Jeff Fahey) decide di organizzare un finto attentato e incastrare un messicano di modo da sensibilizzare il popolo alla causa xenofoba del suo superiore...naturalmente sceglie il messicano sbagliato (Danny Trejo), ex agente federale che ha visto la propria moglie morire per mano di un suo ex collega (Steven Seagal), che in qualche modo è il cattivone di turno anche in questa seconda vicenda.
Parliamoci chiaro: "Machete" è un film perfetto per una serata in compagnia, ma posso capire che afferma che non rende troppo onore alle aspettative create (!!)...
Chi si aspetta un film tutto violenza e sesso potrebbe rimanerne deluso perchè, nonostante il film si basi solo su uccisioni praticate utilizzando i mezzi più disparati e su donne tutte curve che si spogliano (neanche troppo) e maneggiano armi (poi c'è Michelle Rodriguez...che vabbè...diciamo che è questione di gusti...), la vera natura del film è quella di Trash-Demenziale.
Rodriguez non è nuovo a questo territorio, ma con "Machete", colpa probabilmente della troppa sicurezza alle spalle del progetto, si limita a mettere il "pilota automatico".
E' tuttavia doveroso continuare a specificare che "Machete" è un film eccessivo già nell'intento iniziale ("troppo facile" direte voi...bhè queste sono scelte personali che non mi sento di mettere in discussione).
Riallacciandomi a quanto stavo dicendo:
chi si aspetta un film tutto sangue e sesso rischia di rimanere deluso in quanto, data la natura demenziale del film, nè il sangue nè il sesso riescono a colpire più di tanto (se non per alcune trovate grottesche cui arriverò a breve), chi si aspetta una parodia, a sua volta, rimarrà accontentato solo a metà, forse questo è un genere troppo vecchio e facile da sfottere, ad ogni modo il rischio di diventare ridondante era dietro l'angolo.
Ciononostante "Machete", con qualche esitazione, riesce a compiere il suo dovere, ma bisogna approcciare il film con l'idea che, più che di un film, si tratta di una lunghissima sequenza racchiusa in un pretesto qualsiasi; il discorso sull'immigrazione e la "satira politica" (due cose alle quali non ero comunque interessato nell'approcciare il film), inutile prenderci in giro, non sono presenti, sono solo parte di un calderone pieno di roba infilata un po' alla rinfusa; il film è riassumibile nel lungo scontro finale, improbabile e piuttosto divertente, che culmina con la classica resa dei conti.
De Niro rimane lo stesso attore a fine carriera degli ultimi anni; si prende poco sul serio e agisce con sufficienza, ma in questo caso fa il suo sporco lavoro; Danny Trejo, immenso e muto, sta bene nel ruolo del messicano "inbrunito" che parla solo in terza persona; Jessica Alba ci concede un semi-nudo...ma poi esce fuori che non è un nudo vero, ma è ottenuto rimuovendo col computer gli abiti che aveva addosso (e a tutti noi piange il cuore), Michelle Rodriguez è un primate e Lindsay Lohan recita sostanzialmente la parte di se stessa, solo che stavolta sfinisce con l'armarsi, Steven Seagal, pur rimanendo inespressivo, è più simpatico del solito e Jeff Fahey ci piace più che altro per il suo interessere morboso nei confronti della figlia.

I momenti più riusciti (distribuiti lungo una durata forse eccessiva) sono perfetti a riassumere il film:

- il salto dalla finestra stringendo un intestino come corda di sicurezza
- il confessionale durante il quale Fahey, parlando della figlia, spiega come vorrebbe che lei lo vedesse più come un "uomo vero" piuttosto che come un semplice padre (non fidatevi delle traduzioni ei sottotitoli, che a volte riportano altro, dice esattamente questo)
- l'uccisione di un uomo per mezzo di una macchina con le sospensioni un po' troppo truccate (la macchina si impenna e lo schiaccia)
- la morte di Steven Seagal (coronamento perfetto del film!)

Ho letto molte opinioni di gente delusa nei confronti di questo film...ora...io non so cosa si aspettassero, ma mi permetterò di rispondere a seguito di una considerazione finale:

"Machete" non è una parodia come non è un film di genere, è piuttosto un film di genere (chiaramente exploitation) che si fa parodia, del genere, e di se stesso.
Non è neanche lontanamente all'altezza di vere e proprie perle di questo filone molto particolare (mmm..."parodia di natura metacinematografica"?!) come i Wrightiani "L'Alba dei Morti Dementi" ("Shaun of the Dead") e "Hot Fuzz", che però sono forse troppo più sottili e raffinati per il paragone,
o come i mitici "Fuori di Testa" ("Bad Taste") o "Gli Schizzacervelli" ("Braindead"), che però erano, a loro volta, più dichiaratamente comici, senza contare che Robert Rodriguez non è e non sarà mai quel Peter Jackson folle e visionario dei primi tempi!
Il fatto che "Machete" non riesca a risultare competitivo nei confronti di questi titoli è (oltre che, come ho detto, per via di grossi limiti del regista), causato dal fatto che stiamo parlando di un film che era già stato venduto prima acora di essere girato...
Ma, personalmente, invito tutti a smorzare la severità nei confronti di una pellicola che la sua dose d'intrattenimento riesce, nonostante tutto, a portarla a casa!
Se Rodriguez dovesse decidere veramente di girare "Machete Kills" e "Machete Kills Again", come promesso alla fine del film, potremmo sentirci autorizzati ad andargli sotto casa e tirargli frutta marcia, fino ad allora, io dico: TAKE IT EASY!

VOTO: 2,5/5

Inception

2010-10-10T14:26:00.000-07:00

Risucchiato da impegni, della New York Film Academy prima, dell'università poi, non ho mai postato un intermezzo New Yorkese pt.2 nè tantomeno ho più postato in genere...ma ora le acque si sono riequilibrate...e rieccomi qui!

"Inception" - durata: 142 min. genere: Azione anno: 2010 paese: USA regia&sceneggiatura: Christopher Nolan cast: Leonardo Di Caprio, Ken Watanabe, Joseph Gordon-Levitt, Marillon Cotillard, Ellen Page...

Ho avuto la fortuna di potermi gustare questo film il giorno della sua uscita a New York, in una sala imax a Time Square, e avrei voluto parlarne quasi subito ma, come dicevo, non sono stati giorni facili quelli!

La trama suppongo la sappiate tutti, ad ogni modo il film parla di Dom Cobb, personaggio in grado di entrare negli universi onirici di altre persone. Questo viene spesso assunto per "sistemare" queste dimensioni oniriche di modo da farle sembrare reali, e carpire in qualche modo i segreti dei mal capitati di turno.
Verrà assunto da un tale di nome Saito, un imprenditore che vuole distruggere l'imprenditoria di un suo avversario.
Il passato di Cobb è "macchiato" da ambigue vicende relative la morte della moglie, a seguito delle quali Cobb è rimasto al di fuori degli stati uniti, lontano dai suoi figli, che per tutto il film rappresenteranno una sua ideale Itaca.

"Inception" è facilmente descrivibile:

prendete "Matrix", fatelo incontrare con "Eternal Sunshine of the Spootless Mind", e metteteci il protagonista di "Shutter Island".

Basta questo a rendere "Inception" un brutto film? Assolutamente NO!
Qui infatti le tematiche vengono rilette in una chiave abbastanza diversa; dove "Matrix" poteva essere interpretato come un rifiuto della realtà dovuto a una sorta di repulsione nei confronti della società attuale ed "Eternal Sunshine of the Spootless Mind" rappresentava viaggi dentro universi personali sconfinati, in "Inception" possiamo trovare una chiave di lettura più filosofica, che muove a partire da un rifiuto della realtà, ma tutto in chiave psicologica e antropocentrica (insomma può essere visto come un punto d'incontro tra le tematiche dei due film su citati).
Qual è la differenza tra realtà e sogno? (è la fisiologia stessa a insegnarci che la distinzione tra le due cose è operata dall' "io", e questo è un film su un "io"!...ma procediamo per gradi), ma soprattutto: ha qualche importanza?
Inception,senza anticipare nulla a nessuno (anche se l'hanno già visto tutti), rappresenta un lungo viaggio onirico intrapreso da un personaggio in cerca di pace, pace che troverà in una redenzione che solo lui stesso è in grado di conferirsi. Una volta trovata, il disperato tentativo di distinguere tra un ipotetico piano "reale" e uno "onirico" perderà di ogni importanza.
Il finale del film, purtroppo, è intuibile piuttosto in fretta, tutti i personaggi costruiti intorno a Dom Cobb (Di Caprio) sono vuoti, privi di spessore, hanno solo un ruolo a seconda del quale la loro forma cambia (i bambini non mutano mai, il suo "datore di lavoro" invecchia...) e le motivazioni che portano alle azioni-fulcro del film non sono mai chiare o motivate, anzi, apparentemente il film è quasi privo di senso (pur avendo una "trama", che è però piuttosto pretestuosa) fino all'esasperazione. E' questo che rende il film particolare: la sua natura onirica al 100%; tutto è, probabilmente, nulla più che una proiezione di Dom, in cerca di pace per qualcosa che ha fatto, o che crede di aver fatto, che ad ogni modo rappresenta il motivo della sua lotta continua e senza tregua contro se stesso; solo quando avrà raggiunto la pace rinuncerà a tutte quelle proiezioni che tornerano a essere persone qualsiasi in una scena d'addio priva di un vero e proprio addio, e accetterà il posto in cui si trova, che a sua volta si è probabilmente costruito da solo.
Il già famoso "finale della trottola", più che il classico "finale aperto", è stato, per me, una conferma della natura onirica e assolutamente personale di tutto il film, dall'inizio alla fine.
In questo senso "Inception" è più estremo sia di "Matrix" che di "Eternal Sunshine of the Spootless Mind".
Con "Shutter Island" ha in comune, come dicevo, il protagonista, le se motivazioni, la sua psicologia, le sue decisioni: sempre in cerca di redenzione, per un motivo tra l'altro assai simile, sempre deciso ad abbracciare una dimensione di rifiuto della realtà con un attaggiamento che, se in Scorsese porta ad una dichiarata forma di rigetto quasi schizofrenica, in Nolan trova la costruzione dell'intero film e non cerca giustificazione altra, alla luce del fatto che le distinzioni tra sogno e realtà (come detto in alcune scene del film relative alle vicende legate ai sensi di colpa del protagonista) non solo non ha tutta quest'importanza, ma forse non ha nessun senso...
In altre parole potremmo interpretare tutto "Inception" come la rappresentazione del subconscio del personaggio principale di "Shutter Island" (NON SO se Nolan avesse o meno letto il libro quando ha scritto il film e non sto parlando di plagio, STO SOLO EVIDENZIANDO DELLE ANALOGIE), con un finale decisamente più estremo che dirotta l'intera lettura del film verso direzioni più filosofiche:

come dire che l'intero film è un rifiuto della "realtà" vista come qualcosa di diverso che una proiezione del nostro Io, in quanto effettivamente il mondo di ciascuno altro non è che un interpretazione personale di percezioni operate da noi stessi su noi stessi.

Insomma il discorso può essere diretto verso mete piuttosto complesse!

Una lettura (personalissima) così "estrema" del film non lo sottrae comunque dal riconoscimento di alcuni difetti:
anzitutto c'è un contrasto non troppo funzionale (di cui però pare non stia soffrendo troppo) tra la natura del film, destinato ad un pubblico "mainstream" (insomma il suo essere "film per le masse"), e questa sua seconda, più intima, natura, profondamente ambigua.
Ad una lettura più superficiale i personaggi possono apparire semplicemente come privi di una struttura, così come le azioni possono risultare prive di un senso compiuto; c'è da dire che Nolan si è ben riparato infiocchettando la pellicola di sfarzosi e suggestivi effetti speciali.
Il film è, in alcune parti, piuttosto prolisso, difetto, questo, probabilmente figlio del conflitto di cui sopra. La lunga sequenza (piuttosto spettacolare a livello visivo) della spiegazione del ruolo dell'"architetto dei sogni" è interminabile e ripete, per la maggior parte, cose che si erano già capite nel primo quarto d'ora.
Ultimo difetto del film (bhè...questo è un difetto relativo ad una considerazione molto soggettiva):
è un film di Christopher Nolan.
Nolan, quando vuole, ha delle buone idee, ma proprio non riesce, a mio avviso, a essere qualificabile come un grande regista!
Il suo stile è sostanzialmente inesistente, sia a livello di scrittura che di regia mi è sempre risultato derivativo e poco personale, per questo non sono mai riuscito a vedere una sua opera come qualcosa di più che un "esercizio interessante".
Detto ciò, i suoi film funzionano, e oggi, a hollywood, è proprio questa derivatività che rende i titoli appetibili al commercio...e Nolan fa sì dei blockbuster, ma, senz'altro, dei blockbuster superiori alla media!

VOTO: 3.5/5

Intermezzo NewYorkese pt.1 - film italiani in america

2010-07-05T09:09:00.000-07:00

Se mi sono assentato per la quasi totalità del mese scorso è per dedicarmi allo studio in modo da snellire la lista di esami che dovrò levarmi di torno l'anno prossimo, che sarà il mio primo (e spero ultimo) anno da fuori corso...se invece a luglio non sarò granchè presente sarà perchè (finalmente) da 2 giorni sono a NY e domani mi partiranno le lezioni alla New York Film Accademy...e chi vivrà vedrà...nel frattempo mi sento di condividere solo le constatazioni più eclatanti (seppur risapute) cui vado incontro:

Giusto ieri stavo vagando per Barnes & Nobles Booksellers, un negozio di 4 piani dedicato a dvd, cd, libri e riviste (con annesso starbucks al quarto piano naturalmente, e devo dire che gli starbucks di NY mi stanno facendo ricredere rispetto a quanto avevo stabilito agli starbucks londinesi, cui tendevo a preferire i vari "Costa" e "Caffè Nero").
Vagando dopo aver lasciato 160$ nella sezione musica, sotto gli occhi guardinghi di uno della sicurezza, mi sono diretto tra gli scaffali della sezione dvd.
Se non mi ha stupito trovare tutti i cd che in italia mi hanno attirato l'ira di commessi sciagurati, mi ha stupito la situazione cinema italiano; specificatamente mi è caduto l'occhio su vari film di fellini e sulle loro varie edizioni; in particolare:

- dove noi abbiamo un "Amarcord" in un'edizione criterion da un solo dvd che è scesa olo di recente da 30 a 10 euro, qui ho trovato cofanetti dvd e cofanetti blu-ray (entrambi con relativo disco di contenuti speciali)

- C'è poi il caso di "8 12", da noi venduto a un prezzo varibile tra i 25 e i 33 Euro, nella classica confezione della medusa concopertina in cartoncino, qui presente, sempre in edizione criterion, sempre in cofanetto, sempre dvd o blu ray (e chiaramente sempre con annesso disco di contenuti speciali)

entrambi i film vengono qui tra i 30 e i 39 $ (ovverosia tra i 23 e i 31 euro), il prezzo non è dunque troppo dissimile (se non consideriamo che l'edizione italiana di amarcord, nella sua mediocrità, è stata giustamente abbassata a 10 euro), ma tra confezione, tipo di supporto e contenuti la differenza è atroce.
A questo si aggiunga che, sempre relativamente a fellini, sono qui rintraccibili titoli sostanzialmente inesistenti in italia, ma, se non altro, alcuni di questi titoli (es. "Block Notes di un Regista") furono prodotti anche all'epoca dall'america....

E questo era solo il caso Fellini, altrettanto eclatante mi è sembrato essere il caso Mario Bava, ma finirei con il riscrivere sempre la stessa roba...

Greetings from NY.
(dove connessioni wireless sono presenti anche in mezzo per strada, come a Union Square)

LOST (hope)

2010-06-11T07:46:00.000-07:00

Dopo l'ormai consueta pausa mensile torno a scrivere nei buchi di tempo tra una pratica e un'altra (se mai doveste venirvi l'idea di fare un qualsiasi corso in america della durata inferiore ai 3 mesi presentatevi come turisti! non fate il mio errore di richiedere il visto studenti!).
Il mese scorso è successa una cosa: dopo 6 (lunghissimi e strazianti) anni è finalmente finito "Lost"!
La fine di un telefilm come "Lost" è qualcosa per cui non si può non parlare di evento, non tanto perchè sia un buon telefilm (macchè!), quanto per il fenomeno che ha creato attorno a sè...
Qui nessuno sembra voler dire niente, quindi dirò io la mia, cominciando dalle origini, come sempre:

Lost è un telefilm ideato abbastanza bene, girato male, recitato malissimo, sceneggiato in maniera ridicola; a questo aggiungete la colonna sonora più brutta che abbiate mai sentito...ci siete!
"Ma allora perchè vederlo?" mi chiederete, semplice: da una parte la spinta (per un certo periodo ossessiva) di amici (che hanno impiegato 1 anno e mezzo buono a farmi vedere le prime due serie, che sembravano non voler mai finire), dall'altra il fenomeno che si era costruito intorno a questo telefilm, d'altra parte ancora, passata la terza serie, vedere come va a finire mi sembrava doveroso!

J.J. Abrams = successo(?!):
La serie deve la sua importanza sostanzialmente alla produzione e alle campagne pubblicitarie, è stata (insieme a "House m.d.") la serie apripista per la nuova ondata televisiva degli anni 2000 (ondata che, grazie ad alcuni titoli, sa oggi regalare dell'eccellente intrattenimento); il creatore della serie è J.J. Abrams, un uomo per il quale si è scomodata più volte, e in maniera del tutto ingiustificato, la parola "genio". Costui altri non è se non un piccolo nerd over-40 che ha 4 idee in tutto, con le quali gioca allegramente a palla sfornando, oltre alla serie in questione, altre serie televisive, tra le quali "Fringe" (assolutamente pietosa) e "Alias" (altro oggetto di culto, fortunatamente meno eclatante!), e film tra cui "Cloverfield" (molto interessante e ben riuscito), "Mission: Impossible 3" (ridicolo), "Star Trek" (BHA!).
Ho riassunto la carriera del registaproduttoresceneggiatoreincantatoredifolle piuttosto sommariamente, per essere precisi in "Cloverfield" (unico prodotto tra i su citati al quale abbia riconosciuto dei meriti) il ruolo di Abrams è quello di produttore, lo stesso vale per tutte le serie in cui appare il suo nome (ad ogni modo si sa che in america il ruolo del produttore è di tutt'altro tipo rispetto a quello dei colleghi europei).
Detto questo Abrams si è trovato alla regia di "M:I 3" (lo schifo senz'appello che venne all'epoca ingiustificatamente sopravvalutato) e "Star Trek" (il "BHA!").
Cosa possiamo ricavare dalla storia di Abrams? Che sostanzialmente tutto ciò che tocca NON diventa oro, rimane cacca, ma cacca con un gran bell'ufficio stampa, che riesce ad essere passata per oro da pubblicità, televisione, giornali, ecc.
I suoi prodotti sono sostanzialmente un concentrato di elementi di discendenza più o meno fantascientifica eo paranormale scanditi da salti temporali
.

La Serie:Credo che la trama di "Lost" la conoscano tutti: un aereo precipita su un'isola misteriosa che si rivelerà essere un teatro dell'assurdo piuttosto popolato e ambito da vari gruppi ed "entità".
Il numero di personaggi principali cambia di serie in serie (per motivi a volte legati a vicende esterne al set e alla serie) ma suppongo che i più pagati fossero: il ciccione visionario, il dottore coi "dad issues", il truffatore sbruffone, la figa, il pelato (ci sarebbe anche il cane...intendo dire un altro cane apparte a questi, uno dotato effettivamente di 4 zampe e una coda...ma dubito sia rimasto sempre lo stesso!).
Lost si è presentata da subito ai suoi fan come un insieme di misteri e assurdità abbastanza intriganti per le prime 3 serie (di cui 2 lentissime e noiose e una, a sorpresa, piena di azione), intrecciati con i flashback del vissuto di ogni personaggio; le ultime 3 serie, invece, hanno semplicemente del ridicolo; sono chiaramente il frutto di un tentativo di aumentare tutto, i misteri e le assurdità si fanno sempre più assurdi (e sempre meno intriganti e a loro modo prevedibili), ai flashback si cominciano ad accostare i flashforward prima, i sideaways poi...
Dalla seconda o terza serie si riusciva ad intuire dove Lost volesse andare a parare (non smetterò mai di rinfacciare ai miei amici che me l'avevano consigliato che: IO GLIEL'AVEVO DETTO!), la simbologia religiosa si faceva sempre più chiara (tra malati guariti, paralitici rimessi in piedi, morti resuscitati e decisioni basate su continui atti di fede nell'"isola"); così come il contrasto "fede-scienza" (presente, anche se in maniera piuttosto stiracchiata)...

Time Out: le promesse (e le premesse) di Abrams e degli sceneggiatori:dalla prima puntata della prima serie non si faceva altro che parlare di come la serie fosse già pianificata e di come il finale fosse stato deciso dalla prima puntata...tra personaggi eliminati a causa di attori colti in guida in stato di ebbrezza, personaggi lasciati grazie alle doti (all'aspetto) degli attori, e serie il cui numero complessivo annunciato cambiava ogni anno a cuasa delle richieste della rete c'è sempre stata una certa diffidenza in affermazioni di quel tipo; più avanzavano le serie più una cosa si faceva chiara: non solo gli episodi erano scritti sempre peggio (non che abbiano mai toccato nessuna vetta) e l'alone di mistero veniva costantemente intorpidito, ma il numero delle vicende cresceva, cresceva senza accennare a fermarsi: personaggi, piani temporali e luoghi hanno continuato ad aumentare fino all'ultimissima puntata, in maniera tale che la risoluzione tanto promessa non sarebbe mai stata possibile...ma il problema non è stato semplicemente questo
Tornando alla serie e al suo finale:Il problema nasce dal fatto che Lost non prometteva semplicemente delle risposte a degli interrogativi (in finale sti cazzi!) ma prometteva di dire qualcosa...qualsiasi cosa...
Sarò sincero, fin qui ho parlato male della serie perchè la considero mediocre (per la precisione la considero la serie più sopravvalutata di tutti i tempi), ma sono sicuro che con quei soldi, quelle location e quelle idee di base (a tratti confuse ma piene di spunti, alcuni anche molto interessanti) molta gente avrebbe potuto trasformare Lost in una piccola perla della televisione (ma sarebbe dovuto avvenire dalla prima serie, i problemi non sono inziati solo dalla quarta!) invece che nella più grossa patacca da bigiotteria di sempre!
Si sarebbero potuti tenere persino gli "attori" (e con questo sto dicendo veramente tutto); la vera serpe in seno di questa serie nata sconfitta sono sempre stati gli sceneggiatori e il resto degli addetti ai lavori (non dimentichiamoci il produttore, che si è preso tutta la gloria scaricando poi le responsabilità sugli incapaci che la stavano scrivendo)...certo anche la regia è tutta piuttosto banale e ripetitiva, ma ci si potrebbe quasi chiudere un occhio...ah dimenticavo la colonna sonora...come ho già lasciato intendere qualcuno dovrebbe andare a chiedere a chiunque sia che abbia approvato i "brani" (sono circa 3 in tutto, identici e squallidi) a cosa diavolo stava pensando...veramente una vergogna!
Arrivando al punto:io non so quanti di voi vedessero la serie e quanti di voi l'abbiano vista fino alla fine, non so neanche se vi è piaciuta o meno, ma penso ci sia un modo piuttosto semplice di descivere il finale...
La sera in cui ci apprestavamo a vedere il finale di Lost ero curioso, per quanto avessi potuto trovare la serie mediocre l'avevo pur sempre guardata tutta...insomma mi aspettavo andasse a parare da qualche parte, ero persino piuttosto sicuro che il finale mi sarebbe piaciuto perchè non poteva scendere più in basso delle serie, ero sicuro che, se Lost voleva dire qualcosa, avrebbe trovato il suo modo per dirla mantenendo una sua linea.
Avrete capito che non è stato così; Lost è riuscito in un'impresa rara, ha realizzato un finale talmente brutto, scontato e fuori luogo da riuscire non solo a cadere moooooolto più in basso di quanto la serie non fosse mai arrivata, ma persino da riuscire a deludere buona parte dei suoi fan di più vecchia data!
Una volta arrivati al titolone finale ho provato un misto di emozioni: un po' di vergogna per essermi lasciato tirare dentro questa "cosa"; un'infinità di vergogna per i miei amici che avevano osato definirlo "geniale" qualche anno fa; pietà per chiunque, sconvolto, si sarebbe convinto il giorno dopo di aver visto qualcosa di passabile; rabbia da parte di chi magari questa "cosa" l'ha seguita per sei anni (in finale io l'ho vista in relativamente poco tempo), curiosità su cosa avrei sentito dire il giorno dopo...ero anche impressionato dalle similitudini riscontrate tra gli sceneggiatori di Lost e quelli mostrati in Boris!
Il Giorno Dopo (spoiler alert!):
su internet leggo le dichiarazioni di uno degli sceneggiatori che definisce il finale di Lost come geniale; parla delle questioni relative alla fede e della dicotomia bene-male incarnata dai personaggi di Jacob e il fuomo nero...
non c'è limite alla vergogna...
PERCHE' il finale di Lost fa cagare:
-BENE MALE?Ci sono una serie di motivi che rendono il finale di Lost quello che è, a mio avviso, il finale più squallido nella storia dei finali di qualsiasi cosa:
anzitutto parto da una questione sollevata dallo sceneggiatore, la dicotomia "bene-male" incarnata dai personaggi di Jacob e del Fumo Nero:
questa è una cosa piuttosto evidenziata durante l'ultima serie (in una maniera pacchiana a non finire! uno è associato a cose colorate sempre di bianco, l'altro a cose colorate sempre di nero...tutto lì!), ma, se veramente, come sostiene lo sceneggiatore, questi due personaggi volevano rappresentare questa dicotomia...bhè non ci sono riusciti!
Sapete che a parlare è qualcuno che, davanti a questo tipo di argomentazioni, risulta sempre abbastanza irritato, trovo siano stupide e obsolete, ma il fatto è che in questo caso hanno fallito proprio nell'intento, credo che chiunque abbia visto l'ultima serie per intero si sia reso conto non solo che il personaggio del fumo nero è il personaggio più interessante della serie (almeno in potenza, perchè all'atto pratico è esaurito in 3 puntate), ma che viene posto da subito più vicino allo spettatore, è più approfondito, è l'unico dei due dotato dello spessore psicologico che porta lo spettatore all'empatia nei suoi confronti (è pur sempre uno che lotta per libertà e conoscienza)...insomma..."bene-male" li vedete nei film di Frank Capra (che io detesto), qui non c'entrano assolutamente nulla.
-I MISTERI IRRISOLTI...Ora passiamo oltre:
i misteri irrisolti non sono il motivo della mia più grande indignazione; anzi mi preoccupo molto più per i misteri risolti (per citarne uno: la sequenza di numeri più famosa degli ultimi anni è stata così giustificata: "Jacob aveva una fissa per i numeri"); capisco che la gente sia rimasta indignata dalla quantità della roba che era stata letteralmente buttata lì ("sai mai...") ma per questo ho una sorta di giustificazione, legata al motivo della mia più grande indignazione, che sta per arrivare...insomma rimando il discorso a tra qualche riga!
Ad ogni modo i misteri irrisolti, accanto agli innumerevoli buchi (a volte proprio logici) della storia mostrano il livello di incapacità degli imbecilli che hanno scritto la serie.
-L'ULTIMA PUNTATAL'ultima puntata di per sè è un insieme inverosimile di merda sotto ogni aspetto, dalle vicende seguite (storie d'amore a distogliere l'attenzione, terremoti, riapparizioni all'ultim'ora di personaggi dimenticati, scontri corpo a corpo su una scogliera durante un cataclisma!) al modo in cui sono mostrate (inquadrature deliberatamente allungate per tappare buchi dietro ogni angolo!) fino al modo in cui sono realizzate! (date un'occhiata alla scala e alla disposizione del paesaggio durante il combattimento...e date un'occhiata anche al montaggio mentre Sawyer e Kate si tuffano!)
La Grande Indignazione:aerei che precipitano, morti che resuscitano, segni di una qualche civiltà precedente sull'isola, religione, fisica, viaggi nel tempo, realtà alternative, purgatori e altri mondi...
già solo con questa manciata di argomentazioni era possibile sviluppare di tutto....e invece:
dopo aver scoperto che tutti sono finiti sull'isola in nome della battaglia personale di qualcun altro, cominciamo a vedere i personaggi in un mondo alternativo, dove nulla è avvenuto...
spiega lo sceneggiatore (ma la serie sotto quest'aspetto è già eloquente di suo):
i sideways che vediamo sono il purgatorio, ognuno ha una visione estremamente soggettiva dell'oltretomba e nessuno capirà di essere morto, nè sarà libero di procedere verso il paradiso, fino a quando tutti non si riconosceranno tra loro potendo così ascendere.
Questo, sempre secondo lo sceneggiatore, è frutto di una lettura derivata da varie religioni citate durante la serie, dall'induismo al cristianesimo.
Nella penultima scena vediamo addiritturai simboli di tutte queste religioni (e una ruota!) sulla vetrata della chiesa nella quale tutti stanno ascendendo al paradiso (tranne Benjamin Linus, per la cui non ascensione lo sceneggiatore ha dato una spiegazione superficiale che oserei addirittura definire differente da quella lasciata intendere nella puntata!)...ultima inquadratura: la stessa della prima puntata, solo che invece di essere l'occhio di Jack che si apre, c'è l'occhio di Jack che...si chiude! ("eh ma la scritta J.J. Abrams sin dalla prima puntata!" "eh ma sti cazzi?!").
Ok...cos'è quello che abbiamo appena visto?
"no perchè...cioè...hanno ripreso il filone religioso e hanno fatto che..."blablablabla una serie di scuse...qui mi sembra di rivivere il dibattito relativo alla questione "Avatar", solo che molto peggio! Il fatto che questo o quell'elemento siano stati presi da una, 2, 3, 15, 127 religioni che esistono davvero, così come il fatto che i numeri fossero una serie numerica di non ricordo che matematico, o come il fatto che la teoria del viaggio del tempo sfiori lontanamente delle teorie einsteniane, sono tutte questioni assolutamente insignificanti dal momento che non hanno portato a nulla.
Nel suo gran finale è questo che Lost decide di dire: niente, risolve la storia facendo morire tutti i personaggi e buona notte al secchio!
Un'Ipotesi:dunque ho visto il finale di "Lost", mi ha fatto cagare in una maniera che neanche io, da non fan della serie, mi sarei aspettato, e c'ho anche riflettuto un attimo sopra ricollegandomi alle teorie che avevo tracciato nel tempo (le mie parole precise furono: "a rega', guardate che questa è una puttanata religiosa che andrà a parare su qualcosa come l'altro mondo"...dovrei essere contento di averci preso considerando che lo dissi tra seconda e terza serie!)...
Il problema, come dicevo, non è la scelta del tema religioso su tanti altri che avrebbero potuto scegliere (senza contare che non necessariamente ogni tematica esclude tutte le altre) il problema di fondo è che una tematica qui non c'è!
Quindi ci ripenso da capo e mi dico:
certo che il non dare nessuna risposta alla fine di una serie che prometteva solo risposte potrebbe avere un senso:
se l'isola rappresentasse il mondo e i personaggi l'umanità (abbiamo i semplici abitanti, gli scienziati, i preti, i fedeli, ricercatori e studiosi di varia natura, abbiamo persino i ricchi), dare quesiti su quesiti giungendo solo a risposte di natura meccanica, portando poi tutto a finire con la morte dei personaggi, potrebbe voler in qualche modo rappresentare la natura della vita dell'uomo sulla terra e la sua relazione davanti alle domande sul senso e la natura dell'esistenza stessa...
Certo...e sarebbe anche una bella provocazione per lo spettatore non dare risposte più precise, lasciando questa come risposta sottesa...certo...
certo sarebbe stato bello se questo fosse stato il senso di Lost, questo è l'unico motivo per cui, in fin dei conti, di tutte le problematiche legate a Lost che ho esposto, trovo che i misteri irrisolti non siano la più grave!
Per fare una roba del genere si sarebbe dovuto probabilmente far durare il telefilm molto di meno ("eh ma gliel'hanno fatto allungare i produttori..." sìsìsì silenzio!), ma soprattutto si sarebbe dovuto farlo scrivere a qualcuno che avesse idea di quello che stava facendo! (Davvero...vicende e scene mostrate nell'ultima putata, così come nell'ultima serie, così come in molti altri episodi precedenti - ma senz'altro in minor misura - sono state scelte "a cazzo di cane" per dirla con Ferretti!).
E' fin troppo evidente che "Lost" e la sua storia sono stati scritti e riscritti e riscritti (senza neanche prestare particolare attenzione a quanto detto fin lì) e sono sicuro al 100% che il finale sia stato scelto all'ultimo secondo, i misteri irrisolti, ahimè, non sono strumento per una profonda e interessante provocazione, sono solo le cicatrici lasciate alla serie dall'incapacità di chi l'ha scritta, nella migliore delle ipotesi sono tracce aperte e lasciate morire perchè non si sapeva dove portarle, in altri casi per esigenze legate a fattori di audience o di natura legale.
E' evidente che sin dall'inizio non si ha mai avuto la certezza di dove andare a parare, le tematiche aperte ("che però si riferiscono a religioni vere, equazioni, teorie scientifiche e..." sìsìsìsìsì silenziooooo!!!!!) sono state aperte "giusto in caso", per poter scegliere alla fine dove dirigersi.

Il più grande difetto di "Lost", ciò che lo rende una serie veramente indegna di essere chiamata tale, è la mancanza di un'idea o di un intento di fondo, non è filosofia, non è psicologia, non è religione, non è scienza, non è neanche intrattenimento fine a se stesso, nonsense o dichiaratamente basato solo ed esclusivamente sull'avvenenza dei protagonisti, è una macchina per fare soldi messa in mano a gente il cui unico scopo era incassare, pagati per tentare di soddisfare alla meno peggio palati di ogni genere (operazione parzialmente riuscita), si sente l'assenza di almeno una persona che credesse nel progetto dall'inizio alla fine.
Ho tentato di dimostrarvi come, anche scegliendo la strada che hanno scelto, si sarebbe potuto fare qualcosa di molto interessante, se solo si fosse saputo cosa si stava facendo...invece ci sono solo vagoni pieni di girato, scene di ogni tipo, ma arrivati alla stazione non ci troviamo a scendere in un posto piuttosto che in un altro, non ci troviamo neanche a scendere nel centro del deserto, ci limitiamo ad accorgerci che, proprio come temevamo, alla guida del treno non c'era nessuno, perciò tiriamo dritti e ci schiantiamo contro un muro.
Un ibrido informe e insapore composto mescolando alla rinfusa cose già viste, da "Il Signore delle Mosche" a "Minority Report" passando per praticamente qualsiasi cosa.
L'unica cosa che rimane da stabilire è se questo finale l'abbiano fatto per divertirsi e vedere fino a che punto erano riusciti nell'intento di vendere merda di ogni tipo al loro pubblico, o se sia uscito casualmente, senza che si godessero questa piccola, grande, ma finalmente sincera (soprattutto: finalmente legata al loro lavoro) gioia...

"It's all about the Benjamin" cari miei!

...

2010-05-12T10:44:00.000-07:00

E come spesso mi accade vengo a sapere le cose in ritardo...

GURU (17/7/66 - 19/4/2010), o meglio Keith Elam...
...di roba ne ha fatta, penso che i nomi "Gang starr" e "Jazzmattazz" parlino da soli...

The Immaginarium of Doctor Parnassus

2010-05-11T05:24:00.000-07:00

"Parnassus, l'Uomo che Voleva Ingannare il Diavolo" (The Immaginarium of Doctor Parnassus) - duarata: 122 min. genere: fantastico anno: 2009 paese: UK, USA, FR, Canada, regia: Terry Gilliam sceneggiatura: Terry Gilliam, Charles McKewon cast: Christopher Plummer, Tom Waits, Verne Troyer, Andrew Garfield, Lily Cole, Heath Ledger, Johnny Depp, Jude Law, Colin Farrell

Come al solito in ritardo rispetto ai compari che se ne vanno al cinema puntualmente (nonostante me lo fossi procurato appena uscito il blu-ray in america), ieri ho finalmente visto anche il tanto chiacchierato (ma non chiacchierato quanto ci si aspettava) "The Immaginarium of Doctor Parnassus".
In media di questo film mi era stato parlato male, nelle migliori delle ipotesi non bene, non ero sicuro di cosa stessi per vedere ma, una volta visto, come spesso mi accade, mi sono ritrovato mediamente in disaccordo con quanto mi era stato detto.
Di questo film si può dire tantissimo e pochissimo, io tenterò di tenermi sul sintetico per una volta:

Il dottor Parnassus (Christopher Plummer), immortale a seguito di una delle sue varie scommesse con Mr Nick aka il diavolo (aka uno stupendo Tom Waits), è condannato a girare per la londra contemporanea a bordo del suo surreale e anacronistico carrozzone, porta uno spettacolo irripetibile, tenta di portare la gente verso la via dell'"immaginazione"; l'immortalità forzata in un mondo che non è più in grado di capirlo non è la sua più grave croce, a seguito di un patto stipulato con Mr. Nick anni addietro, sua figlia dovrebbe essere spedita all'inferno entro il suo 16° compleanno.
Mr. Nick ama però giocare con Parnassus e lo sfida in una gara alla meglio delle 5 anime, per la quale Parnassus ricorrerà all'aiuto di Tony Shepard (Heath Ledger, Johnny Depp, Jude Law, Colin Farrell), smemorato raccattato dalla figlia dal resto della compagnia (come nelle migliori fiabe: un nano e un ladro) mentre pendeva, appeso per il collo, al di sotto di un ponte.

Terry Gilliam lo conosciamo un po' tutti, tutti hanno visto come minimo "Paura e Delirio a Las Vegas", anche se non tutti hanno visto quello che a mio avviso è il suo capolavoro assoluto: "Brazil"; il caso Heath Ledger poi è noto a cani e porci (grande attore, per carità, ma non è proprio di questo che voglio parlare), questa è l'ultima pellicola che ha girato, è morto durante le riprese e si è dovuti ricorrere ad un escamotage surreale, spartendo tra i 3 attori suoi amici Johnny Depp, Jude Law e Colin Farrell, la parte di Tony, che cambia lineamenti nell'Immaginarium; questo espediente non sembra neanche tale, fa al caso del film, anzi forse incrementa non solo l'effetto generale, ma l'inescrutabilità del personaggio di Tony, che non si rivelerà completamente per quello che è fino al finale.
Ora, il film si può analizzare sotto molteplici punti di vista, Terry Gilliam da qui fondo alla sua anarchia visiva e immaginaria dando vita ad un calderone di colori che si ama o si odia; cià che ho trovato affascinante è ciò che sta dietro a questo film, che conserva in sè anche una piccola dose di anarchia concettuale; Mr Nick e Dr. Parnassus non sono altro che l'ennesima reinterpretazione dell'antico tema della lotta bene-male, luce-ombra, eppure questa lotta è ben diversa dal solito; anzitutto specifico qualcosa che non ho specificato, Mr Nick "corrompe" le anime che incontra parlando loro della necessità degli istinti violenti e della discordia nel mondo; Parnassus, invece, "corrompe" (eh sì!) le sue immergendole in un colorato mondo d'immaginazione gioiosa, di rivalutazione del valore della vita e della svalutazione dei beni materiali.
Ma lo scontro non è uno scontro, è un gioco, in sostanza il "bene" è l'immaginazione, il "male" sono le pulsioni naturali dell'uomo, dalla violenza al sesso, e Mr Nick e Dr. Parnassus non riescono a vivere uno senza l'altro, l'immortalità di Parnassus è tutto sommato alleviata dalla presenza di Mr Nick e dei loro giochi, lo capiamo quando Mr. Nick si rende conto amareggiato di aver vinto la scommessa, quando si preoccupa del fatto che Parnassus non lo perdonerà mai, lo vediamo nel sorriso che i due si scambiano alla fine del film (a seguito di una promessa mantenuta e di obbiettivi che non sembrano più così contrastanti), entrambi distaccati dal mondo con cui giocano, che è un mondo in cui le persone non scelgono tra questi due estremi, vi si collocano nel mezzo, godendo della propria mortalità.
Quindi non è semplicemente il fatto che "non c'è bene senza male" (anche perchè li trovo concetti obsoleti, ma credo sia ovvio) quanto il fatto che bene e male non sono bene e male, sono semplicemente due pulsioni naturali che giocano l'una con l'altra in questo circo per gli occhi, l'appagamento in ciò che definiamo realtà e la ricerca costante di una realtà altra, utopica, a tratti stancante, colorata e imprevidibile, all'interno della quale ritroviamo comunque tutte quelle nostre pulsioni di cui sopra, tant'è che nell'immaginarium del dr parnassus mr nick è onnipresente, senza di lui sarebbe solo una sorta di "wonderland", alla stregua di un trip da acido.
E' un gioco, nient'altro che un gioco, senza fine alcuno, è quindi naturale che nel finale del film sia iscritto in qualche maniera l'inizio del film, in quanto il fine stesso della pellicola è il suo svolgimento, e certo che non garantiamo il lieto fine, in quanto qui ne vediamo scardinato il concetto in un'orgia di colori, di tinte chiare e tinte scure che convivono, all'interno delle quali ci spostiamo, più o meno volontariamente.

Non è il miglior film di Gilliam, ma è ben distante dall'essere un brutto film, è una favola affascinante, il cast funziona a meraviglia (e a chi mi ha detto il contrario ribadisco, se volete guardare i film doppiati fate pure, ma non venitemi a dare giudizi sugli attori poi, che ne volete sapere?!), e le due ore scorrono bene; sostanzialmente, come dicevo, è una fiaba, ma con un finale insolitamente "reale".

VOTO: 3,5/5

"Drawn Together Movie" (per carità dategli il permesso di ridere!)

2010-05-07T11:09:00.000-07:00

Il mondo dei cartoni animati "di satira" è un mondo difficile!
Lo dico perchè nel confrontare i vari titoli trovo che la gente faccia spesso confusione; ora, prima di iniziare, voglio mettere le cose in chiaro:
personalmente io sono un fan strasfegatato di "Family Guy" (aka "I Griffin") e ogni volta che qualcuno me li paragona a "I Simpson" un brivido mi corre lungo tutta la schiena, non tanto perchè negli elementi di base (ma stiamo parlando di robe come il numero dei personaggi) non ci siano affinità, quanto perchè sono due cartoni totalmente opposti...per come la vedo io esistono due rami ben distinti tra quei titoli che vengono di solito accomunati (prenderò in considerazione solo quelli che considero i 4 titoli più "esemplificativi" rispetto al concetto che vado a esporre):
da una parte ci sono i già citati "Griffin", e "Drawn Together" (un cartone mandato in onda su comedy central fino a un paio d'anni fa), dall'altra ci sono "Simpson" e "South Park".
Premettendo che non mi piacciono i Simpson essendo naturalmente allergico alla demagogia spicciola (senza contare lo sfacelo delle ultime serie e il pessimo film, che ho personalmente trovato una delle cose più squallide uscite al cinema negli ultimi 5 anni), trovo che "South Park" ne sia la naturale evoluzione; in comune questi due cartoni hanno una posizione ben chiara e definita rispetto a ciò che illustrano e sono (in particolare il secondo) autentici cartoni di satira, il loro scopo è solitamente mandare messaggi ben specifici; la cosa che mi infastidisce dei simpson, come dicevo, è proprio la natura banalmente educativa ed edulcorata del tutto (per non dire che, serie per serie, si è scaduti nel buonismo più irritante), in south park invece, più apertamente aggressivo, la cosa che trovo decisamente insopportabile (anche se non sono un detrattore della serie, badate bene) è il bisogno di esplicitare continuamente l'ovvio, gli autori non sono in grado di creare un'allegoria senza distruggerla nel finale venendomi a fare la morale e a spiegarmi quanto era già abbastanza ovvio (esemplare è il tristissimo pippone che ci dobiamo sorbire alla fine della puntata sulle elezioni, in cui i personaggi sono tenuti a scegliere tra una peretta gigante e un panino alla merda. Una delle puntate più brutte di sempre nonosante "le elezioni, il potere, i potenti ecc"); tuttavia questo non è un fatto che avviene sempre, c'è una (bassa) percentuale di puntate che ci risparmia, e non si può negare che il cartone abbia delle trovate molto divertenti (le puntate 200 e 201 ne sono un esempio); come dicevo, se non sono un fan, non sono neanche un "hater" rispetto alla serie che ha rilanciato la moda del flash.

Passando all'altro gruppo (che preferisco) da una parte abbiamo "Family Guy", a mio avviso un cartone inarrivabile rispetto a tutti gli altri, nonostante spesso e volentieri abbia riciclato dei "topic" già visti; questo è il più anarchico tra i titoli, momenti di "satira" ne ha, ma sono più satira alla satira stessa, solitamente finisce col prendersela sempre con tutto e tutti senza mai schierarsi in maniera definitiva, semplicemente distruttivi spaziano dal nonsense alla "cattiveria" (senza "cattivismo"), è lecito pensare (e non pensare) tutto, e non farsi scrupoli davanti a niente, qualsiasi modello comportamentale viene messo alla gogna...ma mi fermo perchè dei griffin potrei veramente parlare per ore andando poi a parare su quelle che, per quanto mi riguarda, sono le loro radici filosofiche (sono gli unici, tra questi titoli, a cui credo sia lecito accostare questa parola).
"Drawn Together" - oggetto del post, al quale sto lentamente arrivando - è un po' un discorso a se stante: il cartone rappresenta un reality show che costringe insieme in una casa le parodie di supereroi marveldc, principesse della disney, manga(pikachu), spongebob, videogame e internet download; l'unica definizione adatta per questo cartone è "grottesco", in maniera spudorata e deliberata (qui di cattivismo ce n'è a bizzeffe); ogni pretesto è buono per buttarci in mezzo necrofilia, pedofilia, coprofagia, razzismo e per mettere un fallo accanto a dio (insomma io stesso non sono stupito che il cartone sia stato cancellato); rischiando di cadere nel ripetitivo questo show sguazza nel politicamente scorretto fino alla nausea e all'affronto deliberato; in ognuna delle 3 serie gli autori si sono spinti un po' più in là, creando una sorta di dichiarata adorazione del grottesco che sa raggiungere dei picchi di brillantezza non da poco...ora non fraintendete, il cartone ha un senso, ma richiede allo spettatore di accettare il suo continuo "sconfinare" (in realtà non capisco come una cosa del genere sia riuscita ad arrivare in televisione anche qui in italia, beccandosi tra l'altro quello che è senz'altro il miglior doppiaggio di sempre, di certo nettamente superiore a quello svolto da Tonino "aggiungo versi a caso e storpio le battute" Accolla).
Nel caso vi stiate chiedendo che tipo di pubblico guarda Drawn Together...bhè..."Ockhamicamente" la risposta è la più semplice: in media fattoni, qualunquisti, e intellettualoidi di sorta; vi invito comunque a dargli una chance prima di scartarlo solo in base a questa mia descrizione, a sua volta volutamente eccessiva, al fine di rendere chiaro che non sto per parlare di un cartone "per tutti", ma di una sorta di perla d'arroganza e autocompiacimento, che riesce a giocare in maniera intelligente anche con la più dichiarata stupidità.

"Drawn Together Movie" - durata: 70 min. genere: grottesco anno: 2010 paese: USA regia: Greg Franklin produzione&sceneggiatura: Dave Jeser, Matt Silverstein doppiatori: Adam Carolla, Jess Harnell, Abbey DiGregorio, Jack Plotnick, Tara Strong, Cree Summer, James Arnold Taylor, Seth MacFarlane, Vernon Wells
E quest'anno è uscito il film: tutti i cartoni che ho citato ne hanno uno; quest'ultimo è, come nel caso del cartone dei griffin, una risposta al fatto di essere stati cancellati; mentre Peter e compagnia si sono riguadagnati la messa in onda grazie ad un pubblico vastissimo e sono ora giunti all'ottava serie senza mai calare, anzi, usando i soldi per incrementare i loro mezzi di produzione e andando a creare quello che, per quanto mi riguarda, è il miglior cartone animato in circolazione, le sorti di "Drawn Together", che per sua stessa natura difficilmente potrà puntare a questa meta, sono ancora incerte.
Ora devo riconoscere che il film di Drawn Together, rispetto a tutti gli altri, "brilla" veramente di una luce propria ed è forse la più lucida (ma incazzata) analisi che sia mai stata fatta su questa fetta di mercato televisivo; la cosa particolare è che, se il cartone è da ridere, il film non lo è affatto, è un concentrato di risentimento fatto senza tener conto delle battute, per le quali sono gli autori sono andati a pescare in un barile pieno di tutta la "merda" (parlo in senso letterale, non dispregiativo) che ci hanno dispensato nelle 3 serie; l'attenzione è dedicata tutta all'argomento che gli sta più a cuore: gli "stronzi" che li hanno cancellati (o, per chiamarli col nome che gli hanno dato loro: "i produttori ebrei"), ho personalmente trovato geniale, l'argomentazione posta dietro l'attacco, semplice e ovvia, ma non così immediata per il pubblico.
Ora tutti i nodi verranno al pettine e capirete perchè ho messo in mezzo gli altri titoli...
La trama è la seguente:

Il produttore ebreocreatore dei drawn together, ha fatto in modo di non far sapere ai personaggi della cancellazione della serie e ha continuato a sottoporli alle solite prove insensate per il proprio intrattenimento autoerotico; quando i personaggi, notando l'assenza della censura e sentendosi finalmente liberi di inveire e spogliarsi senza "beep" e senza essere oscurati, scoprono l'inghippo e telefonano al canale, il boss di turno, che ha perso moglie e figlia in un incidente stradale - del quale attribuisce tutta la colpa ai Drawn Together (la madre lascia il volante per tentare di non far vedere alla figlia i cartelloni pubblicitari dello show) - scatena I.S.R.A.E.L. (Intelligent Smart Robot Animation Eraser Lady), un robot concepito per la distruzione dei cartoni animati più scomodi, doppiato - udite, udite - dall'immenso Seth McFarlane (geniale creatore di "Family Guy", nonchè doppiatore di Peter, Stewie, Brian, Quagmire, Carl Pewterschmit, del dottore e di una lunga serie di personaggi-"comparse" della sua serie di culto).
Prima che si scaldi qualche animo sappiate che in finale "All Israel ever wanted was to live in peace".
A questo punto i Drawn Together si separano per poi riunirsi nel disperato tentativo di sopravvivere fino a scoprire di non essere chi realmente credono di essere, ma di essere delle semplici caricature.
Nella loro fuga i Drawn Together si imbattono in un personaggio particolare, una bambina: Suck My Taint Girl, disegnata nello stile di south park, che fa lo stesso tipo di umorismo grottesco dei drawn together, ma che spiega il significato di ogni battuta compiacendo un pubblico che solo così si sente libero di ridere (guarda un po'....).
Questa bambina, fatta la conoscenza dei Drawn Together, spiega loro che non riusciranno ad andare in onda fino a quando non spiegheranno il senso della loro esistenza, e decide di portarli dal mago di Make-A -Point-Land, così da poter sopravvivere...

non aggiungo altro ma credo che il punto sia abbastanza chiaro e, nel finale del film, anche i drawn together riusciranno a "fare il punto" e a spiegare al pubblico come il loro senso sia legato proprio al non avere un senso...ma purtroppo un lieto fine in queste circostanze è improponibile, nonostante la loro sia una semplice richiesta di convivenza pacifica con gli altri cartoni di genere...

Insomma: il film di Drawn Together, non va a caccia della battuta elaborata e non mostra nulla di nuovo rispetto a quanto ci ha abituato, certo ha una serie di sotto-parodie a volte anche molto elaborate (mi limito a dire che il personaggio di I.S.R.A.E.L. è molto particolare) e qui e lì va a trovare delle risoluzioni molto interessanti alle situazioni che crea, sfruttando la sua natura di show meta-televisivo a pieno.
In ogni caso è più che mai un invito a riflettere (molto più dei film degli altri 3 titoli) nonchè, come ho detto e ripetuto, un attacco al qualtempo eccessivo e lucido, che colpisce esattamente nel punto giusto: cos'è che rende benvoluti cartoni che non sono più brillanti nè più "buoni" di questo?
Come al solito la risposta è "l'ipocrisia", ma come al solito la fetta di pubblico che è invitata a riflettere non vedrà mai questo film; tuttavia gli autori non perdono le speranze rilasciando su internet un "comunicato" nel quale invitano il loro pubblico a comprare i prodotti i dvd di Drawn Together se vogliono rivederlo in onda perchè, al di là delle spiegazioni che accampano, "quello che interessa veramente ai produttori ebrei sono i soldi nelle loro tasche".
Nel caso ve lo steste chiedendo gli autori di Drawn Together sono Dave Jeser e Matt Silverstein (si dovrà anche a questo l'ossessione per la figura del "produttore ebreo"?)

VOTO:3/5

Vi lascio con la canzone dei titoli di coda del film...piuttosto esplicativa....

"Make A Point" (E.Schletter)
Take it up the ass, metaphorically
Suck on a massive dong, allegorically
Slather spewing dung
across a sweaty symbolic ass
And we can make this fuckall a better worId
When you crap yourself, it's an opportunity
To scoop up the excrement and eat it   (gnam gnam gnam gnam gnam gnam)
Thereby showing how
you can jizz on a rotting cow
And make this fuckall a better worId
Just make a point, with your vomit
Make a point with unbridled mayhem
When you make a point to
teach the boys and girls
That you can make a point
by eating the puke chunks
And make a point
by cannibalizing ears
Make a point and make
this fuckall a better worId
Gargle a glop of snot
Then swallow it, metaphorically
Fondle a donkey's cock
while felching it, allegorically
Beat off into
A christmas stocking, mockingly
And make this fuckall a better worId
Make a point and make
this fuckall a better worId

Prendilo nel culo, metaforicamente
Succhia un enorme uccello, allegoricamente
Spargi sterco liquido
Su un simbolico culo sudato
E potremmo rendere questa merda un mondo migliore
Quando ti caghi addosso, è un'opportunità
Per raccogliere un escremento e mangiarlo (gnam gnam gnam gnam gnam gnam)
Mostrando così come
Tu possa sborrare su una mucca in decomposizione
E rendere questa merda un mondo migliore
Basta fare il punto, col tuo vomito
Fai il punto, con del casino sconclusionato
Quando fai il punto per
Insegnare a ragazzi e ragazze
Che puoi fare il punto
Mangiando pezzi di vomito
Fai il punto, cannibalizzando orecchie
Fai il punto e rendi
Tutta questa merda un mondo migliore
Fai i gargarismi con un tocco di muco
Poi ingoialo, metaforicamente!
Accarezza il cazzo di un asino
Mentre lo succhi, allegoricamente!
Masturbati nella
Calza di natale, burlescamente!
E rendi tutta questa merda un mondo migliore
Fai il punto e rendi
Questa merda un mondo migliore!

Gran Torino

2010-04-22T14:28:00.000-07:00

"Gran Torino" - durata: 116 min. genere: drammatico anno: 2008 paese: USA regia: Clint Eastwood sceneggiatura: Nick Schenk cast: Clint Eastwood, Bee Vang, Ahney Her, Clory Hardrict, Christopher Carley, John Caroll Lynch, Geraldine Hughes, Dreama Walker, Brian Haley, Brian Howe, Nana Gbewonyo, Sarah Neubauer, Sonny Vue...

A oltre un anno di distanza dall'uscita italiana, ho finalmente rimediato alla mia lacuna guardando questo celebratissimo "Gran Torino", addio alla scena cinematografica di Clint Eastwood in veste d'attore.
Eastwood è uno che, inutile dirlo,i film sa decisamente farli, è forse la cosa più vicina ai vecchi fasti Hollywoodiani che sia rimasta in circolazione (seppur rivendicante la sua natura autoriale), non mi stupisce dunque vedere come questo film abbia scosso tanti animi, essendo a suo modo un'opera ultima.
Dentro "Gran Torino", in effetti, ci troviamo tutti gli elementi del cinema di cui ha fatto parte il registaattore principale, il film si imposta su un registro classicheggiante sotto ogni aspetto...ma procediamo un passo alla volta:
Walt Kowalski (Clint Eastwood), reduce della guerra in Corea ormai anziano e vedovo, ruvido, razzista - o almeno questo è ciò che viene lasciato intendere che dovrebbe essere, ma forse faremo meglio a dire che nel parlare da fondo a una serie di stereotipi che, nella loro banalità, danno come un risultato un personaggio più che altro buffo, una caricatura più che una summa di tutti i personaggi eastwoodiani, che si esprime per grugniti e sputa come lama per tutta la durata della pellicola - che conosce poco la famiglia (gli scambi di battute con i suoi figli non sono sempre dei più convincenti, anche qui a tratti sembra di avere a che fare più con un "mascherone" che con un personaggio) e si ritrova a vivere in un quartiere ormai divenuto asiatico, quartiere nel quale sembra farla da padrone lui, con la sua bandiera americana appesa fuori, la Gran Torino che di giorno tiene al sole tanto per, in ricordo di un tempo andato, e il fucile dei tempi della guerra con il quale fronteggia bande di teppistelli che sembrano uscite dalle pagine di GTO.
Insomma: Kowalski non è più quello di un tempo, ed è stata la vita a indurirlo, per questo da "ripetizioni" da uomo vissuto al prete della parrocchia locale, per questo odia il suo vicinato.
Divenuto amico dei ragazzi della porta accanto sua, Kowalski cambierà il suo modo di vedere quel mondo che ormai lo ha "sporcato" tanto da lasciargli come unica redenzione l'immolarsi per il bene di una causa "superiore".
Come avrete notato sto usando dei toni non sempre convinti nei confronti di questo film, non è perchè lo abbia ritenuto un brutto film, ma è perchè ci tengo a sottolineare come questo, a mio modesto avviso, non sia affatto un capolavoro.
Anzitutto, come detto e ridetto, la figura del protagonista, nonostante sia stata concepita e interpretata da un grande, è una figura che lascia un po' il tempo che trova in quanto è stata "caricata" troppo e male, fino alla goffagine; tutti gli attori accanto ad Eastwood (o almeno quelli che appaiono più spesso) sono poi dei cani (vi invito a vedere la scena in cui il ragazzino preso a cuore da Kowalski si ritrova chiuso nello scantinato e grida, i secondi peggio interpretati di sempre, almeno per quanto riguarda titoli di questo calibro) e questo non facilita le cose!
In realtà i problemi che ho riscontrato guardando il film sono tutti di questo tipo, Eastwood mira al classico, ma ci consegna un prodotto per il quale la parola più adatta è, purtroppo, vecchio.
Già a partire dalla regia, ho trovato che si perdesse nel tentativo di essere "magniloquente" fino a diventare semplicemente pesante, ed è proprio un senso di profonda pesantezza che mi hanno trasmesso i movimenti delle cineprese; questo senso di pesantezza potrebbe essere in linea con il personaggio ma, come dicevo, stiamo parlando di un personaggio che finisce con l'avere del ridicolo, complici le scene in cui finisce in mezzo (vogliamo parlare di quando fronteggia quel gruppo di "nigguz" che infastidiscono Sue? Il quadretto complessivo sin da prima dell'arrivo di Kowalski è una riproposizione dei già goffi scenari di certi film e film-tv della prima metà degli anni '90).
Ci sono solo 2 momenti del film che veramente funzionano fino in fondo e ridanno una dimensione drammatica al personaggio di Kowalski: la scena iniziale e la scena finale, ovvero le scene incentrate sulla morte, tematica che (complice la consapevolezza dello spettatore di trovarsi davanti all'ultima prova attoriale di un Clint Eastwood a sua volta invecchiato) sembra essere l'unica sviluppata con un certo successo.
Per il resto....bhè credo ci sia ben poco da dire sulla sceneggiatura e sull'argomento del film, definire retorica una e abusato l'altro è parlare per eufemismi!
Non voglio con questo dire che il film sia "fatto male" (che poi che vuol dire fatto male? secondo me niente!), anzi è godibile, ma nulla di più; come ho già detto, al di là di tutte le riflessioni che si possono voler imporre su come Eastwood abbia realizzato consciamente un film retorico, intriso di una virilità stanca e invecchiata (convincente solo a metà), a conti fatti "Gran Torino" è un film che sarebbe andato alla grande 20 anni fa, ma che, per essere del 2009, appare nato vecchio e duro solo in apparenza, come il suo personaggio principale; questo fatto potrebbe anche essere provocatoria dissacrazione di un personaggio di cui ormai Eastwood si voleva liberare, ma, anche in questo caso (stiracchiato), ci troveremmo davanti ad un'operazione riuscita a metà.

Dopo la visione del film non vi aspettate di sentirvi assaliti dal desiderio di riverlo dal capo, nè di ritrovarvi stimolati alla riflessione, l'unico vero miracolo del film è come riesca a non risultare completamente ridicolo, ma anzi, intrattenga fino alla fine senza risultare pesante all'eccesso, senza contare che Kowalski risulta in finale un personaggio divertente, al di là di tutte le considerazioni di cui sopra, non irritante.
Forse l'esperienza di Eastwood va qui a segno non nel dare alla luce un grande film, ma nel conferire una veste abbastanza personale e dignitosa ad una storia che dice molto poco, nonostante si sforzi di dirlo ad alta voce.
Non è nulla che non abbiate già visto (e potreste anche preferigli qualcosa che avete già visto)...ad ogni modo rimane l'ultimo film da attore di Clint Eastwood...ma quante volte l'ho ripetuto? non sarà che questo fatto possa aver, in qualche modo, plagiato qualche spettatore?! Fareste meglio a vederlo...?...Ma sì!

VOTO: 3/5
(ma se lo stesso film fosse stato di e con un altro...che voto avrei messo?!...)

"Mother" ("Madeo")

2010-04-17T08:25:00.000-07:00

Volevo scrivere questo post 2 mesi fa....dovevo scrivere questo post 2 mesi fa! Ma prima di parlare di questo film avrei voluto rivederlo.
Fatalità: mi si è rotto l'alimentatore dell'hard disk da 1TB su cui avevo i film di bong (perchè non li ho masterizzati?!), e sto facendo molta fatica a trovarne uno di ricambio, di recente ho avuto la conferma che devo rivolgermi direttamente alla fabbrica...vabbè lasciamo perdere.
Il quarto lungometraggio del mio regista coreano preferito, qui in Italia potrebbe non arrivare mai nemmeno in dvd, ma questo è un peccato in senso molto relativo dato che, degli altri due usciti ("Memories of Murder" e "The Host") solo il primo ha un'edizione dvd degna di essere chiamata tale, con tanto di lingua originale, il secondo è stato commercializzato solo con l'audio italiano e americano (BHA!) e si sa ormai come la pensi io sul doppiaggio...Ad ogni modo...

"Mother" ("Madeo") - durata: 128 min. genere: Drammatico anno: 2009 paese: Korea Regia: Joon Ho-Bong sceneggiatura: Joon Ho-Bong, Park Eun-Kyo cast: Kim Hye-Ja, Won Bin, Jin Ku, Yoon Jae-Moon, Jun Mi-Sun, Young-Suck Lee, Sae-Beauk Song, Mun-Hee Na, Woo-Hee Chun, Byoung-Soon Kim...

Nel parlare di "Mother" Bong diceva di voler realizzare il più triste dei suoi film, sull'effettivo effetto di tragicità sullo spettatore potremmo stare a speculare ore, certo è che il film è drammatico e ha (come al solito) spunti interessentassimi, ma non vi aspettate una tragedia in senso stretto nel vederlo!
"Mother" è un film incentrato sul rapporto tra una madre e il figlio ritardato, accusato di omicidio.
Già dal trailer si può gridare alla somiglianza con "Memories of Murder" sotto molti aspetti, ma vedendo il film ci si ricrede immediatamente, forse i personaggi di mother erano già presenti, a livello embrionale, in "Memories of Murder", ma i due film no hanno molto a che vedere.
Ho già parlato, per chi ha avuto la pazienza di leggere le mie precedenti recensioni relative a Joon Ho Bong, di un filo conduttore tra i suoi film, e questo elemento è presente anche qui, anzi, in questo caso l'autore è andato forse alla radice della questione.
Anche qui ritroviamo quel senso d'impotenza, quei personaggi sconfitti in partenza, quella fatalità e quel falso lieto fine tanto cari al regista, ma il tutto è a suo modo radicalizzato, alla fine di tutte le false piste e letture disseminate lungo il film, Bong ci spiazza in maniera più inequivocabile che nei film precedenti, dove letture più superficiali erano facilitate dalla presenza di figure dominanti come l'america e le forze dell'ordine.
Qui il conflitto con una "figura dominante" è sì presente, ma ci viene rivelato poi per quello che è: una falsa pista, il "problema" ha delle radici molto più profonde; questa è una cosa che ho detto anche per quanto riguardava i titoli precedenti, ma qui è appunto palesata e credo sia proprio per questo che possiamo parlare di "Mother" come del film più duro di Bong, perchè è il più diretto, meno "sofisticato" degli altri (in particolare degli ultimi due), non si inserisce in quella dimensione ambigua, a cavallo tra mainstream e autorialità, dei due titoli precedenti, questo è un film dalla matrice certamente bonghiana, ma più dichiaratamente ricercato e di nicchia, più vicino per molti aspetti al primo "Barking Dogs Never Bite" che ai film più celebrati.
Non c'è molto altro che possa dire senza trovarmi a rovinare il film a chi non dovesse ancora averlo visto:

"Mother" è una riflessione (che ho trovato sotto molti aspetti tragicomica) sulla fatalità, sul caso, e sì sull'impotenza del singolo, ma in senso lato: non troviamo il personaggio minuscolo davanti al sistema che l'ha sopraffatto, quella era un'allegoria, reale, interessante e a sua volta ricca di spunti, ma pur sempre sintomatica di qualcos'altro (forse un qualcosa che avevamo già assaporato in "Shakin' Tokyo") che qui viene fuori prendendo corpo in un'altra figura, una figura inequivocabile, quella del ritardato, della sua incomunicabilità di fondo e della sua natura inclassificabile, caratteristiche queste che andrebbero estese (come avviene in qualche misura nel film) a tutti, ma che, certamente, in un "outsider" di questo tipo trovano la loro assolutizzazione.
Un film su "vittime" del caso, dove la prima tra queste vittime è sacrificata alla causa della legittimizzazione di personalità complesse, che potremmo definire contorte o controverse, ma che sono molto più semplicemente reali, a tutto tondo, senza censure, e che trovano qui modo di convivere mostrandoci la tragicità non tanto della morte in sè, quanto dell'inestingubilie condizione d'incomunicabilità del singolo, davanti agli altri e soprattutto a se stesso.
Per una volta non ci troviamo a parlare di protagonisti sconfitti dalle vicende del caso, ma di vicende del caso che rivelano agli occhi dei protagonisti stessi la loro natura di sconfitti, almeno nei confronti dei loro obbiettivi e dei metri di misura e giudizio con cui si trovano a convivere più o meno per scelta.

Dal punto di vista visivo non c'è molto d'aggiungere, le 'solite' chicce di Bong: la 'solita' fotografia, a tratti maestosa, e le 'solite soluzioni suggestive (ora, avendolo visto due mesi fa potrei confondermi, ma tenete d'occhio la scena della veglia funebre in tutta la sua bianca e alienante lucentezza)

VOTO: 4/5

Avatar

2010-02-14T16:15:00.000-08:00

Rieccomi tra le mie pagine splinderiane... stavo pensando di riaprire la mia attività da blogger parlando un po' di "Mother" di Joon Ho Bong, che ho visto l'altra sera, ma sfortunatamente oggi ho visto "Avatar"....e temo che sia giunto il momento di parlarne...

"Avatar" - durata: 162 min. genere: fantascienza anno: 2010 paese: USA regia&sceneggiatura: James Cameron cast: Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Giovanni Ribisi, Michelle Rodriguez, Joel Moore, Stephen Lang, CCH Pounder, Laz Alonso, Wes Studi, Dileep Rao, Matt Gerald...

Come i miei conoscenti sapranno, non vado praticamente mai al cinema, se non a quello in lingua originale, ed è stato con il cuore in mano che questa sera sono sceso a compromessi per vedere questo famoso "film in 3d"...
Ho sentito solo parole entusiastiche su questo film, "rivoluzione", "spettacolo", "emozionante a livello visivo"...non è un caso che sono lieto di poterlo dire a lettere cubitali

AVATAR E' UNO DEI PIU' GRANDI SPRECHI DI SOLDI E MEZZI CUI HOLLYWOOD ABBIA MAI DATO VITA

anzi, a esser sinceri forse il più grande di sempre, e intendo dire letteralmente, l'unica cosa che si ricava dalla visione di questo pasticcio "cinematografico" è fastidio agli occhi!
Certo il mondo virtuale creato da quelli che sono dei maestri della computer grafica ha dei momenti davvero suggestivi, ma è completamente sprecato!
Avatar non è semplicemente un film fine a se stesso - io non ho assolutamente niente contro i film "fini a loro stessi" quando li trovo "sinceri" - è un film senz'anima, insulso, un triste miscuglio di trame già viste e già sentite condito da battute retoriche con lo scopo essenziale di ammiccare al pubblico nella maniera più semplice possibile, ricorrendo ad un buonismo esasperato ed ingiustificabile; per quanto mi riguarda è roba dalla quale sentirsi insultati.

L'uomo ha scoperto Pandora: un nuovo pianeta abitato da immensi esseri blu, puffi sproporzionati che farebbero rivoltare i nativi americani dalla polvere nella quale le loro ossa si sono decomposte ormai da tempo; un Marine paralitico (...sì...un marine paralitico...) viene scelto per prendere parte ad un progetto a cui il suo fratello gemello (sì...il suo fratello gemello...) non ha potuto partecipare in quanto morto prematuramente (sì...il fratello è morto...); il progetto consiste nell'immergere degli scienziati in una sorta di liquido amniotico, collegarli a delle macchine e trasferirli nel corpo di alcuni "avatar", che non sono altro che abitanti di pandora ricreati in laboratorio; il marine viene avvicinato dal "cattivissimo" di turno che gli chiede di farsi amici gli indigeni di un villaggio con cui è entrato in contatto, in maniera da poter capire i loro punti deboli, vanno infatti spostati da dove si trovano per attingere a una qualche risorsa presente nel terreno sul quale il loro villaggio è situato. Il marine si innamora della "principessa" del villaggio che ha il compito di insegnargli tutto (e che inizialmente lo risparmia dall'uccisione perchè dei simil-insetti bianchi si poggiano su di lui, che in qualche modo è un essere prescelto che piace al pianeta) e non vuole più aiutare l'esercito ma ormai il più è fatto quindi si arriverà a uno scontro.

Insomma il soggetto non è nulla e la sceneggiatura è poco più di cumulo di merda semi-ambientalista che farebbe cascare le palle anche a un comatoso posto nei pressi del film.
Il discorso sulla guerra, è gettato a occhi chiusi in un contesto dalla povertà disarmante, è lì solo per raccogliere consensi, forte del fatto che il ciarlatano di turno potrebbe fare l'ennesimo riferimento alla situazione iraquena, la verità è che Cameron ci fa rimpiangere i grandi film che hanno toccato, negli ultimi anni (e in quelli prima), l'argomento in maniera molto più pertinente (e soprattutto dignitosa).
Gli attori...bhè sugli attori non mi pronuncio perchè il film l'ho visto doppiato, ma tanto il succo del discorso è talmente patetico e i ruoli dei loro personaggi sono talmente stilizzati che se il film fosse stato muto mi sarei risparmiato lacrime di disperazione e mi sarei tenuto solo quelle di sonno! (per inciso, era un po' che non vedevo un film doppiato ma mi sono reso conto che la nuova leva fa veramente schifo quanto avevo paura che avrebbe fatto schifo l'ultima volta che ne avevo visto uno).

Ora arriviamo al cuore della questione: il 3d...
Bhè la resa dell'immagine è molto bella, e i momenti suggestivi, come dicevo, ci sono, specie nelle scene di volo, ma comunque 3d è una definizione erronea, siamo di fronte alla naturale evoluzione della profondità di campo e alle estreme conseguenze del concetto di messa a fuoco, ma che nessuno cominci a pensare ad un'effettivo uso della terza dimensione, come se si stesse vedendo un film fatto a ologrammi; tuttavia questo è un fatto che mi ha confortato riportandomi alla mia adorata dimensione 2d, solo con qualche trucco in più.

Se fosse stato un semplice sfoggio di tecnica non l'avrei forse amato, ma avrei potuto apprezzarlo, il problema è che "Avatar" è ricoperto da una patina ipocrita pacifico-ambientalista che sembra gridarci in faccia "come faccio faccio, se il concetto è questo faccio bene!".
Per rendere meglio il concetto di cosa sia questa pellicola dalla durata straziante ricorrerò a una parte del miscuglio di titoli che Cameron ha sfruttato per massacrarmi le palle:
Avatar è una rilettura in chiave "G.I. Joe" di "Balla Coi Lupi" (l'hanno etichettato bene in south park: "balla con i puffi" sarebbe stato il titolo più adeguato) e "Pocahontas" che, di quando in quando, non perde occasione per insultare "Apocalypse Now" caricaturandone un paio di personaggi e situazioni (se non altro "G.I. Joe" non aveva pretese etico-contenutistiche).
Il tutto ha l'aggravante di un lieto fine da mal di stomaco che, come il resto del film, si capisce fin troppo presto! (si capisce subito che utilizzo verrà fatto di ogni frase, elemento, personaggio e oggetto che ci viene presentato).

Per dare a Cesare ciò che è di Cesare, e per non "vanificare" (non che le mie parole abbiano un peso, specie contro i soldi incassati dal film) gli sforzi dei su citati maestri di computer grafica che hanno dato vita ad un mondo nel quale si sarebbe potuto ambientare qualcosa un tantino più maturo e interessante, non mi sento di dare proprio 1 a questo, che di certo non è un film, è piuttosto un "giocattolone" troppo lungo e mandato a puttane solo dalla mediocrità della visione d'insieme di un regista che tenta di salvarsi rifugiandosi nel citazionismo più scadente e sconclusionato, in grado di colpire solo chi ama riscoprirsi "intenditore" riconoscendo questo o quel titolo. E' anche vero che se non ne avessi sentito parlare in toni così entusiastici, sarei comunque uscito dal cinema arrabbiato (e arrabbiato sarebbe comunque stato un eufemismo, potete scommeterci!), ma forse (e dico forse) un tantino meno irritato (non sono comunque sicuro di quest'ultima cosa...il film ha tutte le carte in regola per farmi venir voglia di far affondare qualche nave petroliera nel bel mezzo dell'oceano).
Tutto sommato è un buon film per bambini, ma da bambino ne ho visti di migliori!

Interessante da vedere (al di là di tutto ha i soi momenti), stupendo da dimenticare.

VOTO: 1,5/5

Interludio Novembrino

2009-11-23T12:02:00.000-08:00

...Comin' back soon...

"Whatever Works - Basta che Funzioni"

2009-11-06T11:20:00.000-08:00

"Whatever Works - Basta che Funzioni" ("Whatever Works") - durata: 90 min. genere: commedia anno: 2009 paese: USA regia&sceneggiatura: Woody Allen cast: Larry David, Evan Rachel Wood, Patricia Clarkson, Ed Begley Jr., Henry Cavill, Adam Brooks, Lyle Kanouse, Michael McKean...

Chi segue una minima questo blog avrà capito che per quanto mi riguarda Woody Allen non si tocca, ho già espresso apprezzamenti riguardo i suoi ultimi film più volte...e ieri, procuratomi la versione in lingua originale di "Whatever Works" l'ho finalmente potuto vedere...
Tempo addietro accennai a un parallelo tra "Scoop" e "Match Point", affermando che il primo fosse stato costruito parallelisticamente al secondo; se sono tutt'ora convinto che la cosa valesse per quei due titoli, sono ancora più convinto che, se Woody ha tirato fuori dal suo cassetto di vecchie sceneggiature proprio questa, il motivo è uno solo, e si chiama "Vicky Cristina Barcellona".
"Whatever Works" è una rilettura in chiave comica delle argomentazioni nichiliste (con relative sfumature efdonistiche) dell'episodio spagnolo del regista.
Boris Yellnikoff, il personaggio principale, sembra scritto per essere interpretato dal regista stesso nei tempi che furono, questo fatto risalta abbastanza da far risultare a tratti straniante l'interpretazione di Larry David, che però fa più che degnamente il suo lavoro, donando anzi al personaggio una serie di sfumature che lo caratterizzano distaccandolo a sufficienza dal modello alleniano di qualche decennio fa (già solo per la corporatura, ma questa è un'inezia); c'è inoltre da dire che a quanto pare, anche negli anni '70, quando la sceneggiatura fu scritta, la parte era stata pensata non per Allen, ma per Zero Mostel, quindi queste sono tutte parole al vento! Boris, fisico che ai suoi tempi sfiorò il nobel, incontra la giovane e ingenua Melodie (Evan Rachel Wood), scappata di casa per trasferirsi a New York, che lo convince a ospitarla fino a quando non riuscirà a trovare una sistemazione. Lui è l'anziano disilluso, paranoico, ipocondriaco, brillante e nichilista; lei la giovane, ingenua, paesana attraente che finisce col prendersi "una cotta" per le sue stranezze, si adegua al suo modo di pensare, infine, magicamente, lo convince a sposarlo. A questo punto si metteranno di mezzo la madre e il padre, bigotti repressi (e separati), che, una volta rintracciata la figlia (uno un anno dopo l'altra), non possono che disapprovare il matrimonio, tanto che la madre tenterà ripetutamente di far 'rinsavire' la figlia facendola incontrare con il beloccio di tuno; tutti quanti verranno cambiati dalla metropoli.
Raccontata così, probabilmente, non capirete in cosa ho trovato i parallelismi con il film precedente...bhè ci sono vari aspetti...Anzitutto, nell'anno che la madre passa con la figlia e il genero, va delineandosi una situazione parodistica di quanto si è visto in "Vicky Cristina Barcellona" (la donna finisce col diventare una fotografa, o meglio, un'artista visuale, e finirà nel mezzo di un triangolo), e, volendo, si potrebbero trovare altre affinità qua e là...ma il motivo principale che mi spinge a tale affermazione è più strettamente contenutistico: Boris predica - come Juan Antonio, ma a suo modo - l'inutilità e la sostanziale inconsistenza della vita, lo fa fino quasi al punto di svuotare le sue parole di ogni contenuto; Come Juan Antonio suggerisce di "godersi il viaggio" tentando di raggiungere la felicità senza riflettere troppo, qualsiasi soluzione va bene, qualsiasi soluzione che si riveli funzionale ("Whatever Works" come lui stesso ripete più volte); per quanto si ponga in maniera scontrosa e irritante a tutti e sia completamente perso in se stesso, illumina comunque la via di quei tutti, tramite il suo puntoi di vista, "smalizia" Melodie quanto più possibile (certo la ragazza è alquanto stupida, quindi possiamo dire che lui si limita a far quel che può!), la porta (come sarà lei stessa a dire) alla maturazione di una propria idee e decisioni. Seppur in maniera più indiretta, è sempre lui, con il mondo che lo circonda e di cui si fa portavoce illuminato, ad
aprire gli occhi sia alla madre che al padre di Melodie, e possiamo affermare che anche qui, come in "Vicky Cristina Barcellona" tutto sommato non accade nulla, ci sono solo dei piccoli conflitti di natura quotidiana che portano a ripetuti stravolgimenti degli universi dei personaggi che li vivono, fino ad un finale non completamente atteso (certo non atteso da Boris...ma non aggiungo altro).
E alla fine il punto è che una soluzione non c'è, la soluzione è qualsiasi cosa funzioni (ancora..."Whatever Works") per il singolo, di qualsiasi natura questa sia, e, il più delle volte, è totalmente 'irrazionale', perchè tutto è totalmente irrazionale, e questo Boris lo sa, sa di non essere nulla se non un'ombra effimera fugace, anzi, nel caso specifico Boris sa anche di non essere altro che il personaggio di una grande farsa, ed è l'unico illuminato a vedere il quadro generale, e questo fatto viene celebrato ogni volta che si gira a parlare con il pubblico, perchè lui è l'unico personaggio cosciente di essere un personaggio e si rivolge direttamente agli spettatori del film (in maniera non sempre originale, c'è da dirlo).
Si potrebbe andare avanti perchè il film ha sufficienti sfumature (queste stesse parentesi meta-filmiche nelle quali Boris si rivolge a noi, potrebbero anche essere interpretate come dei momenti in cui il personaggio palesa l'incomunicabilità del suo pensiero, e il suo bisogno di trovare qualcuno in grado di ascoltarlo, anche a costo d'inventarselo).
"Whatever Works" non è comunque la migliore tra le commedie di Allen, ed è strettamente funzionale a quanto ha espresso nel film precedente, continua a delineare il pensiero semi-nichilistico di Woody Allen, arricchendolo (come aveva fatto già, appunto, in "Vicky Cristina Barcellona") di una nota, come ho già detto, edonistica, più rilassata (ma anche più stanca) rispetto agli argomenti più strettamente superomistici e Nietzchani dei precedenti "Match Point" e "Cassandra's Dream" (che, su tutti, rimaneil mio preferito di questa sua filmografia più recente), che erano più grevi e più strettamenti legati a concetti quali la trasmutazione dei valori; seppure, c'è da dire, il film esordisca facendo notare come il film stesso, e tutte le sue parole, siano parole al vento, che sisvolgono solo in quanto c'è un audience pagante (mi riferisco a quando, inizialmente, Boris descrive noi spettatori come un ammasso di Neandertal che trangugiano pop corn e masticano rumorosamente, e che sono l'unico motivo per il quale il suo interlocutore gli sta chiedendo di raccontare le sue vicende, in quanto i due non si conosco e non sono amici...questo per riassumerlo in due parole...).
Quest'ultima commedia, pur risultando interessante e divertente (bellissimo il primo momento comico del personaggio, quando si sveglia nel cuore della notte in preda al panico e svolge il tipico scambio di battute con la moglie: "I'm Dying!" "Should I call an ambulance?" "No! No, not now! No, not tonight! I mean, eventually!" "Boris, everybody dies" "THAT'S UNACCEPTABLE!"...un classico che strappa sempre il sorriso), non aggiunge certo nulla di nuovo al repertorio del genio New Yorkese, in più, rispetto a quelle che realizzava ai tempi in cui stese questa per la prima volta, la città di New York è meno presente del solito, perdendo parte di quel carattere di personaggio che solo l'autore in questione era in grado di dargli; le trovate, come al solito, ci sono e il film è interessante, pur adottando a tratti delle soluzioni, appunto, già viste (i momenti in cui Boris parla in macchina, come ho detto, non sono tutti dei più convincenti, e la formula di slapstick comedy veloce, pungente e cerebrale qui risulta un tantino arruginita, complice il contesto filmografico in cui è uscita).
Per tirare le somme: un buon film, ma da Woody ci si può aspettare molto di più; certo è che un suo prodotto non si rifiuta mai nè arriva mai a deludere! Comunque imprescindibile per i fan e molto interessante da mettere a confronto con il più volte citato "Vicky Cristina Barcellona".
(Se non avete capito una sega di quanto detto fin qui, o se non avete letto quanto avevo scritto in precedenza di VCB, vi invito a leggere).

VOTO: 3/5

DJ Shadow - "Endtroducing" (1996) [Deluxe Edition, 2005]

2009-11-04T07:13:00.000-08:00

E' stato un periodo fitto di visioni e di ascolti questo durante il quale mi sono assentato (che poi non è neanche un mese)...sono passato da film muti a classici del cinema orrorifico nelle sue varie fasi, fino ad approdare sui primi cortometraggi di David Lynch, ho cominciato ad apprezzare nuove serie, ho rispolverato dischi che non sentivo da un po', sono andato avanti nelle riprese, nel montaggio e nella musica di un film che ancora non so quando vedrà luce e sono finalmente entrato in possesso di tutte le jam pack di logic pro...ma ancora mi manca un pacco di roba...
E sto degenerando in diario!
Ho tra l'altro deciso di cominciare a dare più spazio agli "articoli" in vetrina...parlandone più spesso anche qui...In particolare ho deciso di iniziare da un disco che ho da anni, ma che solo ora posso dire di aver completamente digerito...

DJ Shadow - "Endtroducing"
(Mo Wax, 1996 - Deluxe Edition, 2005)
Instrumental-Abstract Hip Hop Considerando il tipo di lettori di queste pagine, è possibile che nessuno ne abbia mai sentito parlare, eppure "Endtroducing" è un pezzo di storia...
Parlando di cinema in questi anni ci troviamo spesso a parlare di post-modernismo, ed è proprio nel booklet allegato a quest'edizione di questo classico che ho trovato un'interessante riflessione su come l'hip hop alla radice rappresenti la quintessenza del postmodernismo in musica, il piccolo trattato prende in esame come la pratica di fare musica campionando da altra musica e rimescolando in una nuova forma sia il frutto naturale dell'avanzamento del pensiero post-modernista (e leggendo quelle poche pagine ho ripensato persino a Tarantino, al suo ultimo film e a come, per parafrasare la recensione dell'illustre collega Para "[...]brucia, letteralmente, vecchie pellicole per farle rivivere nuove, nel suo cinema[...]").
Ora, considerando i tempi che corrono, neanche a me piace dire "hip hop", penso a una serie di idiozie che passano in tv, attualmente preferisco considerare il rap come strumento musicale che può venire più o meno studiato e integrato a qualsiasi tipo di musica....ma è anche vero che l'hip hop non è solo questo, e non mi riferisco al fatto che è "una cultura, uno stile di vita" e blablabla (queste sono accezioni di cui si è abusato negli anni), mi riferisco al fatto che il tipo di lavoro operato nel djing rappresenta un tipo di approccio alla musica che ha senz'altro cambiato, nel bene e nel male, l'approccio alla musica in generale (non che il campionamento non fosse usato già dai tempi degli steely dan); che questo approccio sia poi degenerato dando vita ad una serie di "dj" che si sono messi a fare basi plasticose e scadenti pensando che studiare non fosse più necessario, questo è un altro discorso.
L'universo di cui sto parlando è ora, almeno in superficie, diventato un universo di brillantini, vestiti pacchiani, produzioni per le quali il termine "musicale" sembra una bestemmia e di abusi più che discutibili di auto-tune; pensando a 'hip hop' oggi, non mi stupisco si pensi a gentaglia come i vari lil wayne e compagnia, che inquinano le acque del già torbido panorama 'musicale' mondiale; ma bisogna ricordarsi che, se anche oggi questa non è una realtà universale (anche se, in particolare in italia, sembri che vogliano far passare solo quest'aspetto, la realtà è che ci sono personagi sparsi per tutto il mondo che stanno tentando di portare questa cosa verso il prossimo passo), e soprattutto che non è sempre stato così.
Quando da più giovine mi avvicinai a questo mondo, il rap era ancora la "musica degli spostati", poi le cose sono cambiate....ora....a me onestamente frega molto poco di cosa sia il rap piuttosto che l'hip hop ecc., ascolto e studio la musica in quanto tale, non in quanto genere, e i discorsi sui generi mi lasciano veramente indifferente.
Detto ciò, quest'estate a Londra ho trovato l'edizione deluxe di questa perla datata 1996 e, riascoltandola, come dicevo, l'ho digerita a pieno, sentendomi per un attimo catapultato indietro nel tempo, che non è roba da tutti i giorni! (che poi nel 96 ero veramente piccolo...ma questa è un'altra storia!)
Molte sono le più o meno nuove 'scuole di pensiero' di chi fa musica al computer e al giradischi, certo è che tutto è partito dal giradischi...già storicamente, se torniamo indietro alle radici, fine anni '70, block party, (basti pensare a "Wild Style", se avete visto il film)...la formazione base era semplice, un dj performante al giradischi accompagnato da un mc al microfono, entrambe le figure si sono sviluppate in vari versi, da sole e accompagnate; questo disco (finalmente inizio a parlarne) ha rappresentato e rappresenta ancora oggi la summa di ciò che vuol dire fare musica al giradischi; detto questo, non pensate a un disco di soli scratch, il turntablism è presente in minima parte, pensate piuttosto a un disco figlio di un orecchio raffinato che, in tempi in cui non poteva disporre di strumentazioni in multi-traccia, ha creato un'opera immensa, registrando ogni traccia aggiunta direttamente su quelle realizzate fino a lì (senza poter dunque ri-equalizzare alla fine, preoccupandosi quindi di equalizzare ogni traccia a perfezione sin da subito); e ha fatto tutto solo ed esclusivamente con giradischi e campionatore; questa cosa è spesso stata tradotta in "faccio una batteria che ha più che altro una funzione di click troppo invadente e ci monto sopra un loop campionato", non è il caso in questione, lo spirito che muove (o almeno dovrebbe muovere) quello che è il campionamento è quello di isolare questa o quella parte di una traccia per riutilizzarla, snaturandola e onorandola al qualempo, in un nuovo contesto; così è "Endtroducing", una miscela di tracce che spaziano da un genere all'altro, che portano l'ascoltatore in un viaggio che è, giustamente, definito come "cinematic" all'interno del booklet di quest'edizione.
"Endtroducing", dusci pionere dell' hip hop strumentale e astratto è un disco da ascoltare dall'inizio alla fine, un disco in cui entrare e perdersi; capirlo fino in fondo non è facile al primo ascolto, va riascoltato, e riascoltato, esplorando le atmosfere che genera; i cut sono chirurgici; le ritmiche non sono costanti e lineari, le batterie si interrompono, saltano, riprendono poi arricchitte di nuovi strumenti che incrementano eo ne deviano l'atmosfera iniziale; i bassi sono profondi; l'uso dello scratch, come dicevo, non è invadente, è calibrato e funzionale alle tracce (senza contare che le tracce scratchate sono molto poche).
Si potrebbe descrivere questo disco in vari modi e lo si potrebbe analizzare sotto vari aspetti, la scelta di andare a stanare le fonti o di venire a sapere che è stato il primo disco fatto di soli sample, sta a voi;
credo che, come ho già detto, andrebbe approcciato come un viaggio, in quanto come tale è strutturato.
Come in ogni viaggio ci sono dei momenti di crescita, poi di stasi e sospensione, poi nuovi picchi, nelle vicinanze di baratri, ma non c'è mai la caduta, si rimane sospesi fino alla fine.
L'esperienza è, a mio avviso, totale e imprescindibile, senza contare che riascoltandolo (e da quando l'ho fatto non ho più smesso, lo riascolto periodicamente) ho veramente sentito gli echi di tempi ormai lontani, ma con questo voglio dire che è evocativo, non che suoni vecchio.
Le tracce di spicco sono veramente tante (praticamente sono tutte, e si passa dall'una all'altra attraverso skit di vario genere), si parte in salita (o dovrei dire in crescendo) per arrivare alla terza traccia, "The Number Song", da lì in poi il disco, come dicevo, porta su e giù senza mai lasciarci cadere, attraverso le varie "Cangeling", le due parti di "What Does Your Soul Look Like" (c'è la parte 4 alla quinta tracciae la parte 1 che apre l'ultima traccia, le 4 tracce nella loro completezza erano già uscite nel '94 nel 12 inch "What Does Your Soul Look Like", e nemmeno lì l'ordine era quello presumibile dai titoli), "StemLong Stem", "Mutual Slump", la bellissima, seppur breve, "Organ Donor" (contenuta in un live di 12.35, che chiude secondo disco di quest'edizione, a cui accennerò a breve)...è più o meno così che si arriva al capolavoro del disco: "Midnight in a Perfect World", seguita poi altre due tracce ben più che funzionali che ci accompagnano verso il finire di un viaggio che continua tra atmosfere che rimangono in bilico tra breakbeat, jazz e derivati...il tutto si chiude con la profetica frase "This Is Happening Again".
Pare anche evidente che c'è una cosa che non è mai cambiata dal '96 a oggi..."Why Hip Hop Sucks in '96" è una skit breve ma incisiva che chiude con quel famosissimo "Is The Money!".
Potrei andare avanti per ore e il concetto rimarrebbe che questo disco è un caposaldo imprescindibile.
Quest'edizione edita nel 2005,contiene il booklet cui accennavo sopra, che include un paio di riflessioni sul disco, seguite da quella dello stesso dj shadow, contiene anche un secondo disco, chiamato "Excessive Ephemera" (nel booklet troviamo un commentoaneddoto per ogni traccia contenuta in questo "bounus"); tanto per la cronaca, il booklet chiude ribadendo come questo disco "reflects a lifetime of vinyl culture", per poi uscirsene con un elenco dei più importanti tra i pionieri e gli innovatori di questa forma d'arte che va da Kool Herc a Dj Mark the 45 King.
Passando ora a "Excessive Ephemera", questo è una sorta di Backstage musicale molto interessante contenente versioni delle canzoni quand'erano in fase ancora embrionale, ritrovate da Dj Shadow in qualche Floppy Disk sparso per casa, alcuni Remix, realizzati perda persone e occasioni speciali, nonchè per essere inclusi nei singoli di lancio dell'album (ne sono usciti una manciata nell'anno e mezzo precedente l'uscita del disco e un'altra manciata nei due anni successivi) - su tutti ne spiccano a mio avviso due, il remix di "The Number Song" fatto da Cut Chemist che è, come commenta lo stesso shadow, uno dei remix migliori che mi sia mai capitato di sentire e che reintegra il pezzo in un'atmosfera sempre ossequiosamente old school, e la revisione in chiave D'n'B di "What Does Your Soul Look Like" operata da Peshay - pezzi che non sono riusciti a finire in "Endtroducing" nonostante avrebbero dovuto (è il caso di "Red Bus Needs to Leave!").
Il disco si chiude con un live tenuto ad Oxford il 30 ottobre 1997, in apertura ad altre band, della durata di 12 minuti.

In quest'edizione Deluxe è contenuto tutto quanto abbia riguardato Endtroducing, e il tutto è impreziosito ulteriormente da un booklet che, come ho detto e ridetto, non si limita a foto, crediti e ringraziamenti, ma contiene riflessioni sul disco e racconti che accompagnano ogni traccia di Eccessive Ephemera, attraverso i quali Shadow ci racconta veramente tutto quanto sta dietro a quello che, a mio avviso, rimane un classico inestimabile.

Tracklist:

Disc 1 - "ENDTRODUCING"
01 - Best Foot Forward (0.48)
02 - Building Steam With a Grain of Sal (6.42)
03 - The Number Song (4.39)
04 - Cangeling/**Transmission 01(7.52)
05 - What Does Your Soul Look Like part 4 (5.09)
06 - (0.25)
07 - Stem/Long Stem/**Transmission 02 (9.22)
08 - Organ Donor (1.57)
10 - Why Hip Hop Sucks in '96 (0.42)
11 - Midnight in a Perfect World (5.03)
12 - Napalm Brain/Scatter Brain (9.24)
13 - What Does Your Soul Look Like part1 (blue sky revisit)/**Transmission 03 (7.29)

Disc 2 - "ESCESSIVE EPHEMERA"
01 - Best Foot Forward (Alternate Version) (1.16)
02 - Building Steam With a Grain of Salt (Alternate Take Without Overdubs) (6.43)
03 - The Number Song (Cut Chemist Party Mix) (5.14)
04 - Changeling (Original Demo Excerpt) (1.00)
05 - Stem (Cops 'N' Robbers Mix) (3.48)
06 - Soup (0.44)
07 - Red Bus Needs to Leave! (2.45)
08 - Mutual Slump (Alternate Take Without Overdubs) (4.21)
09 - Organ Donor (Extended Overhaul) (4.29)
10 - Why Hip Hop Sucks In '96 (Alternate Take)
11 - Midnight in a Perfect World (Gab Mix) (4.55)
12 - Napalm Brain (Original Demo Beat)
13 - What Does You Soul Look Like (Peshay Remix) (9.24)
14 . DJ Shadow Live in Oxford, England, Oct.30, 1997 (12.35)

Nel caso ve lo chiedeste, la traccia #06 dell'album non ha titolo; nel caso qualcuno dovesse trovare una version divisa in 16 tracce, l'unica differenza è che i 3 skit "**Transmission" sarebbero tracce a loro stanti.

Inglorious Basterds

2009-10-08T07:06:00.000-07:00

"Bastardi Senza Gloria" (Inglorious Basterds) - durata: 160 min. genere: pulp/guerra paese: USA anno: 2009 regia&sceneggiatura: Quentin Tarantino cast: Brad Pitt, Christoph Waltz, Mélanie Laurent, Eli Roth, Michael Fessbender, Diane Kruger, Daniel Bruhl, Til Schweiger, Gedeon Burkhard, Jacky Ido, B.J. Novak, Omar Doom, August Diehl, Denis Menochet, Sylvester Groth, Martin Wuttke...

Ok, parto dicendo che io sono un fan di Tarantino; sì lo so, uno dei tanti! Ma che volete farci?!
Sono uno di quelli a cui sono piaciuti tutti i suoi film, compresi "Kill Bill" e "Grind House", e ho intenzione di dedicargli un bello spazio qui sul blog (appena mi decido a chiudere la question Van Sant!).
Pur avendo apprezzato l'intera filmografia tarantiniana non posso non notare una certa differenza tra i due capolavori "Le Iene" e "Pulp Fiction" e tutti quelli che sono loro seguiti; così ieri sera, uscendo dal cinema intrastevere di Roma, che passa inglorious basterds in lingua originale, oltre che stravolto dalla visione, ero soddisfatto di aver visto una nuova pellicola di Tarantino che, per quanto mi riguarda, è completamente all'altezza delle prime due; non intendo dire che siano paragonabili, perchè "Inglorious Basterds" non c'entra praticamente nulla con i due film di cui sopra, intendo solo dire che questo rappresenta senz'altro un novo picco del regista.
Di questa pellicola si parla da anni, alcuni pensavano non sarebbe mai uscita, pare che per un periodo si stesse pensando di renderla un telefilm; poi ci fu la notizia, Tarantino va a parlare a Brad Pitt, e da lì in poi non si è più smesso di parlarne.
La trama penso la sappiano tutti: un gruppo di ebrei americani se ne va in giro per la francia occupata a massacrare nazisti e a fargli lo scalpo, incidendo svastiche sulla fronte a quelli che lasciano vivi; il gruppo è chiamato Basterds e partecipa attivamente alla cospirazione per uccidere Hitler...e tutti sapete che Tarantino ha cambiato il corso della storia qui (infondo sin dall'inizio sappiamo che il film si svolge "once upon a time" durante il nazismo).
Tutti sappiamo inoltre che il film ruba il titolo a "Quel Maledetto Treno Blindato" di Castellari (che ha un cameo e riserverà un cameo a Tarantino nel suo prossimo film); dell'originale rimane poco, il filo che li lega è molto sottile e va cercato più nel genere e in alcuni aspetti specifici che non nella trama effettiva (certo anche questo film parla di un assalto...anche se non a un treno).
Ho letto gente parlare del film dicendo che Tarantino "prende in giro il suo pubblico", ma onestamente mi sembrano affermazioni buttate lì, senza nè capo nè coda; il regista fornisce al suo pubblico (e a chiunque voglia vedere il suo film) di che rifarsi gli occhi attraverso una pellicola potentissima sotto ogni aspetto, che non per niente affonda le sue radici in generi che passano dalla guerra al western all'exploitation (e non solo si vede, ma si sente! Ancora una volta la colonna sonoracompilation del regista è perfetta e passa per brani classici).
Parto dal cast limitandomi a dire che il lavoro svolto dagli attori è più che degno di nota, Brad Pitt come al solito calza la parte a meraviglia e svoggia delle espressioni plastiche e un accento che non possono non rimanere impressi; su tutti comunque (e l'hanno già detto tutti) spicca Christoph Waltz, perfetto inquisitore, poliglotta impressionante, passa dall'americano al tedesco al francese all'italiano con fluidità e senza perdere mai in credibilità, il tutto nel contesto di una perfomance recitativa memorabile.
A livello metacinematografico il film parla da sè (dov'è che Tarantino potrebbe uccidere il furer se non in un cinema?!), le citazioni non sono solo a livello verbale (che comunque non si fa mancare, inserendo anche una digressione da critico cinematografico sul cinema propagandista tedesco) e visivamente esplicito (nella proiezione di un film tedesco "di montagna", come lo stesso tarantino li classifica), è presente anche a livello sottinteso, lasciato lì quasi per caso, nell'inquadratura, mi riferisco alla citazione Fordiana di "Sentieri Selvaggi" (che consiste solo in una scelta di inquadratura!) iniziale durante il capitolo di presentazione di Cristoph WaltzHans Landa (in tutto un capitolo che sa di western, sa di Sergio Leone).
A livello di regia, lo stile di Tarantino c'è eccome, nonostante la carenza di logorroicità nei dialoghi e una sola inquadratura di piedi (tra l'altro relegata verso la fine della pellicola), spiccano la brillante reinterpretazione della classica scena in Mexican Stand Off (stavolta svolta attorno ad un tavolo, con le pistole sotto la tovaglia) e il tocco nevrotico e a tratti surreale (anzi, a tratti quasi da cartoon) dato a tutto il film, che conferisce al tutto quell'ironia isterica che contribuirà a creare un'atmosfera unica.
La forza di "Inglorious Basterds" rimangono i personaggi, perchè se la vicenda è avvincente e le scene sono a dir poco epiche - su tutte l'ingresso "in campo" di Eli RothDonny Donowitz e della sua mazza da baseball (mi ha seriamente messo i brividi nel senso più adrenalinico della cosa) e il finale con Mélanie LaurentShosanna Dreyfus che commenta sullo schermo in fiamme la rivincita ebrea (scene che, nella loro complessa caoticità, mi hanno veramente emozionato fino a scuotermi) - è la solidità e la caratterizzazione unica di ogni personaggio a conferire al film quel tocco in più, quello che lo fa passare, a mio avviso, da filmissimo a Capolavoro. Come in ogni pellicola di Tarantino non c'è morale, ma la violenza non è mai stata tanto violenta nei film precedenti, ci si esalta con i Basterds e si sta male per i nazisti, anche qui non esistono veri antagonisti (Hitler è una macchietta e Goebbles passa da regista di propaganda esaltato a "bimbo che piange dell'approvazione ricevuta dalla figura paterna" nel giro di una scena, tutti gli altri sono solo uomini, soldati e ubriaconi), non c'è nessun diavolo, c'è solo chi massacra e chi viene massacrato, ed è proprio questo a rendere le scene di violenza ancora più avvincenti, si è partecipi della rivincita ebrea e si compatiscono i nazisti rimasti indifesi (la su citata "scena delle mazzate" è piuttosto esplicativa a riguardo).
Ciò che mi chiedevo uscito da cinema, e che continuo a chiedermi, è come si possa realizzare un film del genere rendendolo effettivamente commovente tanto riesce ad assorbire lo spettatore...
Detto questo affanculo le lezioni di storia, Tarantino da lezioni cinema!
Chi legge, di quando in quando, i miei post, sa che sono assolutamente contrario alla pratica (o sarebbe meglio dire barbarie) del doppiaggio, se predico per ogni pellicola il fatto che vedere un film doppiato NON E' equivalente a vedere il film originale, in quanto è una reinterpretazione del film originale, per "Inglorious Basterds" questa faccenda vale il doppio, EVITATE LA VERSIONE DOPPIATA PERCHE' TUTTO IL LAVORO SVOLTO CON I CONTINUI CAMBI DI LINGUA VA PERSO!!!!!
In particolare non voglio neanche immaginare come sia stata adattato lo "sketch" esilarante durante il quale i Basterds si spacciano per italiani riuscendo a spiccicare a malapena due parole...
Un'ultima cosa...riguardo l'ultima battuta del film, quella anticipata ovunque...Brad PittAldo Raine(Tarantino) ha ben ragione di pensarlo...

Ok...in giro ne trovate di tutti i tipi su questo film, analisi dettagliate e dissezioni, io personalmente credo non sia necessario aggiungere altro, non è ancora il tempo di cimentarsi in analisi semioticofilmologiche, anzi, la ritengo una fase tutto sommato evitabile...non servono molte parole, ne basta una: IMMENSO!

VOTO: 4.5/5 (chi legge sa che il 5 non lo do, tanto questa è solo una formalità...)

DIE MILONAKIS DIE!!!!! "disfunzione ormonale 'sto ciufolo!"

2009-10-02T09:10:00.000-07:00

(Riadattare le frasi di Captain Hero è sempre un piacere....)
Non voglio più imbattermi negli intermezzi di Andy Milonakis su qoob! Trentatreenne con una disfunzione ormonale sto cazzo! stramazza a terra sotto il peso della tua mediocrità (nonchè del tuo grasso che qualcosa dovrà pur pesare), soffri per un anno (che se stiri a 33, con la gente che gira, potrebbero erigerti a messia) in qualche luogo lontano dalla luce del sole e tira le cuoia ancora non abbastanza famoso da finirmi sui tg, fuori dai giornalai e nelle pubblicità della wind a continuare a irritarmi per mesi e mesi.
Già che ci sei, mentre crepi soffrendo fatti un video, forse allora riuscirò a sorridere davanti alla tua faccia.
MILONAKISDEVICREPARE!
Odio quel cazzo di Milonakis e di riflesso la gente che lo trova divertente, siete peggio di un'insalata a base di "quelli che lasciano la crosta della pizza (ordinata in qualche ristorante cinese magari)" e dei "fan di checco zalone".
Perchè non la smetto di pranzare con la televisione accesa?!

Per fortuna non sono il solo a pensarla così!

"[...]AMilonakis Andy Milonakis Andrew Michael Milonakis 32 years old Hollywood MTV rapper comic actor has his own sketch comedy The Andy Milonakis Show from New York City, New York youtube.com/AMilonakis IMDB.com Internet Movie Database wikipedia.org/wiki/The_Andy_Milonakis_Show wikipedia.org/wiki/Andy_Milonakis myspace.com/andymilonakis stickam.com/amilonakis says in his YouTube video titled WHY that people still make crying jokes about cutting onions and then he starts to cry while cutting onions and this is the RESULT OF WHY HOLLYWOOD IS GETTING RID OF BAD ACTORS because this 32 years old man trapped in a boy's body IS NOT FUNNY AND CANNOT ACT in either children scripts or adult scripts and he needs to find Gary Coleman and become a SECURITY GUARD TOO AND BEAT UP ON 6 FOOT WOMEN AT THE LOCAL SHOPPING MALLS just so they can feel like they have accomplished something in life.[...]"

(http://www.utubedrama.com/amilonakis/)

Afro Samurai

2009-09-30T05:25:00.000-07:00

I più attenti di voi avranno notato che ho tolto tutti quei "poster" che avevo piazzato qui di lato...sì è che era frustante l'idea che non avrei mai completato (per motivi legati un po' alla natura del lavoro, un po' alla mancanza di voglia) quella sorta di raccolta di "stimoli" com'era definita....in ogni caso qui di lato c'è ancora la mia bella "vetrina" con suggerimenti che dovrebbero sostituirsi gli uni con gli altri ogni circa 2 settimane...avrete anche notato, se c'avete buttato uno sguardo...che tendo a inserirci musica, letteratura e...chiamiamola letteratura a fumetti...oltre che cinematelevisione...spero in futuro di prendere a parlare di almeno un argomento tra i 23 che piazzo in ogni "categoria"...così riprenderei a scrivere anche d'altro...ma non è questo il momento...nel frattempo mi sento di buttare giù due righe su una delle voci in questa "vetrina" prima di cambiarle tutte.

"Afro Samurai" - autore: Takashi Okazaki genere: Pulp pubblicazione giapponese: 1999-2000 "Nou Nou Hau" (rivista specializzata) pubblicazione & edizione italiana: aprile-settembre 2009 Planet Manga; 2 volumi euro7,90 l'uno

Sono sempre stato un lettore abbastanza attivo, sia a livello di libri che di fumetti; ultimamente ho un po' perso quest'abitudine per strada diminuendo le letture a causa di una vita...non dico frenetica perchè sto scrivendo in un blog...ma senz'altro "densa"....
Quest'anno è uscito in italia questo fumetto veramente degno di nota; una storia autoconclusiva che si chiude nel giro di due volumi, e devo dire che la cosa mi ha riportato un po' della persa fiducia nel mondo dei fumetti (attualmente sono non più di 4 le uscite che posso ritenere effettivamente interessanti...ed escono una volta ogni morte di papa perchè, anche in questo campo, le case editrici italiane svolgono un lavoro pietoso).
Ho conosciuto "Afro Samurai" grazie ad un amico che mi portò la versione a cartoni animati, molto ben animata, prodotta e doppiata da Samuel L. Jackson...ma non troppo convincente (almeno questa fu l'impressione che mi diede all'epoca, ma non finii mai di vederlo).
Il fumetto mi ha completamente sorpreso!
Due volumi costosissimi (7,90!), ma anche ben confezionati, che raccolgono un piccolo gioiello pulp.
In Giappone, dove, si sa, la cultura del fumetto è molto forte, esiste questo un pubblicazioni, tali Doujinshi, che circolano prevalentemente tra fiere e fumetterie, curate da "amatori", o "liberi professionisti", o "dilettanti", o "hotaku"...non so chiamateli un po come vi pare, comunque non si sta parlando di fumetti che escono sotto alcuna casa editrice, sma di opere autoprodotte. Non ho idea di quale sia il valore medio di questo tipo di prodotto in quanto poco spesso questi fumetti escono dal giappone (fatta eccezione, si intende, per i casi che, attirando più attenzione, si guadagnano la commercializzazione vera).
Non sono sicuro dell'idea che potrei aver trasmesso fin qui...in ogni caso non pensiate che "Afro Samurai" sia un fumetto scritto da un ragazzino in camera sua, questo caso fortunatissimo è figlio di un tale che di lavoro fa (o faceva? bho!) effettivamente l'illustratore nel mondo dei manga: Takashi Okazaki. Quest'ultimo, cominciando a lavorare con altri amici professionisti del settore, ha dato vita a Nou Nou Hau, una rivista autoprodotta tramite la quale il gruppo ha cominciato a proporre opere personali, libere dalle costrizioni delle grandi distribuzioni (sono l'unico a condividere con questi qui il sogno dell'autoproduzione?...non credo...comunque...loro ci sono riusciti).
Su questa rivista, e da questo gruppo di teste, è uscito fuori "Afro Samurai", che vuole essere il padre di un universo che dovrebbe diventare teatro di altre storie in futuro, se tutto va come si deve, intanto il fumetto si è guadagnato 2 film (prodotti e doppiati, come dicevo, da Samuel L. Jackson) e un videogioco, ciascuna delle 3 incarnazioni di quest'idea differisce dalle altre in termini di evoluzione della storia; per citare il suo autore:
"[...] Ciascuna versione rappresenta un mondo e una storia a sè. Questi molteplici mondi narrativi coesistono nell'universo di Afro Samurai. Ho avuto quest'idea sin dall'inizio. State pur certi che arriveranno molte altre storie ambientate nell'Afro Universe. [...]".
Personalmente non ho avuto modo di apprezzare l'aspetto videoludico della cosa e ho dato a malapena uno sguardo al cartone, da quello che ho capito fin qui direi che non è all'altezza del fumetto, ma è il concetto di fondo che conta e l'idea in generale non mi dispiace affatto.

"Afro Samurai" è un fumetto "ibrido", che si colloca a metà tra lo stile giapponese e quello americano; i disegni sono notevoli, il tratto è duro e caratteristico, realizzato interamente in bianco e nero, eccezion fatta per il sangue, che è rosso...e può sembrare una menata ma la cosa impreziosisce davvero il risultato globale.
La storia di fondo è molto semplice, anche un po' banale:
questo è un mondo in cui l'uomo più forte porta la fascia del "numero uno", ed è considerato un dio in terra, in senso letterale; il "numero uno" è una sorta di messia che abita e governa il mondo, gestendo un'umanità altrimenti ingestibile.
Esiste un'altra fascia, quella del "numero due", solo chi è in possesso di questa seconda fascia ha la possibilità di sfidare in un combattimento all'ultimo sangue il numero uno per prendere il suo posto.
Ovviamente il protagonista, questo "Afro Samurai" (il cui nome, come potreste aver dedotto, è legato alla sua capigliatura), è in possesso della fascia del numero 2, cosa che lo rende soggetto agli attacchi continui di chiunque altro miri a diventare numero 1; il suo obbiettivo non è tanto quello di governare il mondo quanto quello di vendicare il padre, precedente numero 1, ucciso di fronte ai suoi occhi quand'era ancora un bambino.
Insomma la trama è un mix di elementi classici, clichè oseremmo dire...eppure la storia si evolve in modo suo; Afro non è un eroe, tutt'altro, è solo un uomo che insegue il suo scopo e che, pur di raggiungerlo, è pronto a commettere stragi; accanto a lui una bizzarra figura che sembra sapere tutto su chi Afro sia e dove debba andare (e questa figura rappresenterà, nel finale, la chiave di lettura di tutto il manga); infine gli "antagonisti" agiscono in realtà allo scopo di mantenere l'ordine nel mondo, ma sembra che la "volontà dell'universo" non voglia la pace e l'ordine, ma solo il continuo scontro tra "volontà di potenza".
Magari vi chiedere perchè butto in mezzo la volontà di potenza in questo contesto...ma è qui che il fumetto andrà realmente a parare: non esiste un bene superiore, esistono solo vite che si incrociano e si scontrano in maniera del tutto casuale, mosse dalla naturale ricerca del proprio "compimento"; non c'entra la giustizia, per citare il fumetto stesso, la volontà dell'universo "non sta dalla parte di nessuno", fa solo ciò che gli va, e non influisce sull'esito degli scontri, fa solo in modo che gli scontri abbiano luogo.
Vi assicuro che quella che avete letto non è un'interpretazione per nulla forzata, Afro Samurai è un fumetto dalla trama e dai tratti scarni, violento ed essenziale, pulp come ai "bei tempi"; è comunque sintetico, specie nel finale, gli scontri e le morti sono essenziali e non c'è autocompiacimento, e questa sintesi è veicolo al simbolismo, per nulla nascosto, anzi, praticamente dichiarato nel finale, che rende questo fumetto non una storia di sangue e combattimenti fine a se stessa, bensì una sorta di parabola filosofica che si esprime attraverso la violenza, dosata a sufficienza per non diventare "sensazionalismo".

Come dicevo prezzo alto, ma son soldi ben spesi per gli amanti del genere...

Save the Green Planet!

2009-09-24T22:40:00.000-07:00

"Save The Green Planet!" ("Jigureul Jikyeora!") - durata: 118 min. genere: Commedia/Sci-Fi/Drammatico/Pulp paese: Corea anno: 2003 regia&sceneggiatura: Jang Jun-Hwan cast: Shyn Ha Kyun, Baek Yun Shik, Hwang Jeong Min, Jae Yong Lee, Juu Hyeon Lee, Ju Bong Ji, Roe Ha Kim, Mu Hyeon Lee

Continuando il mio viaggio notturno tra le pellicole sud-coreane sono giunto a questo piccolo gioiello che è "Save the Green Planet!".
Ho già parlato ampliamente, nel caso di Joon Ho Bong, di come il cinema coreano tenda a saltare con agilità da un genere all'altro, come da scuola post-moderna; non solo "Save the Green Planet" non costituisce un'eccezione a questa regola, ma anzi ne rappresenta un esempio altissimo.
Procedendo per gradi e stando attento a non rivelare nulla, vedrò di riassumere la trama in modo essenziale:

Il protagonista della vicenda si chiama Byeong-gu e il suo scopo è quello di salvare la terra da un'invasione aliena; per questo motivo, aiutato dalla sua ragazza, un'orrenda e tozza equilibrista da circo (che sembra più una sorta di freak) rapisce Man Shik Kang il dirigente della Yuje Chemical, accusandolo di essere un alieno di stirpe reale e sottoponendolo a torture di ogni genere. La polizia si mette sulle tracce del dirigente scomparso.

La pellicola si imposta sin dall'inizio su vari livelli: commedia, fantascienza, pulp; da qui in poi non fa che degenerare in continuazione passando in maniera a dir poco sorprendente per drammatico, horror, thriller, cyberpunk, b-movie, gore e via discorrendo; il regista Jang Jun-Hwan dimostra perfetta padronanza di ogni genere, in particolare rispetto alle scene gore, che sono presenti ma non eccessive (seppur si respirino in continuazione in quella sala delle torture in un continuo gioco di vedo-non vedo e di gesti accennati e tenuti sul filo del rasoio), il regista mostra una fantasia e un buon gusto che non si vedono tutti i giorni (non avrà avuto i mezzi di Eli Roth nel suo tanto millantato "Hostel" ma l'efficacia e la fantasia raggiunte sono di gran lunga superiori).
Il delirio raggiunge livelli inusuali, seppur rimanendo in quello che potremmo definire un prodotto, seppur di nicchia, "commerciabile".
Le influenze sono tante, sono ottime e sono evidenti (Byeong-Gu a momenti assume tratti quasi "Norman Batesiani"), le scene "equivoche" e d'ispirazione sadomasochistica ci sono, la blasfemia nei confronti dell'iconografia cristiana e del cristianesimo stesso non si fa mancare, e le citazioni si sprecano, su tutte si fa notare il "tributo-dissacrazione" a "2001: Odissea nello Spazio".
Passando da un genere all'altro Jang trascina con se lo spettatore; per parafrasare in maniera del tutto gratuita, inutile e inspiegabile Schopenauer (lasciandomi così libero di sbizzarirmi e ridermela compiaciuto): "Save the Green Planet!" è un pendolo che passa da momenti d'ilarità a momenti drammatici passando per incredibili picchi di tensione, con tanto di finali a sorpresa.
Quanto avete letto è ciò che a mio avviso rende, a livello stilistico, questo film una perla, sena bisogno di mvimenti di macchina acrobatici e inquadrature imponenti che avrebbero snaturato l'effetto di B-Movie che lo percorre da cima a fondo senza mai appesantirlo.

Al di là del miracolo che è riuscito al regista nel compiere passaggi di genere tanto netti e istantanei, a rafforzare le già solide fondamenta di quello che avrebbe potuto essere poco più che un "divertissement" (caso palusibile in un film che non fosse sud-coreano del 2003, da quelle parti in questi anni ci stanno mettendo davvero la testa!) c'è una sceneggiatura delirante e Geniale (notare la G maiuscola); Jang si prende gioco dello spettatore attaverso la realtà distorta filtrata dagli occhi del suo lunatico personaggio innescando, nell'incalzare della trama, un gioco di specchi continuo in cui nulla sembra mai essere ciò che poteva sembrare fino a un attimo prima. Insomma l'incalzare del ritmo, accompagnato al continuo quanto surreale cambio di genere, toglie stabilità allo spettatore che non è più sicuro di quella che potrebbe rivelarsi essere la realtà.
Non solo la premessa e la struttura della sceneggiatura sono brillanti, ma compiono un volo pindarico che ha dell'assurdo e nel quale si rivela lentamente tutta la genialità di quanto stiamo osservando; "Save the Green Planet!", con le sue tinte nevrotiche e i tratti sadici, si rivela essere un film dal retrogusto amaro; se dovessi riassumerlo ora a visione compiuta e stando attento a cosa anticipo (sul serio, è un film da vedere!) partirei anzitutto dicendo che è dotato di più piani di lettura analizzabili compresenti, quindi lo descriverei come la storia di una guerra.
Tutte le pedine che si fanno la guerra sullo schermo sono frutto dello stesso ambiente, quello vasto (e vago) dell'"umanità", in cui più incassi e più diventi resistente, e più diventi resistente più sei destinato ad incassare, fino allo strenuo, e cane mangia cane all'infinito.

RIFLESSIONE PERSONALE (Da qui in poi continuo col non dare anticipazioni esplicite ma mi faccio più contorto per chi non ha visto la pellicola):
"Save the Green Planet!" è la vicenda di un frustrato, un umiliato, un maltratto (per dirla tutta un vero e proprio martoriato) che decide di ribellarsi da una parte, mentre dall'altra è un delirio d'onnipotenza e una condanna pessimistica del genere umano come genere "infetto" e autodistruttivo che ha come uniche due possibilità l'essere folle o l'essere inetto; tuttavia a questa visione "nera" si contrappone un Byeong-gu (nei confronti del quale l'autore ha ormai lasciato da parte beffardia e aspetti grotteschi giungendo finalmente all'empatia) che per conto di tutta l'umanità, stabilirebbe (complice, ironia della sorta, l'istinto di conservazione) di non sottrarsi a questa natura "infetta" del suo genere...
In finale neanche "Save the Green Planet!", con la sua colonna sonora significativamente costituita esclusivamente da un paio di versioni di: "Somewhere Over the Rainbow" arriva a mostrarci una razza "superiore", anche quella che vorrebbe apparire come tale (ma agli occhi di chi?) si rivela in finale in nulla dissimile a quella umana, solo, forse, meno auto-distruttiva.
...come dire...un non fumatore che decide di impiccare un fumatore...buffo (...?)...ironico (...?)...contraddittorio (...?)..."SAVE THE GREEN PLANET!" (...?)...

L'imperativo è PROCURATEVELO

VOTO: 3.5/5

effetti collaterali dell'invecchiamento

2009-09-24T06:10:00.000-07:00

Il giorno in cui scriverò una recensione del genere non esitate a ricoprirmi d'insulti/bannarmi/scovarmi/picchiarmi e lasciarmi in un angolo a guardarmi morire...starete solo esaudendo una richiesta esplicita...

...Sulla Questione del 5...

2009-09-21T12:15:00.000-07:00

Personalmente ho sempre ragionato più per "fasce" che non per "voto" in senso stretto; il 0.5 in più oltre il 4 rappresenta che il film in questione ha quel qualcosa in più che me lo fa annoverare tra i film di "fascia più alta"; il 5 lo lascio lì solo in onor del fatto che la perfezione è un'illusione e legarsi troppo a certe faccende arruginisce...un film deve funzionare, non rispondere correttamente a tutte le domande di un questionario con l'obbiettivo di totalizzare il massimo dei punti; la stessa importanza delle "fasce" che attribuisco ai film è estremamente relativa...

No Country For Old Men

2009-09-20T21:19:00.000-07:00

La mia unica sala cinematografica da qualche anno a questa parte è la mia stanza (attrezzata a farmi godere lo spettacolo); la sala cinematografica non fa per me da quando ho smesso completamente di digerire i doppiaggi...e l'ordine in cui il mio cinema manda i film è un ordine bizzarro...anche più izzarro di quanto non sia mai trasparso da questo blog, perchè di fatto non li riporto tutti (anche se in queste ultime sere l'ho fatto)...in altre parole...non stupitevi se poco spesso tra queste pagine troverete riflessioni su film attualmente in sala...non ho davvero il tempo (e la voglia) di fare la vita del cine-reporter!

"Non è un Paese per Vecchi" (No Country for Old Men) - durata: 122 min. genere: ThrillerAzione paese: USA anno: 2007 regia: Ethan Coen, Joel Coen sceneggiatura: Ethan Coen, Joel Coen (adattamento) Cormac McCarthy (soggetto) cast: Javier Bardem, Josh Brolin, Tommy Lee Jones, Woody Harrelson, Kelly MacDonald, Garrett Dillahunt, Tess Harper, Barry Corbin, Rodger Boyce, Stephen Root

Ricordo di aver avuto un'impressione...sono da tempo tra quelli che afferma che "al cinema ormai c'è poca roba buona"...e fino a qualche anno fa questo "fenomeno" stava forse toccando il suo apice, una piattezza in sala più unica che rara...c'è stato un momento in cui ho intravisto l'unica salvezza nel cinema indipendente e le mie visioni hanno cominciato a dirigersi verso titoli sempre più distanti dal mainstream, partendo da "Gummo" e andando a finire su "Noi Albinoi" nel giro di una settimana, e questo era il mio andazzo...poi è successo qualcosa...sono cominciati a spuntare fuori gandi titoli qui e lì, a gruppi di 2-3 alla volta; non voglio dire che le sale si siano riempite di capolavori ma sono ricominciati a spuntar fuori film che meritavano il prezzo del biglietto.
Tra i tanti titoli ce ne sono stati alcuni in particolare che per un motivo o per un altro non avevo visto, tra questi una delle pellicole che, al mio occhio, sembrava, già senza averla vista, rappresentare un vertice di questa contro-tendenza; l'anno era il 2007 e i fratelli Coen, dopo due titoli che avevo trovato di dubbio gusto, erano tornati alla carica con un film che si è portato dietro 4 premi oscar prima di diventare articolo da videoteca...Ho visto quel film solo oggi, coronando una settimana di grandi visioni in maniera ineccepibile.
"Non è un Paese per Vecchi" è veramente un film incredibile...credo che ormai lo sappiano tutti ma devo pur dirlo da qualche parte! Tratto dal libro di Cormac McCarty, lettura che mi è sfuggita ma che rimedierò, questo film ha veramente un che di epico.

Il posto è l'America, la data è il 1980; un uomo, tale Anton Chigurh (interpretato da un grandioso Javier Bardem), è sulle tracce di una valigia di soldi in qualche modo implicata con un traffico di droga...non sappiamo molto di questi soldi, ma evinciamo dal modo e dai mezzi con cui li cerca, che questi siano soldi suoi; va in giro eliminando persone (e un corvo) con un fucile ad aria compressa, senza bisogno di veri moventi.
I soldi sono stati trovati da un altro tale, Llewelyn Moss (Josh Brolin), veterano del Vietnam, un tipo apposto, forse, ma che ha deciso che quei soldi trovati casualmente saranno suoi, nonostante i tipi che lo inseguano siano chiaramente poco raccomandabili.
Un terzo tipo, Ed Tom Bell (Tommy Lee Jones), uno sceriffo con un aneddoto per ogni evenienza, si trova circondato da un mare di cadaveri e cerca di tenere a bada una situazione che lo sopraffà.
Questi i 3 personaggi principali, poi aggiungeteci Messicani e altri agenti di ogni sorta.
Un susseguirsi di grandiose scene d'azione fa intrecciare una miriade di vite appese a fili mai stati più sottili.
"Non è un Paese per Vecchi" è un film "sadico" nei confronti dei suoi personaggi, un film incentrato su dei falliti: c'è chi prova e perde la vita, chi prova e perde i suoi soldi, chi prova e perde la fiducia e la forza. Cosa stia concretamente avvenendo non è affatto importante (nè troppo chiaro), la classica valigia del malloppo può sparire da un momento all'altro (e lo fa ripetutamente), le vicente innescate vanno al di là di ciò che le spinge, vanno per conto loro, nella direzione che vogliono, anarchiche, travolgendo chi le vive seguendo regole date per assunte, chi le vive seguendo regole proprie, chi semplicemente le vive perchè non può farne a meno, sono un continuo divenire, un continuo sparire, si sostituiscono a vicenda nel loro naturale mutare, rappresentano l'insignificanza, l'instabilità e la caducità dell'essere davanti alla supremazia del caos, come una sorta di parabola distruttice...insomma, solo una cosa è certa, per citare il film stesso: "you can't stop what's coming".
   I Coen portano in scena questo fantastico personaggio che è Anton Chigurh, che non spiega le sue azioni nè tantomeno le sue idee, non gli interessa, non è tenuto a farlo, la gente intorno (la gente che lo teme, la gente che lui uccide) si limita a chiamarlo pazzo, l'unica cosa a noi evidente è che vede e vive le cose diversamente dagli altri, in lui mi è sembrato di scorgere gli echi di Herzog e dei suoi personaggi, su tutti Aguirre.
E' proprio Anton ad essere la "mano" del caos che giostra tutto il film (ergo tutta la vita, intesa come esistenza, priva di senso e consistenza), è lui ad agire, e spesso lo fa in maniera "casuale", sarà proprio il caso a colpirlo (dopo averlo già sconfitto).
   Lleweyn Moss agisce prima per i soldi, poi per la sicurezza, sua e della moglie, è lui a trovarsi nel vero cuore della vicenda, ma lui stesso, per quanto se la cavi egregiamente nel sopravvivere, non sa questa vicenda in cosa consiste, è solo costretto a muoversi.
   Ed Tom Bell è un personaggio di quelli "old fashioned", è uscito da un'era in declino ed è costretto a fare i conti con questo; è tramite lui che il film parla dell'America, è un uomo che non vive più nel suo tempo, ragiona in un modo e viagga ad una velocità, ma il mondo fuori ragiona in un altro modo, e viaggia più veloce; sempre all'inseguimento dei fatti, sempre distrutto da ciò che si trova a fronteggiare e ormai incapace di reagire, non potendo integrarsi in tutto questo non può far altro che rassegnarsi, andarsene in pensione, a sognare il padre che trova il modo di camminare in mezzo a una bufera dove lui non è più in grado di farlo, per poi raccontare i suoi sogni alla moglie, che comunque non ha troppo tempo per lui, "non è lei quella in pensione"...

"Non è un Paese per Vecchi" è un film che riflette sull'insignificanza dei suoi personaggi (di qualsiasi personaggio, della nostra stessa insignificanza), di riflesso i personaggi avvertono tutta l'inadeguatezza che scaturisce da questo fatto, ma non possono fare a meno di agire, e dove qualcuno agisce di riflesso (Llewyn), qualcuno genera quest'azione (Anton) e qualcun altro (Ed Tom) che non è più in grado di agire non può che limitarsi a ritirarsi, chiedersi che senso ha tutto questo, soffrendo davanti all'impellenza di continuare a muoversi e all'impossibilità di farlo...
Quindi no, non mi ritengo eccessivo nel ritenerlo una parabola esistenziale e una spietata riflessione sulla vita come semplice prodotto dell'istinto di conservazione, sull'invecchiamento e sulla morte; è comunque a Ed Tom Bell che sembrano andare le simpatie dei Coen, che si uniscono ad uno sguardo, sì lucido, ma anche nostalgico e rassegnato o, in una sola parola, partecipe.
A questo aggiungete inquadrature e sequenze esaltanti giostrate a ritmo incalzantel
Ci troviamo di fronte a uno di quei rari film che riescono a far collimare intrattenimento allo stato puro, ironia e profondità.
Forse il miglior film dei due registi...

VOTO: 4.5/5

"Tokyo!"

2009-09-19T18:58:00.000-07:00

Dalla sua apparizione al festival di cannes 2008 ad oggi non s'è più parlato di questo film, ma internet è venuto a salvare l'aspirante hikikomori che sono dal rischio di non vedere mai questa pellicola...procuratevela, sono reperibili anche i sottotitoli.

"Tokyo!" - durata: 107 min. genere: Onirico a Episodi paese: JAP/FR/KOR anno: 2008 regia&sceneggiatura: Michel Gondry, Leos Carax, Joon-Ho Bong cast: Yu Aoi, Teruyuki Kagawa, Jean-Francois Balmer, Ayako Fujitani, Denis Levant

A invitare Gondry, Carax e Bong a girare un film a testa a Tokyo, il risultato non può che essere un gioiello; essendo il film composto da 3 episodi che si aggirano attorno alla mezz'ora per uno, cercherò di rimanere sul vago e sul breve anch'io, perchè dare troppe anticipazioni sarebbe un delitto...
Il primo del trittico a scendere in campo è un Gondry in forma (per quanto, onestamente, non sia un regista che mi è molto simpatico...eccezion fattaper "Be Kind Rewind" che non mi è dispiaciuto, e per "Eternal Sunshine of the Spootless Mind", che trovo però debba tutto a Kaufman!) con il suo "Interiors Design", nulla di diverso di quello a cui siamo stati abituati, onirico e dolce: una coppia si trasferisce a tokyo, momentanemente a casa di un'amica dei tempi della scuola; lui è un aspirante regista, lei una ragazza confusa, piena di interessi ma priva di passioni. L'episodio parte analizzando le dinamiche di coppia dei due per spostare gradualmente l'attenzione su di lei, fino a quando non arriverà la metamorfica e a suo modo poetica svolta kafkiana; Gondry è agrodolce nel prendersi gioco del suo personaggio nella sua natura di grande "supporter" e compagna e nel conflitto interno che questo aspetto scatena in lei nel momento in cui si scopre "poca"...forse meno di quanto non dava per scontato...ma in finale si trova in grado di accettarsi e godere della propria esistenza.
Il secondo autore in campo è Carax, autorialmente scomparso dal 1999, con il suo "Merde"; qui ci troviamo di fronte a qualcosa di geniale e aggressivo che, per quanto mi riguarda, si contende con quello di Bong il "titolo" di miglior episodio della pellicola. Merde è il nome che si fa dare un bizzarro abitante delle fognature di tokyo che esce di quando in quando in superficie, inizialmente limitandosi a seminare il panico, quindi lanciando bombe a mano in piena tokyo; l'essere, vagamente "leprechauniano", viene arrestato e processato, avvalendosi della difesa di un avvocato francese inquietantemente simile a lui, unico in grado di comunicarci; il suo unico movente è l'odio causatogli dal disgusto (totalmente gratuito) delle persone che ha intorno. Carax ci porta dalle strade in cui Merde dissemina il panico al tg che ne commenta le vicende e alle diverse fazioni, pro e contro Merde, che si creano nella cittadinanza durante il processo. Tutto ottimo, ma sono proprio le incredibili e "fumettose" sequenze del processo a farla da padrone e a lasciare il segno nello spettatore. Non anticipo nulla del finale. Episodio giocato su un'accattivante misantropia e su una divertente polemica anti-moralista, abbastanza presente da farsi sentire, abbastanza trascurata da non portare il tutto a livelli astratti cambiandone il tono. Spero di vedere presto Merde in America...
Il posto d'onore è, come prevedibile vista la sua ascesa negli ultimi anni, lasciato al coreano Joon-Ho Bong (del quale ho più che abbondantemente tessuto le lodi nel corso degli ultimi post); il suo episodio ha titolo "Shaking Tokyo" e vede come protagonista un hikikomori, una sorta di esiliato; quella dell'hikikomori è una condizione ricorrente tra i giovani giapponesi odierni e consiste nella scelta di chiudersi in casa ed evitare qualsiasi tipo di contatto con gli altri. Bong prende questo spunto, lo condisce con gli eterni timori "sismici" giapponesi e crea un racconto al qualtempo claustrofobico e agorafobico, completamente surreale, che va a trovare il proprio punto di snodo nel più banale (e bizzarro per il modo in cui è posto) 'colpo di fulmine', che qui si fa veicolo della riflessione sul bisogno naturale di trovare un proprio simile in un mondo a noi alieno come spinta necessaria al superamento di sè e dell'incapacità a relazionarsi col diverso.
Una magistrale allegoria dell'alienazione, delle ossessioni e del conflitto col mondo esterno (che qui rimane sullo sfondo e col quale, questa volta, non si innesca nessuno scontro perso in partenza, qui la "battaglia" è tutta interiore), arricchita da svariate citazioni al cinema fantascientifico-apocalittico e girata in maniera a tratti teatrale, con una grandissima cura del dettaglio e una fotografia perfetta.

"Tokyo!" affascina ed ha la fortuna di non avere particolari buchi, tutt'alpiù è in continuo crescendo. Tutti gli episodi sono da vedere; se dovessi riassumere il mio bilancio complessivo: dove Gondry non stupisce e non delude (ma, visto cosa gli segue ci si poteva aspettare molto di più e, a visione conclusa, rimane il più anonimo dei 3), Carax e Bong innalzano il livello; dove il mega-fumettone di Carax è sintetico, instabile e isterico nel ritmo, divertendo e lasciando in una qualche misura perplessi; la favola post-moderna di Bong trova la formula ideale per un cortometraggio, andando a dare vita a qualcosa di pefetto rispetto alla sua durata, a sua volta perfettamente calibrata rispetto al ritmo...dovessi sbilanciarmi direi che è proprio quest'ultimo a dar vita all'autentico capolavoro tra i 3.

VOTO: 3/5

The Host

2009-09-18T22:40:00.000-07:00

Non ho resistito...ho dovuto vedere il terzo film di Bong che mancava al mio appello e pubblico subito le mie impressioni...sperando che la cosa mi aiuti a ritrovare il sonno ormai perduto per via dell'entusiasmo!

"The Host" - durata: 119 min. genere: HorrorMonster-MovieDark ComedyDrammaticoAzione paese: Corea anno: 2006 regia: Joon-Ho Bong sceneggiatura: Joon-Ho Bong, Chul-Hyun Baek, Won-Ju Ha cast: Song Kang-Ho, Byeon Hee-Bong, Park Hae-Il, Bae Doona, Ko Ah-Seong

Il cinema Coreano tende a passare da un registro stilistico e da un genere all'altro più volte nell'arco di un solo film; Joon-Ho Bong, come ho già avuto modo di osservare negli ultimi giorni, non rappresenta in questo un'eccezione alla regola, anzi, ne rappresenta probabilmente una vetta e "The Host" è senz'altro il film in cuio la cosa riesce meglio; nell'arco di 2 ore (che non pesano assolutamente nulla) si passa con tranquillità dall'horror all'azione alla commedia e, per finire, al drammatico, facendosi forza su una trama assolutamente grandiosa nella sua capacità di prendere qualcosa di classico e trasformarlo in qualcosa di assurdo.
Se in "Memories of Murder" poco era rimasto dell'essenza più "freak" di "Barking Dogs Never Bite", ma si era guadagnato in ritmo e approcciabilità per il grande pubblico, "The Host" rappresenta il perfetto punto d'incontro tra le due pellicole precedenti, e ci troviamo davanti ad un "monster-movie" signori!
E se quando dico monster-movie vi vengono una serie di titoli che vanno dai primi "Godzilla" a "Cloverfield" passando per una miriade di altri spesso dalle dubbie qualità...bhè...avete capito perfettamente di cosa parlo. L'unica differenza è che non credo che nessuna delle pellicole che potrete pensare possa essere all'altezza di questa e, se siete di quelli che categorizzano il cinema per generi e si prendono la continua libertà di storcere il naso sulla base di pregiudizi che hanno un fondamento solo alla luce della vostra opinione...bhè...qui avete l'opportunità di fare ammenda della vostra ottusità!
Cosa intendo quando affermo che la trama di questo film è assurda? bhè...ecco...assurdo non è tanto il fatto che le acque di Seoul vengano infestate da un mostro gigantesco (è un monster movie) nato per via di un grosso carico di formaldeide gettato nello scarico di un laboratorio (è un monster movie!!)...assurdo è il fatto che il carico di formaldeide venga fatto gettare perchè lo scienziato in questione detesta la polvere, e vuole punire il suo assistente per averne lasciato accumulare uno strato sulla boccette (sigillate) del prodotto; assurdi sono alcuni "salti" che fa la storia, assurdi sono i personaggi che si addormentano, assurdo è il fatto che le scene drammatiche vengano rese chiaramente ridicole e condite con pestaggi tra parenti sotto i flash delle macchine fotografiche di tanti sconosciuti...assurdo è il fatto che in realtà la trama venga deliberatamente condita aggiungendo alla minaccia mostro una minaccia virus a sorpresa la cui esistenza è sostanzialmene solo supposta, assurdo è il modo in cui alcuni personaggi secondari entrino in scena praticamente dal nula in momenti di pura anarchia!
Ma l'assurdità ha un senso..."Memories of Murder" era pregno, tra le varie cose, di un chiaro senso d'inferiorità nei confronti dell'America; in "The Host" l'America diventa la causa di un male assurdo, a monte di comportamenti assurdi lasciati correre da un atteggiamento assurdo...
anzitutto fatemi riordinare quanto ho detto:
tutto ha inizio in un laboratorio Americano in Corea, dove uno spocchioso scienziato americano impartisce al suo assistente coreano l'ordine di svuotare tutte le confezioni di formaldeide contenute nella stanza nel lavandino, perchè "ciò che odia di più è la polvere" e ce n'è un (leggero) strato su tutto, flaconi compresi; l'assistente cerca di far notare allo scienziato che la formaldeide è altamente tossica eccetera, ma in finale si trova a svuotare questa incredibile mole di veleno negli scarichi diretti nel fiume Han, che passa per il centro di Seoul.
Dopo questo sipario iniziale facciamo a malapena in tempo a iniziare a conoscere la famiglia protagonista del film, una famiglia di disgraziati che campano con la rendita del loro chiosco alimentare: una ragazzina delle medie, il padre, per cui rincoglionito è un eufemismo, che non fa che dormire, il nonno, lavoratore instancambile...si accenna a una zia quasi campionessa di tiro con l'arco, ma troppo lenta per la medaglia d'oro...e spunterà fuori uno zio, laureato disoccupato con trascorsi da manifestante.
L'azione parte subito, una bestia immensa, una specie di pesce-anfibio quadrupede creato in computer grafica, semina il panico in una sequenza mirabolante nella quale Bong ha sostanzialmente "coreografato" una folla immensa accompagnandola con acrobatici movimenti di macchina (veramente magistrale!).
La vicenda del film inizia da qui: il mostro prende la ragazzina e sembra mangiarla, la famiglia viene messa in quarantena in quanto potrebbe aver contratto un non meglio specificato virus ma il padre riceve una telefonata dalla figlia ancora viva, dunque trascina con se zii e nonni in una fuga rocambolesca che innesca l'inizio della "caccia".
Detto questo non voglio aggiungere troppo...
Dal punto di vista tecnico c'è poco da dire e tanto da vedere, Bong riconferma il suo incredibile talento visivo, inquadrature e movimenti di macchina sono a dir poco meravigliosi.
Dal punto di vista strutturale la sceneggiatura non è solo originale, ma solidissima magnificamente strutturata.
"The Host" è, ancora una volta, un film che tocca varie tematiche; onnipresenti il rapporto con l'America (stavolta ridicolizzato) che qui arriva a sganciare sulla città l'Agent Yellow (andando qui a richiamare le polemiche inerenti all'Agent Orange durante la guerra del Vietnam), e le ombre degli orrori della dittatura militare, a questo aggiungiamo i forti sentimenti e l'analisi dei rapporti familiari, trattati in maniera quantomai originale...
Il film si presenta come la riconciliazione di una famiglia completamente disgregata, davanti ad una causa di forza maggiore; ma l'argomento è trattato con assoluta assenza di retorica, e finisce col diventare una delle tante false speranze che il film da al suo spettatore.
Dico così perchè "The Host" è un film veramente spietato, nonostante non si presenti come una pellicola dai toni cupi, non lascia un minimo spiraglio di luce; la poetica "degli sconfitti" di Bong, con quel suo pessimismo tanto abilmente velato in una confezione mainstream che sputa regolarmente in faccia ai meccanismi hollywoodiani, ritorna più aggressiva che nei precedenti, anche qui tutti gli sforzi dei singoli, anche se uniti tra loro in una ritrovata complicità (complice sì di un naturale affetto familiare, ma che rimane assolutamente priva di stima reciproca tra i personaggi...per questo parlavo di falsa speranza) non trovano esito differente dalla disfatta; ma in Host questa disfatta arriva alla fine di una serie di vicende che non fanno altro che renderla più straziante, Bong si prende sadicamente gioco dello spettatore meno "smaliziato" continuando a promettergli la salvezza per poi sottrargliela sotto gli occhi alla fine...
Verso il finale del film appare poi un bambino che, senza entrare troppo nei dettagli, sembra anche lui uno spiraglio di luce, ma che, a sua volta, da ipotetico simbolo di sopravvivenza, finisce col diventare un simbolo di "continuità" intesa come ineluttabilità, come condanna.
Le immagini su cui il film va a chiudere non sono altro che la rassegnazione di uno sconfitto alla desolazione che gli rimane intorno (tanto è desolante l'ultima inquadratura del chiosco) e forse alla segreta convinzione che, qualunque cosa accada, difficilmente andrà a finire diversamente.
Mai vista tanta amarezza servita in maniera più dolce, adoro questo regista!

(ha sbancato i botteghini di mezzo mondo, ma qui, ovviamente, è uscito solo in dvd)

VOTO: 4.5/5

Memories of Murder

2009-09-18T08:43:00.000-07:00

Continua la mia incursione nel cinema di Joon-Ho Bong (anche perchè la sua filmografia, volendo, si copre in un giorno); qui è il turno del film che ha lanciato il regista, imponendolo anche agli occhi dell'occidente:

"Memorie of Murder" - durata: 127 min. genere: thriller paese: Corea anno: 2003 regia: Joon-Ho Bong sceneggiatura: Joon-Ho Bong, Kwang-Rim Kim, Shim-Seung Bo cast: Song Kang-ho, Kim Sang-kyung, Kim Roe-ha, Song Jae-ho

Rispetto al precedente "Barking Dogs Never Bite", questa seconda pellicola di Bong, è senz'altro molto meno "freak" e la regia appare forse più matura, tuttavia non mi sento di unirmi alla folta schiera che grida al salto di qualità, in quanto non voglio sminuire l'opera precedente, le cui diversità erano richieste dal tipo di storia (e che ha da invidiare a questa solo una produzione meno costosa, comunque adeguata)...Arrivando al film: è un adattamento del libro "Come and See Me" di Kim Kwang-Rim, tratto a sua volta da fatti veri che hanno scosso la Corea dal 1986 al 1991, periodo lungo il quale un serial killer stuprò (e, appunto, uccise) 10 donne tra i 13 e i 71 anni. Protagonisti della vicenda sono il detective Park Doo-man, poliziotto locale dedito alle maniere forti, alla fabbricazione di prove e alla tortura per estorcere confessioni (regolarmente "forzate"), e il detective Seo Tae-yoon, giunto appositamente da un'altra città per aiutare nelle indagini, che appare più logico e riflessivo (nonchè meno violento).
La squadra continuerà ad indagare ininterrottamente fino ad arrivare vicino ad un sospettato plausibile, ma nel 2003, il caso sarà ancora rimasto irrisolto.
Ma queste sono solo le impressioni iniziali che ci da il film dei suoi personaggi; anche questa volta Bong si sofferma sulla loro umanità e sui loro caratteri, senza trasformarne nessuno in una totale "macchietta" stereotipata; i poliziotti violenti non vengono demonizzati in questa pellicola, ma mostrati sotto una luce autentica; il poliziotto più "ligio" non viene qui idealizzato, e mano mano che perde un po' del suo velo di "mistero" si rivela sempre di più la sua umanità, tutte le parti sono messe in luce poco alla volta, levigando poco alla volta le apparenti differenze tra loro.
Insomma "Memories of Murder" è un film senza eroi, in compenso ci dona dei personaggi veri, messi in scena da una regia spettacolare; in questo film si palesa una volta per tutte lo straordinario talento visivo del regista, che già aveva dato qualche segno della sua presenza nella pellicola precedente.
Le vicende narrate non sono tuttavia l'unico argomento della pellicola; a fargli da sfondo, finendo molte volte col rivelarsi come protagonista assoluta e sovrastante le vicende, è la Corea di quegli anni, tenuta sotto la dittatura (la cui ombra è onnipresente nelle opere del regista), e se da una parte vediamo svolgersi un thriller apparentemente "canonico", con dell abbondanti sfumature noir, dall'altra ci si rende perfettamente conto di cosa questo nasconda, paura, frustrazione, conflitti interni alla popolazione, sopraffazione, indagini intralciate da rivolte cittadine e un fortissimo complesso d'inferiorità della Corea nei confronti dell'America, dalla quale finisce col dipendere l'esito dell'indagine.
Anche qui Bong ci pone davanti a personaggi che lottano invano impiegando tutte le loro energie, mai sufficienti a fronteggiare una situazione che sembra più l'esito di una situazione sociale complessiva che non delle vicende in loro stesse, e, qui come in "Barking Dogs Never Bite", i singoli sono schiacciati dallo stato delle cose, e dall'inizio non hanno nessuna chance di riuscita nella loro impresa, come nel più classico dei noir, genere che, non a caso, come altri prima di me hanno già detto, è figlio di un'incertezza sociale, qui onnipresente.
epilogo per i detrattori di "Zodiac":
Il confronto con il più recente "Zodiac" di David Fincher è inevitabile, e io sono uno di quelli che il film occidentale in questione lo ha molto apprezzato, ma so che in moltissimi hanno storto il naso dopo la visione...mettiamola così:
per quanto mi riguarda, pur essendo "Zodiac" un'ottima pellicola, non è all'altezza di questo "Memories of Murder", Joon-Ho Bong, oltre ad avere un tipo di regia che mi ha conquistato e che, tra le due, preferisco, è riuscito molto meglio nel contestualizzare la vicenda incastrandola nello sfondo sociale nella maniera che a Fincher era riuscita solo a metà; le atmosfere dei due film sono comunque abbastanza simili da richiamarsi a vicenda (ma con questo non sto accusando Fincher di "copia"), le prove attoriali sono buone in entrambe le pellicole ma anche sotto questo aspetto trovo che "Memories of Murder" sia semplicemente migliore (senza nulla togliere al Robert Downey Jr. di Fincher!).
Se siete tra quelli che non hanno apprezzato Zodiac, ovvero se appartenete a quella fetta di spettatori che vogliono solo una storia che, al di là della struttura, li porti ad accomodarsi su un finale perfetto e chiarificatore, potreste non gradire questa pellicola...ma dategli una chance, è un ottimo film che poggia su una struttura solidissima e su una capacità estetizzante decisamente al di sopra della media, dove avete trovato qualche lacuna in Zodiac, potreste non trovarla qui, perchè in effetti la vicenda è un tantino più "piena"...non so se mi sono spiegato

VOTO: 4.5/5

"Mammagamma" (Alan Parsons Project)

2009-09-12T03:32:00.000-07:00

Domanda: Qual è la prima traccia musicale interamente composta con un computer?

Risposta: Mammagamma del mastodontico Alan Parsons Project

ho appena ritaggato tutti i pezzi caricati nel blog fino a oggi come "Zenn FM"...ora sì che mi sento realizzato...

Barking Dogs Never Bite

2009-09-11T14:59:00.000-07:00

Alla fine sono tornato veramente suq uesta pagina, vuota da parecchio...la roba su gus van sant sono in procinto di pubblicarla (questa volta sul serio), solo che, essendo un maniaco, sto aspettando di riuscire a reperire aluni di quei film di cui parlerò in lingua originale, perchè per giudicare un film doppiato non mi sembra mai sufficiente (o anche: "un film doppiato non mi sembra mai sufficiente").
Dunque cosa sono tornato a fare? Bhè, nel caso che qualche lettore volesse riaffacciarsi su queste pagine...ma anche nel caso non volesse farlo (caso nel quale...mi sto solo allenando per la mia triste sorte da critico nel caso mi vada tutto a puttane)...sono qui per parlare di un film (ma va?) che ho finito di vedere da un po' (ma quante parentesi sto inserendo oggi?...sarà la ruggine!)...e per cominciare a scrivere recensioni un po' più "snelle" del solito...

"Barking Dogs Never Bite" - durata: 106 min. genere: Dark Comedy paese: Corea anno: 2000 regia&sceneggiatura: Joon-Ho Bong cast: Sung-Jae Lee, Du-Na Bae, Hie-Bong Byeon, Ho-Jung Kim, Roe-Ha Kim

Joon-Ho Bong è diventato, dal 2000 a questa parte, una sorta di regista di culto, portato alla luce in particolare dal suo secondo film: "Memories of Murder".
"Barking Dogs Never Bite" (can c'abbaia non morde) è l'opera prima di questo autore, e vi si possono già ritrovare tutte le tracce del talento di questo regista.
Film "stralunato", difficile da etichettare, ricco di humor, ma non da ridere; nevrotico ma non disperato; a tratti grottesco.
Un professore disoccupato, mantenuto dalla (dispotica) moglie incinta, mira ad ottenere una cattedra universitaria; esasperato dall'abbaiare di un cane del suo condominio, decide di liberarsene...
Il susseguirsi degli eventi fa sembrare a un'impiegata delle vicinanze che sia in atto una sorta di "strage di cani", e questa prende la cosa molto a cuore.
Il film ci guida tra le vite degli abitanti del quartiere, passando per barboni e guardiani notturni amanti di zuppe di cane, signore squinternate che dedicano la vita al rafano essiccato e bizzarre storie su idraulici uccisi e murati vivi.
"Barking Dogs Never Bite" è un piccolo concentrato di ossessioni e nevrosi, scandito da un ritmo lento e costante, accompagnato da una colonna sonora jazzata che caratterizza a perfezione l'opera e i personaggi.
Apatico, surreale, amaro e divertente, l'affresco di un'umanità fatta di uomini-"ombre", dai tratti quasi fantasmatici, impreziosito da immagini vivide e spettacolari (la scena col protagonista spaesato nel parco tra i bianchissimi fumi dei pesticidi è un esempio perfetto di ciò a cui mi riferisco).
Detto questo, attenzione: ovviamente affresco surreale non significa certo "film sconclusionato"; le vicende narrate sono metafore in continua evoluzione, il rapporto tra uomo e cane è simbolico del rapporto tra le persone; nel finale il film sembra essere una riflessione (alquanto amareggiata) su quanto le proprie forze siano insignificanti: il protagonista attribuisce tutti i suoi problemi ad un cane, ne elimina due, e riesce a trovare impiego solo grazie alla presenza di un terzo cane, per trovare il quale impiegherà tutte le sue forze; l'impiegata, dedicandosi con tutta se stessa al conseguimento degli scopi che mano mano si prefigge, riesce, nel concreto, solo a direzionarle verso l'esterno in maniera distruttiva (ne è simbolo lo specchietto della macchina che nel finale porta con sè in montagna e punta verso la telecamera, mirando ad infastidire lo spettatore col riflesso della luce del sole) e finisce col venir licenziata.
A suo modo il film sembra riflettere sull'inottenibilità del benessere sociale in maniera indipendente dagli altri, e su come le proprie capacità possano essere usate solo in contrapposizione a qualcun altro (in maniera "offensiva" o "distruttiva" come dicevo sopra)...ed è a questa seconda "via" che sembra andare la simpatia del regista che sembra dirci che, tutto sommato, non c'è nulla da temere dallo scontro, nè dall'esito dello scontro, che questo sia una testa finita contro un chiodo, la disoccupazione o l'abbattimento dello specchietto di una macchina (una "vittoria"?)...
A ribadire il concetto, pare che ogni vita vissuta solo in dipendenza dalle altre, porti solo a vite piene di frustrazione, vomito, rafani essiccati e morte (chi vedrà il film capirà a chi e cosa mi riferisco).

E' una di quelle visioni che appaga...perfetto!

VOTO: 4/5

Back to Hell

2009-08-24T12:15:00.000-07:00

dai viaggi sono tornato...ora aspetto solo l'ispirazione adatta a riaggiornare questo blog...del tutto....ho ancora dei post in sospeso cazzo...

On My Way...

2009-07-30T07:07:00.000-07:00

Dopo una lunga assenza dovuta agli esami e ad una trasferta fuori roma con un team di 10 persone per girare il film italiano indipente dell'anno (o almeno per girarne la prima parte) sono pronto...finalmente pronto...a tornare....anche perchè con Gus non ho ancora finito!

playin' (with) pianos

2009-06-01T10:46:00.000-07:00

Chick Corea & Herbie Hancock

Fuck Moige

2009-05-31T14:02:00.000-07:00

Avrete notato (ma forse no) che alla mitica sezione "unisciti a noi" si è aggiunto, oltre al "SAVE REAPER" di cui parlavo un paio di post più sotto di questo, anche un bel "FUCK MOIGE"; il MOIGE è il MOvimento Italiano GEnitori e rappresenta una delle entità più dannose a livello di libertà d'espressione e di fruizione di opere non solo cinematografiche; ho già avuto modo di farne accenno in coda all'intervento su reaper, per sapere meglio di cosa sto parlando vi rimando ad un post che ho scritto sul muro del pianto.

Detto questo invito tutti quanti troveranno la cosa quantomeno sensata a cliccare sul ragazzino qui di fianco, o sul link posto nell'altro post....o QUI, o anche, nel caso non siate pratici di collegamenti ipertestuali su questo indirizzo:
http://www.petitiononline.com/nomoige/petition.html

e firmare un'altra inutilissima quanto doverosissima petizione...

damojedepetitiooooo!!!!!

Sa di Tutto e Sa di Niente!

2009-05-30T15:01:00.000-07:00

Arrovellarmi in continuazione alla ricerca di una via per esprimere il nulla...
Sentirsi parte del nulla, galleggiare...sono un galleggiante..l'intelligenza non è nel saper fare 2+2, il q.i. è solo efficienza, è inutile; l'intelligenza è nascosta tutta nella propria capacità di auto-contemplazione ed eventualmente auto-annullamento...
...tutto ciò sa di ovvio...
...tutto il resto sa di spazzatura...
E questo istante sa di plastica, è finto, lo sto generando, ancora una volta ficco un coltello nella spalla sinistra del tempo e sparo alla destra, mentre lui continua a lentamente affettarmi le arterie, senza affrettarsi, entrambi sorridiamo.
Tutto questo è solo frutto di noia.
Il pomeriggio è lo zenit dello sbattimento, e tutto ciò che faccio si riduce a scrittura volendo, anche quando non richiede caratteri visibili...
La sera ha un sapore vago...come certi frutti non ancora di stagione....come albicocche acidule...si sospende l'attività e ci si prepara all'attività o all'inattività.
La notte, nel migliore dei casi, sa d'erba...ergo: la notte agisce sul mio cervello limbico più del resto della giornata e di conseguenza devo iper-stimolarmi in maniera tale da poter continuare a galleggiare senza affondare o emergere; comunque tra le due cose preferisco senz'altro la prima.
Ne consegue che la mattina il più delle volte sa di catarro, e che, a causa dei troppi stimoli notturni, la mattina tende ad iniziarmi di pomeriggio.
Il momento di maggior responsabilità verso me stesso è quello in cui mi stendo sul letto, devo stare bene attento a dove lascio a vagare la mente, non dormirò prima di mezz'ora, se sono fortunato; non dormirò prima di 3 quarti d'ora se sono in una giornata normale; non dormirò prima di qualche ora se è una di quelle giornate. Tutto ciò è buffo considerando che, a questo ritmo, tutte le giornate sono una giornata sola, elemento che comporta l'annullamento di ogni schema orario prefissato, che mi da la libertà di iniziare a bere, preferibilmente vino rosso, volendo anche al mattino...ma non voglio prendere in giro nessuno, non bevo mai alcolici al mattino...nonostante il mio mattino non esista...tuttalpiù li bevo dopo un'ora che sono sveglio, alcuni lo chiamerebbero mattino ma, iniziando le mie mattinate quasi tutte estremamente tardi...sì insomma si è capito!
Così tanto tempo a coltivare me stesso da finire con l'eclissarmi da me stesso e dagli altri, ma a stare con gli altri mi angoscio per tutto il tempo che potrei passare a coltivare me stesso...qualsiasi sia il dilemma la risposta è: poco male; così tante le volte in cui lascio correre mentre qualcuno tenta di spiegarmi come vivere a suo modo.
E' tutta una questione di probabilità, a partire dal tutto e dall'essere, che sono una probabilità su un'infinità, che equivale a dire che sono e non sono...a capirlo può dare un senso di vertigine, ma è estremamente appagante.
Chiunque mi abbia mai dato del pessimista si è rivelato essere una persona totalmente cieca; in ogni caso non c'è di che!
In questo periodo (O dovrei dire da sempre? Qual'è la differenza?) la giornata sa di solitudine; amo la solitudine relativa al momento, è indispensabile a svolgere le mie attività e a contemplare un tipo di equilibrio che a troppi sembra squilibrio (poveri ciechi); la solitudine assoluta, d'altro canto, sa anche ferire...per fortuna l'equilibrio succitato comprende tutto in maniera geniale.
Amo odiare, quindi quand'anche odiassi soffrire non potrei che amarlo al qualtempo; mi abbandono perversamente felice nella sofferenza, la contemplo, la trovo affascinante, mi completa, mi da tutte le risposte che cerco, forse è per questo che non piango mai...praticamente da....sempre! Visto? Tutte le risposte che cerco! Mi perdo in ogni ferita, estasiato e ponderante, sono in eterna tensione et in eterna distensione...e c'è chi si azzarda a non definirlo nirvana...
Mi guardo allo specchio e vedo un artista, l'attimo dopo un cretino, l'attimo dopo un pensatore, quindi un folle, ed ecco che arriva il nevrotico, seguito a passo svelto dal calmo, poi arrivano di corsa l'insicuro e il sicuro, il patetico e l'affascinante, giunge poi l'aspirante tossico che si guarda intorno in maniera compulsiva fino al momento in cui lo sguardo si posa tranquillo su qualcos'altro, noncurante.
Sa di tutto e sa di niente.
Sa di delirio, era da un po' che non ne lasciavo!
Sa di flusso di coscienza, in questo sono un maestro.
E tu che mi stai leggendo sereno, con la verità in tasca e il tono distaccato di chi sta pensando che forse la so lunga, ma di sicuro tu la sai più lunga, che qualcosa mi sfugge....sappi che il timore che conservi segretamente è più che fondato, non arriverai mai dove sono io in questo momento perchè in questo momento sono troppo avanti, per questo non mi curo di ciò che scrivo, per questo posso permettermi di lasciare pezzi di me anche in zone del percorso che ritieni troppo indietro, perchè il percorso mi appartiene, perchè il percorso è un mio pari, e perchè, come dicevo, a qualsiasi dilemma la risposta è "poco male", e con poco male intendo dire che non importa. Tutto ha la mia massima attenzione nella sua nullità perchè non esiste nulla all'infuori del nulla stesso, ma questo non è nichilismo, è ben oltre il nichilismo.
Era da un po' che non scrivevo un delirio....tantomeno autocelebrativo...
Sa di tutto e sa di niente!

Reaper

2009-05-29T12:06:00.000-07:00

"Reaper" - paese: USA anno: 2007 numero di serie attualmente uscite: 2 numero episodi: 18 (season 1), 13(season 2) durata episodi: 42 min. regia: Stephen Cragg (4ep.), James Head (4ep), Ron Underwood (3ep), Peter Lauer (3ep), Kevin Dowling (3ep), John Fortenberry (2ep) sceneggiatura: Tara Butters, Michele Fazekas, Craig DiGregorio, Thomas Schnauz, Tom Spezialy, Jeff Vlaming, Chirs Dingess, James Eagen, Kevin Etten, Kevin Murphy, Yolanda Lawrence, Michael Daley cast: Ray Wise, Bret Harrison, Tyler Labine, Rick Gonzalez, Missy Peregrym, Jenny Wade, Andrew Airlie, Ken Marino, etc.

E dopo un'altra lunga assenza, mi prendo un po' di spazio prima di concludere questo percorso con Gus Van Sant (che comunque è ormai pronto alla 'pubblicazione') per parlare di un telefilm americano: "Reaper", da noi approdato su mtv (vittima, come ormai di consueto per i lavori televisivi, di un doppiaggio pessimo).
Reaper vede come protagonista Sam, un 21enne la cui anima è stata venduta al diavolo prima ancora della sua nascita, che si trova a dover catturare le anime in fuga dall'inferno con l'aiuto dei 2 amici Ben e Sock, e della ragazza Andy; i fan di vecchia data di "Twin Peaks" saranno lieti di trovar nella parte del diavolo un inossidabile Ray Wise, al massimo della sua forma.
Il telefilm ha una chiara impronta comica che si accentuerà col procedere delle puntate, i personaggi sono tutti caratterizzati in maniera vivace, su tutti a farla da padroni sono indiscutibilmente Sock, l'autentico diversivo comico del telefilm, entusiasta di poter lavorare a fianco dell'amico al servizio del diavolo (entusiasta in generale oserei dire, con un'attitudine ed una fisicità decisamente...dionisiache) e il diavolo stesso, ironico, di classe...voglio dire...sì insomma è Ray Wise! Irresistibile!
Trovandoci davanti a Reaper ci troviamo davanti ad una serie senza pretese, tuttavia tra le migliori in assoluto attualmente in circolazione, lo stile strizza un occhio a quello di Kevin Smith (che d'altro canto ne è l'Executive Producer del primo episodio) e la serie può vantare delle credenziali di tutto rispetto, ottima la fotografia, ottimo la regia, ottimo il modo in cui l'idea è sviluppata; una di quelle serie adatte anche ai cinefili più incalliti, piena di riferimenti e citazioni al cinema horror, sempre condita con un tocco parodistico ben calibrato.
"Reaper", oltre a divertire, lascia trasparire tutto il divertimento con il quale è evidentemente girato, riesce ad adeguarsi a qualsiasi tipo di pubblico andando a far convergere elementi di azione, horror, e commedia (avrete capito che quest'ultima la fa riccamente da padrona!) e celando sempre un'ironia che va oltre la gag visiva, molto più sottile di quanto appare; a tratti anarchica e nichilista, la serie ride sulle spalle di personaggi principali a cui non da mai tregua ponendoli innanzi a situazioni assurde e sbeffeggiando ogni dilemma etico-moraleggiante, il tutto è però imbastito nella maniera più morbida possibile rendendo lo show estremamente piacevole da guardare.
E' divertente vedere come i creatori si siano messi d'impegno ad andare a ripescare situazioni e personaggi altamente stereotipati per mescolarli insieme riuscendo a creare un risultato fresco e nuovo; infondo, come insegna il buon Tarantino, l'arte non sta solo nella storia che racconti, ma in come riesci a raccontarla, e Reaper, tra le sue influenze, lascia trasparire anche l'impronta di Quentin.
Visti gli argomenti trattati e il tipo di 'iconografia' a cui fa riferimento, impossibile non citare anche l'influenza di un altro telefilm, il capostipite del genere: "Buffy" (del quale consiglio la visione, come sempre, in lingua originale e tentando di andare oltre i pregiudizi che può creare visto il modo in cui è stato trattato in italia e il tipo di fan che si è costruito intorno) dal quale hanno pescato qualche elemento qua e là (ma in maniera nettamente superiore, più matura ed originale di quanto non abbiano fatto altri telefilm che c'hanno provato invano come "True Blood" o "Moonlight"); ma credo che "Buffy" vada solo citata tra le (varie) influenze, tentare un confronto tra i due telefilm sarebbe alquanto stupido e non porterebbe molto lontano, perchè il punto è proprio che Reaper riesce a mantenere una fortissima impronta personale, esemplificandoci la differenza tra "citazione" e "copia".
Insomma...Reaper è intrattenimento puro con tutti i crismi!
VOTO: 45
Perchè ho tirato giù tutte queste righe su questo telefilm? bhè il fatto è semplice...per quanto mi sia già trovato a dire come certi prodotti televisivi abbiano tentato negli ultimi anni di alzare il tiro, sono pochi quelli ad essere riusciti a creare dei lavori di effettiva qualità, e, con "pochi, intendo senz'altro meno di 5 titoli (NO! Lost non è tra quei 5! Smettete di nominarmelo!). Per il resto si va dal buono (ecco, a lost posso concedere questa posizione, ok?) in giù, fino a scadere nella melma delle produzioni televisive di qualsiasi formato, che rappresentano la stragrande maggioranza dei titoli, e che continuano a rubare spazio nei palinsesti. Martedì 26 Maggio è andata in onda in america, sulla CCW, l'ultima puntata della seconda serie di Reaper (o già accennato al fatto che questo telefilm riesce ad essere così grandioso nonostante concentri le sue serie in non più di 18 episodi?) e, come l'anno scorso, la serie è a rischio cancellazione...anzi...peggio dell'anno scorso, la serie è stata cancellata! Qual è il motivo? un calo degli ascolti, la voglia di inserire programmi più 'mainstream' e di tenere in vita serie ormai morte da tempo (come stanno facendo con Scrubs per il quale, nonostante la trama sia andata a concludersi definitivamente nell'ottava serie, hanno deciso il rinnovo senza garantire nemmeno la presenza di tutto il cast!).
Nessuno è daccordo con la decisione presa dalla CCW; la ABC (che produce lo show) sta tentando di vendere il format ad altri canali, gli sceneggiatori, nell'ultima puntata, hanno lasciato la serie aperta (in una maniera che ho trovato anche abbastanza provocatoria e a suo modo ironica, più un messaggio alle reti che non un season finale!), i fan della serie stanno facendo girare petizioni ecc. in quella che sembra stia diventando una campagna piuttosto seguita, alla quale il sottoscritto ha preso parte.
Dal canto mio, oltre che firmare tutte quelle petizioni solitamente inutili e mandare un paio di messaggi ai canali di "feedback" online delle reti, non posso fare niente più che parlare della serie, consigliarla vivamente, e fare appello a chiunque, per un motivo o per un altro, volesse appoggiare questa campagna, lasciando i link qui sotto ed aggiungendo un altro "sticker" nella sezione "UNISCITI A NOI", qui di fianco, nonostante l'ultimo che avessi aggiunto (quello per drawn together) fosse risultato inutile...
LINK UTILI:
PETIZIONE - questa è la pagina della petizion online
CAMPAGNA - questa è la pagina di riferimento per la campagna per salvare Reaper
DMV - questa è la pagina del forum di reaper sulla quale troverete altre informazioni e link per questa campagna
REAPERSITE - questo è il sito della serie

Spendo altre due parole per manifestare indignazione nei confronti della (ridicola, completamente ridicola! mi vergogno quasi a parlarne) chiusura mentale che attanaglia questo paese...giusto oggi stavo leggendo come i genitori italiani "boccino" molti programmi, tra i quali per l'appunto Reaper (nonchè l'altra grande speranza del piccolo schermo: "Dexter"), in quanto 'diseducativi'...in sostanza trovano oltraggioso un telefilm nel quale il diavolo possa avere un tale charme...mentre "promuovono" le varie fiction da due lire e prive di qualsiasi valore anche solo vagamente cinematografico prodotte in questa bella penisola piena di teste vuote; quello che vogliono questi IMBECILLI (la cui progenie è troppe volte troppo simile a loro, purtroppo) è un cinema pedagogico-istruttivo alla Frank Capra, nel quale tutti i 'buoni' possono riunirsi insieme ad odiare il 'cattivo' stando in guerra aperta contro tutto quanto è diverso a quanto loro insegnato, e ridendo della morte dei loro antagonisti, che comunque non viene mai mostrata in quanto sarebbe diseducativo...
A questo punto trovo sia meglio sorvolare prima di ritrovarmi con un'ulcera a furia di ripensare a quel fottutissimo moige!

Last Days ("Non salire su quella scala!" "Perchè?!" "Perchè lì non c'è nessuna scala!")

2009-05-08T10:17:00.000-07:00

Un po' in ritardo ma ritorno a parlare di Van Sant con l'ultimo capitolo della sua trilogia della morte...Successivamente passerò direttamente al post sul regista e tutti i suoi film...

"Last Days" - durata: 97 min. genere: drammatico paese: USA anno: 2005 regia&sceneggiatura: Gus Van Sant cast: Michael Pitt, Lukas Haas, Scott Green, Asia Argento, Ricky Jay, Kim Gordon, Harmony Korine
Credo che per capire davanti a che tipo di film ci troviamo basterebbe notare l'affiancamento dei nomi Van Sant, Korine e Argento per capire la direzione di questa pellicola.
Comincio subito in maniera schietta: ho trovato Last Days un film non semplicemente che poteva essere evitato, ma un film che sarebbe stato molto meglio evitare!
La parola che rappresenta meglio questa pellicola a mio parere è: PATETICO.
Mi spiego meglio:
sarà che già non ero entusiasmato all'idea di vedere un film ispirato al suicidio di Kurt Cobain, se voglio vedere qualcosa di triste e patetico su d un personaggio ancora più triste, patetico e banale vado a pescare a casaccio nella produzione relativamente più recente di Tim Burton (ovviamente non tutta, mi riferisco ad uno dei tantissimi titoli ispirati ad altri titoli ispirati ad altri titoli, sempre di Burton...ma per questo vi rimando alla recensione di Sweeney Todd!).
Il soggetto del film è il seguente:
Blake, musicistaartista"bello&dannato"tossicomane di turno, passa dei giorni in una casa sperduta al limite di un bosco, con gli amici del gruppo; questi sembrano ignorarlo, lo tengono lì in attesa si riprenda, interpellandolo solo riguardo a canzoni (senza mai ottenere risposta) e tour.
Nessuno da troppo peso alla solitudine e alle condizioni di Blake, la ragazza mette un detective sulle sue tracce. Il film segue gli spostamenti di un cervello esaurito, quasi passo per passo, che sembra in continua contemplazione e al qualtempo in continua catalessi.
Il fatto è molto semplice, Gus Van Sant sa benissimo come fare una regia, sa che effetto vuole dare alla pellicola e sa come darglielo; sfortunatamente la sua testa, col passare degli anni, si è riempita di figure retoriche e clichè che hanno saputo diventare parecchio stancanti e patetici.
A livello registico, Last Days riprende le scelte effettuate per i primi due titoli, amplificandole; il tempo della storia e il tempo reale sono portati ancora di più a coincidere rispetto al precedente Elephant e le frasi tronche o introdotte a discorso già iniziato si sono moltiplicate, la differenza è che stavolta il film è costruito per ellissi intrecciate in maniera ancora più rigorosa di quella di Elephant, ogni discorso interrotto viene riprese e ogni discorso concluso viene poi introdotto; le continue rotture temporali sembrerebbero essere un dubbio espediente mirato a rendere (stavolta in maniera parecchio goffa) l'idea di perdita della cognizione temporale, riesce parzialmente a spaesare per qualche istante, ma nel passare del film è nulla più che uno schema noioso, ripetitivo e prevedibile.
Michael Pitt da una prova attoriale superiore alla sua media, e la cosa lascia piacevolmente colpiti, Asia Argento non ha praticamente battute, e anche questo lascia piacevolmente colpiti...poi arrivano i problemi: sesso, droga, nirvana (il gruppo) e quanto ne segue (paranoie, frasi dette tra sè e sè, canzoni di dubbio gusto, lamenti continui) sono un mix davvero, davvero, davvero, davvero noioso! Sempre che voi non siate una 15enne che si sente sola e incompresa, o una vecchietta ancora disposta a scandalizzarsi per certe stronzate!
Kurt Cobain, a mio avviso una delle persone in assoluto più sopravvalutate (grazie morte!) nella storia della musica, rivive in una pellicola pretenziosa, che riesce a dire meno di quanto vorrebbe ed elabora un'atmosfera ben più patetica e noiosa di quanto il regista non avrebbe immaginato; nel tentativo di rendere lo "squallore" si viene creando infatti un mondo basato su luoghi comuni parecchio comodi, immagini e sensazioni che sanno di già visto, e in più svilite; il tutto è recitato in maniera quasi teatrale, stavolta rovinando ulteriormente la pellicola e rendendola pesante e basata all'eccesso sugli stereopi.
L'assenza di veri e proprio dialoghi volti ai fini della storia è una trovata che invece in parte riesce, ma che era riuscita decisamente meglio nei due film precedenti a qesto terzo capitolo, conclusivo e alquanto squallido.

Voglio ancora una volta specificare una cosa, nel caso qualcuno non l'avesse capito: non è che questo film sia fatto male, semplicemente è fatto in maniera superficiale, ma si nasconde dietro toni e tematiche di un "maledettismo" facilistico fino al disarmante, ed è proprio qui che risiede la sua essenza PATETICA di cui sopra parlavo...un esempio su tutti:
inquadratura sul cadavere di Kurt Cobain (nel film viene chiamato Blake), la sua anima, nuda, in semitrasparenza, si alza in piedi dal corpo e si arrampica in cielo sui pioli di una scala invisibile...credo che questa sia la scena di morte più pietosa che mi sia mai capitato di vedere, "giustificata" con un disperato tentativo di rimandare al metafisico.

Non essendo comunque il pessimo film di un incapace, ma solo l'ennesima caduta di stile di uno che comunque alla telecamera se la cava, e sa cosa vuole dire, c'è anche una lancia da spezzare in favore di Last Days: il film vuole spostare l'attenzione sui conflitti interiori del protagonista, senza motivare il suo suicidio, lasciandone solo il sapore, l'idea di fondo, il concetto astratto che gli sta dietro e i vari (ma decisamente già sentiti) dilemmi e contrasti interni del soggetto in questione; in questo Van Sant riesce abbastanza, aiutandosi, come dicevo, eliminando quasi del tutto ogni dialogo che potrebbe essere "utile" ai fini della storia e dell'esplicazione del concetto di fondo. La scena precedente al suicidio, quella che lo prepara, è il culmine di una serie di sporadiche scene in grado di funzionare, racchiude abbastanza il concetto di tutto il film (rendendomi ancora più antipatica l'assolutamente non indispensabile ripetitività di certe immagini e scenari, aspiranti contestuallizzanti).

In altri termini: Last Days è un film che attinge eccessivamente a un'iconografia piuttosto superficiale che finisce col parodiare e svilire il senso drammatico del film.
Comunque guardabile e registicamente ancora interessante abbastanza da renderlo sicuramente interessante per molti.
(TROOOOOPPO FACILE GUS! TROOOOOOOOOOPPO FACILE!)

VOTO: 25

Elephant

2009-04-27T09:58:00.000-07:00

Ed eccoci al secondo capitolo della "trilogia della morte".

"Elephant" - durata: 81 min. genere: drammatico paese: USA anno: 2003 regia&sceneggiatura: Gus Van Sant cast: Alex Frost, Eric Deulen, John Robinson, Elias McConnell, Jordan Taylor, Carrie Finklea, Nicole George, Brittany Mountain, Alicia Miles, Nathan Tyson, Kristen Hicks...

Elephant è un bel film, ma al qualtempo ambiguo e forse anche un tantino pretenzioso.
Credo la trama sia nota a tutti, 1999, Portland, 2 ragazzi decidono di presentarsi a scuola armati fino ai denti e fare strage.
La macchina da presa si muove morbida tra i corridoi della scuola dall'inizio alla fine; lunghi piani sequenza ci fanno entrare nelle aule, nei corridoi, in biblioteca, in bagno e così via; ovunque sta accadendo la stessa cosa: nulla.
I ragazzi sono quasi tutti incredibimlente simili tra loro, vuoti o troppo piccoli e persi nelle loro vite; anche qui, come avverrà (in maniera ancora più estrema) in "Last Days", il film si "riempie di vuoto", discorsi tronchi, ellissi temporali che si accavallano e si scavallano, scene che si ripetono, lo stesso voler dividere il film in capitoli titolati con i nomi dei ragazzi è una presa in giro, non esiste distinzione netta rivediamo sempre le stesse cose, anche quando ne vediamo di diverse.
Tutto ciò può da una parte voler rappresentare, per l'appunto, questo immenso vuoto, dall'altra è perfettamente funzionale a rendere la macchina da presa come un semplice occhio che si muove silenzioso tra i corridoi di scuola in un giorno qualsiasi, che diviene un giorno speciale solo verso il finale quando, ancora una volta, il massimo del climax sta nella scena del massacro.
I due personaggi più interessanti e più realmente caratterizzati non sono tutti quelli che ci vengono mostrati dall'inizio, non sono i due innamorati ad attirare la nostra attenzione, non è il gruppo di bulimiche che seguiamo anche mentre vomitano in bagno, non è la grassoccia e isolata aiutante in biblioteca; queste sono situazioni approssimate, svuotate, stupide (mi chiedo quanto volontariamente dal momento che, come ho già reso noto, se c'è qualcosa in cui ritengo gus van sant sopravvalutato è la rappresentazione dei giovani); devo dire che la prima raffica di mitragliatrice,i primi corpi a cadere a terra, sono una liberazione anche per lo spettatore.
Tornando al punto: i due personaggi maggiormente approfonditi sono senz'altro i "killer", due omosessuali spostati e frustrati che si preparano al grande giorno suonando beethoven e giocando ai video-games (altro elemento fin troppo scontato, ma attinente); a metterli dalla stessa parte però non è la sessualità, tantomeno gli interessi, bensì la rabbia, e ci metteranno poco a mettersi anche l'uno contro l'altro, in totale leggerezza.
La rabbia...credo che questo sia l'elemento fondante di "Elephant", non sono i movimenti di macchina, tutti accuratissimi, a tratti acrobatici, e consapevolmente ricchi di significato; loro sono solo la preparazione necessaria allo spettatore; di certo non lo sono nemmeno i discorsi...è solo l'effetto di tutte queste cose; è rabbia.
Non credo di essere dalla stessa parte del regista nel guarda il film, lui è dalla parte di tutti e di nessuno, è ambiguo, traccia un discorso che si può vagamente interpretare come l'ennesimo attacco alla società iin difesa di poveri ragazzi che non fanno altro che girare a vuoto; potremmo però anche dire che sono i ragazzi stessi a simboleggiare una micro-società dalla noia della quale è naturale nasca la violenza...
Personalmente, per come ho visto il film, posso dire di averlo trovato a tratti ironico a tratti patetico...cosa vuoi dirci Gus?! Che viviamo in un mondo che porta i ragazzi a divenire persone prive di spessore? Che porta all'isolamento, alla rabbia, alla violenza? Troppo facile Gus!
La verità, per quanto mi riguarda, si trova a metà, da una parte abbiamo un regista che interpreta goffamente ciò che vede dei giovani, che da una visione vera quanto parziale, che non riesce spesso a creare personaggi autenticamente diversi e che si appoggia con un eccesso di facilità a dei clichè, ma lo fa con l'occhio di chi si sente spregiudicato e sensibile; insomma un regista che a mio parere, in continuo deliro narcisistico, sopravvaluta le sue capacità di empatizzare.
Dall'altra abbiamo un regista che, questa volta, crea un divertente affresco di inettitudine e la soffoca nel suo sangue; in elephant tutte le presunte "differenze" dei personaggi si annullano davanti ad un dato semplicissimo: "sei o non sei parte di un branco? Sei o non sei inquadrato agli occhi degli altri?" e questo è un discorso nel quale i giovani sono utili come punto di riferimento per guardare all'intera società, è tutto riconducbile ad uno dei primi discorsi che possiamo udire nel film: il dibattito sull'omosessualità che diventa un dibattito su quanto sia riconoscibile un gay ed in base a cosa, un dibattito che diventa una disquisizione su quanto sia legittimo da parte di un ragazzo portare dei vestiti di tale o tal'altro colore; allo stesso modo i due "spostatelli" non riescono ad essere più di due, non riescono nemmeno ad essere se stessi tra di loro, tutto ciò che vogliono è cancellare quanto li disgusta e li ostacola, quanto li mette n difficoltà...entrati a scuola se la prendono comodissima, passeggiano per i corridoi ponendo fine a tanti esseri per loro futili, forse proprio perchè fondamentalmente troppo riconoscibili.
C'è solo un piccolo problema, loro stessi non sono altro che personaggi costruiti su una serie di luoghi comuni, sono degli alienati a loro volta fin troppo banali, e se da una parte questo rende ancor più ironico il massacro, dall'altra lascia pensare che tutto sommato, una "pennellata" vagamente diversa gliela si poteva dare; fortunatamente arriva quell'ultimo sparo a fare la differenza, uno dei due elimina l'altro...perchè? perchè non sono copatibili nemmeno fra di loro? perchè tutto ciò che gli interessa è dar sfogo alla sua rabbia? o forse perchè tutto sommato, loro stessi avvertono il peso della loro banalità, ma non riescono a liberarsi del lorom personaggio? Seguire quest'ultima ipotesi caratterizza quell'ultimo sparo in maniera più interessante degli altri, come un proiettile contro uno specchio, sparato innanzi all'unica, vera, immensa impotenza, quella che si prova davanti a se stessi.
Vedete voi quale visione preferite.
C'è un altro elemento che ho trovato a suo modo divertente; all'inizio del film seguiamo questo ragazzo, John, andare a scuola accanto al padre ubriaco e lasciarlo parcheggiato fuori in attesa che il fratello lo venga a prendere, una situazione vista e rivista, una situazione noiosa, degna del peggiore dei Dawson's Creek, in cui è accentuato a morte questo aspetto di figlio costretto a fare il padre, crescere in fretta, quando è troppo giovane per farlo e finisce col piangere nel momento in cui rimane da solo.
John si salva, viene avvisato dai due "macellai" e invitato e rimanere fuori dalla scuola, alla fine del film reincontrerà il padre e la situazione farà per riequilibrarsi (in maniera goffissima) innanzi all'atteggiamento più o meno protettivo del padre e al silenzio del figlio; probabilmente nessuno dei due è tagliato per essere padre, ma almeno uo dei due deve tentare, perchè è questo ciò che è richiesto dallo "spettatore", è questo che è necessario in una situazione simile, è questo che è "giusto e normale" che sia...eppure risulta quantomai innaturale.
Non mi sono soffermato su inquarature e compagnia perchè, se da una parte sono gonfie di significato e studiate, come affermavo sopra, dall'altra è questo il loro ruolo, è questo a rendere visivamente accattivante il film, ed è un elemento "facile da ignorare quanto un elefante in un soggiorno" (sììì è un riferimento all'origine del titolo del film...ma quanto figo sono?!).
Tirando le somme anche sulla questione dei personaggi una volta per tutte: in questo caso quella di Van Sant mi sembra una scelta condivisibile che da al film quel tocco di ambiguità e aleatorietà richiesto, lo sospende, quasi fosse teatro, caricando, facendoti entrare sì nella vicenda, ma dalla porta di servizio, come occhio esterno ma capace di partecipazione.

IN 10 RIGHE:
Ognuno potrà interpretare un film del genere in maniera differente, personalmente ritengo che non sia un film sull'alienazione del "differente", nè sulla rabbia in quanto tale; forse non è neanche completamente corretto interpretarlo come un film specificatamente di denuncia...l'ho trovato piuttosto incentrato sull'incapacità totale di differenziazione e di affermazione di un'identità propria e autentica al 100%, da parte di tutti, inclusi gli alienati, che tutto sono, tranne che dei "diversi"!
E' un film nel quale la società è rappresentata come un teatrino in cui ognuno ha il suo ruolo, che gli piaccia o no, che sia veramente il suo o meno (e questa è l'unica chiave di lettura in base alla quale posso realmente apprezzarlo).
Secondo capitolo molto interessante, ma assolutamente non all'altezza del primo!
Comunque da vedere.

VOTO: 3.55

"Gerry" - Tutte le Strade Portano allo Stesso Posto

2009-04-25T15:58:00.000-07:00

Dichiarazione Programmatica:
Prima di arrivare alla seconda parte della mia piccola "analisi d'autore" dedicata a Gus Van Sant, quella in cui effettivamente si parlerà dei film - di tutti i suoi film - voglio dedicare dello spazio ad alcune delle sue opere in particolare; questo sarà un passaggio che, d'ora in avanti, cercherò di fare prima di iniziare i post sull'autore di turno, ma nel frattempo poco male...i film che prenderò in considerazione in questi giorni saranno:
"Drugstore Cowboy", "Belli e Dannati", "Gerry", "Elephant" e "Las Days".
Li ho elencati in ordine cronologico ma non procederò a questo modo, partirò oggi con "Gerry", il più difficile sotto ogni aspetto, a seguire tratterò "Elephant" e "Last Days", in maniera tale da visionare in ordine tutta la cosiddetta "Trilogia della Morte"; a questo punto tratterò gli altri due (tempo concedendo), quindi passerò alla conclusione dell'analisi dell'opera di questo regista fino ad oggi, trattando e mettendo in relazione in un post tutti i titoli che vanno da "Mala Noche" al recente "Milk" (in altri termini una settimana di viaggio me la farò accanto a Gus!).
Cominciamo...

Premessa:
Trovo fondamentale, prima di iniziare a parlare di Gerry, spendere due parole sui diversi approcci che si possono concedere ad un film; lo faccio perchè questo (chi non l'ha visto, presto capirà) è un film che non potrebbe che risultare molto difficile nonchè molto pesante al pubblico cosiddetto "mainstream", ed è un film uscito subito dopo "Will Hunting" e "Scoprendo Forrester" (i due 'pasticci' commerciali del regista) e che non è mai giunto in italia (in internet è comunque reperibile una versione sottotitolata in italiano...ma dovete spulciare per bene!).
Il cinema può essere vissuto in maniera differente: passatempo, passione, dibattito filosofico, dibattito idealistico... Una cosa è certa, l'unico elemento che ci ha dato la possibilità di definire quest'arte un "linguaggio" è l'immancabile comunicabilità alla base di ogni pellicola.
Non lasciatevi ingannare dal gusto, intendo proprio qualsiasi pellicola: non esiste un film che non parli e non dica qualcosa oltre ciò che mostra, che questo qualcosa sia "l'importante nella vita è il materialismo, il consumo, questo è ciò per cui lavoro, per cui questo film è fatto in maniera da attirare un certo tipo di target, probabilmente giovane, attraverso trovate romantichevisivecomiche sempre al limite del semplicismo estremo", o che piuttosto sia un invito alla riflessione, o dell'intrattenimento elevato al massimo, una condivisione di un punto di vista o di una passione, un esercizio virtuosistico.
Ognuno ha il suo tipo di cinema, purtroppo la maggior parte delle volte la gente viene semplicemente ammaestrata ed abituata ad un certo tipo di cinema (stesso dicasi per musica, letteratura, e tutto quanto d'artistico e commerciabile). Personalmente, anche alla luce di ciò, il mio modo di vedere un film il seguente:
Guardare un film è come assumere una droga e può scatenare le conseguenze più differenti, anche sulla stessa persona in momenti differenti; ciò che bisognerebbe tentare di fare è lasciari prendere, entrare nell'atmosfera, nel mondo, nel sistema di personaggi e di valori che ci viene presentato, e a quel punto vedere cosa succede, cosa il film ci fa sperimentare.
Certo è che maggiore sarà lo sforzo nel momento del concepimento, quindi della realizzazione, maggiore sarà la richiesta di attenzione e partecipazione; non tutti i film sono "cocaina", anzi, il sottoscritto tende a preferire film "allucinogeni".
Così come sarebbe insensato sperimentare nuove droghe con l'intento di avere un paio d'allucinazioni da "godersi" per poi tornare subito lucidi, allo stesso modo, per questo tipo di film, è inutile sedersi davanti alla poltrona e guardare con disattenzione, con altro in testa, alla ricerca del semplice svago.
I film sono fatti per sì per trascinare, ma a patto che si sia disposti ad essere trascinati.

(NdZ. - Nella recensione verrà rivelato anche il finale del film, certo la trama in una pellicola del genere non è fondamentale, ma ora siete stat avvisati...alla peggio saltate prima in fondo al post a leggere il sunto in 5 righe del film...)

"Gerry" - durata: 103 min. genere: drammatico paese: USA anno: 2002 regia: Gus Van Sant sceneggiatura: Matt Damon, Casey Affleck, Gus Van Sant cast: Matt Damon, Casey Affleck.
    Due amici di nome Gerry si perdono in un non meglio specificato paesaggio desertico (a tratti sembrerebbe la Death Valley ma non ne sono certo) durante un'escursione.
Perchè i due erano in lì in escursione? Bhè...suppongo per il gusto di respirare un po' d'aria pura e farsi un giro...in ogni caso quanto a noi è dato sapere è che i due arrivano in macchina, scendono, iniziano a camminare, correre, cambiano strada per non trovarsi in mezzo a un branco di canticchianti famigliole zaino in spalla...e si perdono.
Il dilatamento temporale cui assisteremo anche nei due successivi "Elephant" e "Last Days" è anche qui esasperato, anzi, la cosa è accentuata dalla quantità esigua (per usare un eufemismo...il parlato copre circa 10 minuti su 103!) di momenti parlati. Il film abbonda di piani sequenza e movimenti di macchine che sottolineano il progressivo venire sopraffatti dalla natura loro circostante dei due protagonisti, il tutto seguendo le loro silenziose e disperate camminate in tempo reale.
   Il film segue un andamento piuttosto simmetrico:
I due arrivano insieme e si perdono, a questo punto si separano, Gerry "Damon" è costretto ad aiutare Gerry "Affleck", riprendono a viaggiare insieme, si separano nuovamente, il desiderio di Gerry "Affleck" di poter riprendere in pugno la situazione, affiancato invece alla sua totale incapacità, è tale da spingerlo alle allucinazioni, il ritorno di Gerry "Damon", ancora una volta, li mette in condizione di riprendere a camminare, tentando di ricostruire la strada smarrita.
La musica che accompagna il film è sporadica e disposta in punti strategici; le inquadrature dei due passano da piani ravvicinati che li vendono "intrappolati" nella telecamera a muoversi perfettamente a vuoto, a campi medi, lunghi, lunghissimi e panoramiche, che ce li fanno perdere di vista in favore del paesaggio: sconfinato e desolante.
   Come ovvio il film in questione è un film aperto a mille interpretazioni; ha in più un modo insolitamente perverso di prendersi gioco dei due protagonisti: basta prendere in considerazione i pochi discorsi, prima c'è una dettagliata descrizione del gioco "la ruota della fortuna", che sottolinea ancora di più l'inadeguatezza dell'uomo moderno a delle situazioni 'reali' e 'naturali' che siamo stati noi a rendere invece straordinarie e occasionali; altro discorso degno di nota arriva con il gustosissimo e delirante monologo su Tebe, per il resto solo il minimo indispensabile che i due si trovano a comunicarsi per tentare di tirarsi fuori da quest'impiccio.
Il tempo del film, coincidente spesso col tempo reale, affiancato al tipo d'inquadrature già citate, rende subito chiaro allo spettatore lo stato di completa disperazione nel quale i due versano, anche se loro sembrano accorgersene solo a "pizza" inoltrata...
   Si potrebbe dare al film un valore come quello cui accennavo prima, una sorta di "vendetta" della natura, narrata ridendo alle spalle dell'inettitudine di "Gerry".
Allo stesso modo si può dire quanto detto da chiunque, ovvero che questo film è una sorta di ritrasposizione cinematografica di Meeting Godot , affermazione che trovo parzialmente vera. Senz'altro in comune con la piece ha il ritmo della narrazione (nonostante l'opera di Becket sia decisamente più ricca di dialogo) e posso sforzarmi anche a trovare delle vaghe affinità tra i personaggi (più che altro tra Gerry "Affleck" e Didi...) ed è indubbia l'influenza che si può attribuire all'opera teatrale, ma il racconto è semplicemente un altro e va a parare altrove; non c'è un Godot da aspettare, che non arriverà mai, piuttosto ci sono due personaggi intenti in un viaggio a vuoto, portati ad un finale inevitabile (che certo è lo stesso finale serbato dalla metaforica attesa di "Godot").
Personalmente ho trovato una chiave di lettura differente (credo che l'obbiettivo di film del genere sia proprio questo infondo!).
Anzitutto mi vedo costretto a rivelarvi il finale: smarriti, stremati, senza cibo nè acqua da qualche giorno, i Gerry sono ormai l'unico oggetto messo a fuoco dalla macchina da presa nella loro passeggiata verso la fine, tutto il resto ha perso completamente senso, è come se i due camminassero solo all'interno dell'inquadratura, che ormai si è fatta troppo stretta per dargli altro spazio; giunti al loro punto di sopportazione i due si accasciano a terra e per lunghi minuti tacciono, Gerry "Affleck" comincia a stuzzicare Gerry "Damon" dopo la fatidica frase "I'm Leaving!", Gerry "Damon" cede all'implicita richiesta e pone fine alle sofferenze dell'altro strangolandolo e, ancora una volta, salvandolo da una situazione sgradevole; a questo punto l'unica cosa che sembra rimasta da fare è aspettare e il film non ha assolutamente fretta; dopo qualche minuto d'attesa..."la rivelazione", indicata in maniera ambigua, lasciata intendere allo spettatore...Gerry "Affleck" si alza, si allontana dal corpo dell'amico e, ironia della sorte, riprende fuoco all'occhio della macchina da presa tutto il mondo a lui circostante...i due erano giunti in "prossimità" di una strada, si intuiscono delle macchine.
Gerry è sul sedile posteriore di un'automobile, affianco ad un bambino; è stremato ma salvo e getta un ultimo sguardo fuori, a quella distesa di nulla da cui è appena uscito.
Schermo blu, titoli di coda.
   Negli ultimi 40 minuti di film, durante una camminata che ne durerà poco meno di 10, subito prima del momento di massimo climax del film (che, come negli altri film di questa trilogia, è rappresentato appunto dal momento della morte; d'altronde, come dice Matt Damon nel film: "Tutte le Strade Portano allo Stesso posto"), ho avuto l'illuminazione finale:
nonostante secondo alcuni questo film non faccia altro che annullare i due personaggi rendendoli non indispensabili, credo siano proprio loro il cardine del film.
"Gerry" mi è sembrata essere la storia di un'"evoluzione" (contenente anche gli aspetti sopra indicati di natura che sopraffà l'uomo e ne ride insieme al regista naturalmente, nessuna spiegazione esclude l'altra!); dall'inizio del film siamo posti innanzi a questi due amici di cui non sappiamo nulla se non che si chiamano entrambi Gerry.
I discorsi "futili", ma oserei dire i discorsi in generale, così come tutti i momenti di stallo, sono bene o male tutti innescati da Gerry "Affleck" .
Sta sempre al Gerry "Damon" rimettere in moto la situazione, questi non fa altro che salvare il compagno per tutto il film; persino nel momento in cui lo uccide, è evidente come l'intento sia di dargli la via di fuga che sta chiedendo, per poi attendere da solo la morte, disteso in un deserto (che si è mano mano fatto sempre più bianco e desolato).
Per quanto ci è dato vedere e capire, si potrebbe dire che simbolicamente i due personaggi rappresentano una sola persona, o comunque una sola cosa (non è certo un caso se entrambi si chiamano Gerry e usano questo nome ogni volta che aprono bocca, persino come verbo e come sostantivo, sinonimo di tutto ciò che comporta lo sbagliare, il fare una cazzata).
Quella che ho chiamato "illuminazione" non è stato altro che un elemento tra tanti che mi è saltato prepotentemente all'occhio e che ho ritenuto essere valido a sostenere qesta tesi che piano piano mi si stava formulando in testa:

   Tra 1:18:51 e 1:26:15 circa, i due compiono la loro ultima marcia; questa tende a farsi notare particolarmente (se si sta ancora seguendo il film, chiaramente) e rimane in testa, scandita da un ritmo stabile, Gerry "Damon" è svariati metri davanti a Gerry "Affleck", i due camminano non solo in fila, ma anche in sincronia, con un passo che mi è rimasto in testa, sembra che zoppichino, la gamba sinistra supera la destra, la destra raggiunge la sinistra, la sinistra supera la destra, la destra raggiunge la sinistra...
Come fossero "sciancati" tengono questo passo fisso, e non c'è un singolo momento in cui la gamba destra superi la sinistra (come avverrebbe naturalmente, camminando); allo stesso modo Gerry "Affleck" sembra essere la gamba destra di Gerry "Damon", fa per raggiungerlo ma poi rimane indietro, fino a quando questo non si ferma, lui lo raggiunge, e i due si abbandonano in terra stremati.
A questo aggiungo che nel momento in cui Gerry "Damon" si rialza da terra, dopo aver ucciso l'altro, comincia a camminare semi zoppicante, per poi riprendere l'andatura normale, o quantomeno un'andatura su ambe due le gambe.

   In finale questo viaggio porta i due protagonisti a ridursi ad uno, ma sarebbe più corretto dire che porta il protagonista a disfarsi di una parte di sè più debole.

   Non sono sicuro di aver reso l'idea con questo mio ultimo delirio sulla deambulazione dei protagonisti, in ogni caso non è tanto importante il particolare della camminata (io sono il primo, di solito, a diffidare in questo tipo di letture) quanto il livello di "meditazione" a cui questo film, se si è disposti a seguirlo, è in grado di portare lo spettatore; non è una visiona "piacevole" ma è senza dubbio una visione compartecipata e sofferta, che richiede un continuo lavoro di metabolizzazione delle scene e di mentalizzazione quando ce ne concede il tempo. Tutto questo a patto, per l'appunto, di seguire Gerry nel suo viaggio spirituale.

IN 5 RIGHE:
Gerry è un film nel quale trama, concetto ed estetica vanno a coincidere in un risultato complesso e stancante, ma al qualtempo studiato e profondo che annienta l'idea comune di sceneggiatura; a molti risulterà certamente irritante, provocatorio e insostenibile, ma sa serbare delle grandi sorprese a patto di lasciarcisi andare dentro, a patire la sete per un'ora e tre quarti.
Gerry è un viaggio spirituale.

VOTO: 4.5/5

Parte 1 - "Lettera a Gus Van Sant"

2009-04-24T10:55:00.000-07:00

PORCA TROIA! UN MESE CHE NON TORNO SU SPLINDER E QUESTO GIA' SI PERMETTE DI MANDARMI A PUTTANE UN POST! ORA DOVRO' RISCRIVERLO DA CAPO!
...uff...
In ogni caso...Beeeeeellattutti! Sono in finale ritornato nel mio buco inernautico per riprendere a viaggiare, diopo un altro mese d'assenza....ah...il 15 marzo...ricordo bene...scrivevo il mio bell'"articoletto" su Vicky Christina Barcellona e pensavo: "devo stare attento, entro 5 giorni devo riportare il libro di Metz in biblioteca o mi sospendono di nuovo la tessera"....e oggi, 24 aprile, quel libro se ne sta ancora fiero sulla mia scrivania a prendere polvere!
In altre parole "sì, sono uno che dilaziona...anche troppo".
Non è un buon periodo, mi è andato a monte il progetto dell'anno e passo lunghe giornate a cercare 'location' per girare dei corti che sembrano non voler prendere forma...MA IL PUNTO E' UN ALTRO!
Dovendo riprendere gli studi (per i quali, a proposito di dilazioni, non ho ancora pagato la seconda rata) mi trovo ad approfondire la conoscenza di un paio di registi che già conoscevo abbastanza...e con i quali ho un rapporto alquanto ambiguo...ho deciso di togliermi qualche sassolino dalla scarpa nei confronti di questi due, abbandonando per un po' la solita formula della recensione o del delirio di turno!
Intanto comincio col primo...e la cosa funzionerà così...intanto avrete l'onore di leggere una personalissima lettera agli autori in questione, più in là si procederà con l'analisi di qualche film, poi vedrò cos'altro mi andrà di fare!

(L'idea fondamentalmente è questa: ogni volta che parlerò di un 'autore' gli dedicherò almeno un post di deliri e uno di recensioni)

Il primo dei due registi in questione è Gus Van Sant.
"Pederastia: Nell'antica Grecia, il termine indicava l'attrazione o il rapporto fra un maschio adulto e un maschio adolescente. Poiché l'antica Grecia sviluppò una serie di convenzioni sociali e addirittura di riti per regolare tale rapporto, lo si considera generalmente un fenomeno storico e sociale a sé.

Caro Gus,

ancora ricordo il primo film da te firmato che vidi, da piccolo, al cinema...era "Will Hunting", probabilmente, tra le tue pellicole, una delle più pubblicizzate (almeno da queste parti), un film che all'epoca (avrò avuto 9 anni) mi piacque, e che tutt'ora posso considerare tranquillamente un buon film...certo magari con un altro finale e un tocco un tantinello meno "standardizzato" sarebbe stato un gran film...ma non è coi condizionali che si parla di cinema!
Eh Gus...il secondo tuo film che vidi fu "Scoprendo Forrester", che in finale non è altro che la versione negra e ulteriormente standardizzata di Will Hunting, ma che riesce a rimanere digeribile...più che altro grazie a Connery...
Con il terzo film mi andò particolarmente bene, vidi "Drugstore Cowboy", veramente bello...ma da lì in avanti cominciai a pormi delle domande e a darmi delle risposte...e di sicuro la lettera non te la sto scrivendo per continuare ad elencarti dei titoli...
Gus, Gus...come mai subisci tanto il fascino dell'adolescente incappucciato con le cuffie nelle orecchie?
Eh Gus...io capisco e non preoccuparti, non sono uno che giudica!
Te li sogni la notte vero? li immagini mentre sei sotto le tue lenzuola e cominci a sudare e ansimare...non riesci a liberarti d quei dannati cappucci nemmeno quando sei sotto la doccia! Oh Gus...dev'essere terribile...Forse ti rivedi anche in loro? E pensare che, quando eri giovine tu, non c'erano nè cappucci nè auricolari come mode dominanti!
Abbracciavi il cuscino piangendo coperto dalle note di qualche chitarra elettrica mentre pensavi che nel giro di qualche decennio tutte le tue preziose cassettine si sarebbero smagnetizzate e tu saresti rimasto senza la tua scorta di musica aggressiva, moderna e controtendenza? non ti ha mai sfiorato il pensiero che, forse, tempo di smagnetizzarsi e la musica aggressiva, moderna e di controtendenza sarebbe diventata un'altra? Povero Gus!
Ma un bel giorno...BOOM! è il 1976 ed esce il walkman, tu hai 24 anni, magari sei ancora tutto preso dalla pittura...tempo 3 anni ed esce il cd, la tua musica è salva! ma dove potrai vantarti dei tuoi nuovi acquisti e del tuo ritrovato status di ribelle?
MA CERTO! un giorno a settimana passi 10 minuti con un paio di tossici, ti avvicini al cinema e finalmente trovi una via per affermarti come regista "indipendente" , e la parola indipendente è cool...ma cool nel modo giusto, non cool socialmente riconosciuto!
Nel 1982 hai girato il tuo primo corto e da lì in poi non ti sei più fermato!
Nell'85 esce è il primo lungometraggio e la strada è spianata! Ora potrai parlare di clichè giovanili fuori moda quanto ti pare e piace!
Passi inspiegabilmente da filmoni a filmetti, dall'oro alla spazzatura, ma c'è più o meno sempre un comune denominatore...ed ecco che siamo tornati a bomba...e sei fortunato che stiamo sorvolando sul tuo DISASTROSO e PESSIMO remake di "Psycho"!
Allora Gus? mi ci sono avvicinato? Nemmeno un po'? bhè in ogni caso non ho finito!
Sai qual è il problema Gus? Per esprimere al meglio certe cose bisogna avvicinarcisi in maniera più massiccia...Quello che intendo è...aspetta...
Prendiamo ad esempio quello che per alcuni è il tuo capolavoro: "Elephant", io sono il primo a dire che il film in questione è un buon film, ha solo una pecca....quella che è la pecca di parecchi dei tuoi film...I PERSONAGGI GUS! CAZZO I PERSONAGGI!
Perchè, qualsiasi sia il film, riesci solo a creare dei personaggi superficiali? Dei personaggi che vogliono celare uno spesso che gli manca! Degli abbozzi di persone vere!
Voglio dire...per alcuuni film può funzionare...lo stesso "Paranoid Park" voleva esprimere un certo senso di apatia dei giovani...e c'è riuscito...ma non trovi sia un tantinello troppo semplicistico tutto ciò?
Non fai altro che ricalcare goffamente le ombre di quello che vedi da mtv o per la strada, mescoli personaggi finti, ricalcati da atteggiamenti finti, con storie che vorrebbero essere vere il più delle volte!
Gus, Gus...posso perdonarti, in parte, per alcuni dei tuoi titoli...ma per molti altri no! GUS A VOLTE NON CAPISCO SE VUOI FARMI PROPRIO INCAZZARE E GUARDA CHE IO MI INCAZZO!
Ti concedo i personaggi che hai creato in "Belli e Dannati"...quelli te li concedo perchè sono i classici "weird" nella classica atmosfera weird e il film è abbastanza surreale da lasciarceli apprezzare.
Insomma, quello che ti sto dicendo non è che sei un incapace, non prenderla male...ma voglio dire...non credi anche tu di eccedere nel pathos e nel luogo comune?
C'è un ultimo film che voglio rinfacciarti ed è "Last Days", il film ispirato alla morte di Kurt Kobain....Già mi sei stato sul cazzo per la figura che hai scelto, il clichè dei clichè, un musicista mediocre che ha passato la vita in balia delle droghe più disparate, un personaggio noioso, la parodia di quello che voi chiamereste "pessimista"....comunque io il film lo dovevo vedere a prescindere e ho cominciato a vederlo...L'operazione era simile a quella di elephant; va a avvicinare il Tempo Reale e il Tempo della Storia facendo per farli coincidere, poi all'improvviso un salto avanti, poi di nuovo un salto indietro, un cambio di punto di vista, il conitnuo uso di frasi tronche....Gus posso dirtelo? SEI FASTIDIOSO! SEI FASTIDOSO E SUPPONENTE QUANTO FAI COSI'!
Sei effettivamente riuscito a creare un film vaamente alienante, ma niente a che vedere col senso di squallore e di reale annientamento temporale che avresti voluto trasmettere...in più quella cosa dell'anima nuda che si alza dal corpo e si arrampica in cielo era semplicemente PIETOSA! PIETOSA CAZZO! CAZZO GUS!
NON SEI IRRIVERENTE, NON SEI UN VISIONARIO, NON HAI UNA VISIONE PROFONDA DELLA VITA E NON HAI L'ATTITUDINE DELLO PSICOLOGO! STACCI!
Guarda...ora non ho più molto tempo per proseguire, ma vieni a trovarmi sulle pagine di www.zensation.splinder.com, prossimamente parlerò di alcuni dei tuoi film e vedrai che capirai meglio cosa intendo!

Sentitamente tuo, Zenn
(per l'ennesima volta: "sì, indosso una felpa con un cappuccio!" e: "No! Non mi scatterò mai una foto del genere per poi mandartela!") "

E questa era la lettera...10 punti a chi coglie il senso parodistico dell'inserto "metadiegetico" sulla Pederastia!
Non è finita qui ovviamente (mi farei schifo da solo)...Torno presto!

"Vicky Cristina Barcelona" con annessa digressione sull'ultimo Woody Allen.

2009-03-15T09:20:00.000-07:00

Solo pochi giorni fa ho avuto modo di vedere l'ultima fatica di Woody Allen, ormai fuori dalle sale da qualche mese: "Vicky Cristina Barcelona".
Come al solito per gli ultimi film di Allen, ho letto critiche spaccate in due, tra chi trova il film un piccolo gioiello d'estetica e chi ci vede solo un rimaneggiamento di "Jules e Jime" di Truffaut; dal canto mio trovo alquanto approssimativo commentare in questa chiave quest'ultimo film, il più ambiguo dell'Allen dell'ultimo periodo.
A chiunque mi venga a dire che il Woody Allen dell'ultimo periodo è calato, o, addirittura, che si è rovinato, mi viene spontaneo ridere in faccia; è stato così con molti miei amici "cinefili", e sarebbe stato così col mio professore di cinema dell'anno scorso...ma in quel caso ero in una classe e, a dirla tutta, mi sono anche sentito piuttosto irritato.
Io mi schiero con quelli che ancora supportano il genio New Yorkese, anzi, in questi ultimi anni non ha fatto altro che confermarmi l'idea che sia uno dei registi più importanti (oltre che più prolifici) del cinema d'autore americano (soprattutto considerando che ormai siamo in un'era in cui il cinema d'autore americano non è esattamente pullulante di nomi).
Woody Allen non fa più commedie da un po', da "Scoop", un buon film che però non è piaciuto a molti, certo ne ha fatti di ben altro calibro; piuttosto si è dato al noir, ha reso il suo cinema ancor più abbondantemente europeo di quanto già non fosse e, addirittura, ha abbandonato New York per più di un film, fino a giungere in Spagna.
Questi ultimi film di Allen, in particolare mi riferisco a "Match Point", "Cassandra's Dream" e quest'ultimo "Vicky Cristina Barcelona" (possiamo considerare "Scoop" come l'altra faccia, abilmente costruita, di "Match Point"? ...A mio avviso sì...), non sono film d'intrattenimento; sono girati con una perizia visiva fuori dal comune, come al solito le città prendono vita, diventano parte del film, le atmosfere che ne escono fuori sembrano affreschi, accompagnano lo spettatore dentro vicende che, però, finiscono spesso per lasciarlo disorientato, un po' perchè i nomi che il regista sta usando tendono ad attirare anche un pubblico che non è esattamente abituato a questo genere di film, un po' perchè queste ultime opere sono degli autentici manifesti filosofici le cui idee di fondo pongono lo svolgersi degli eventi sotto diversa luce.

In "Match Point" troviamo un tentativo d'integrazione in un certo tipo di ambiente, quello della londra ricca e dabbene (simbolo che ricopre il ruolo di società in senso più esteso), tentativo coronato da un delitto, un omicidio che sortirà il suo effetto lasciando integrare completamente il protagonista.
Il film prepara dunque gli spettatori a quelle che saranno le nuove tematiche, va a riflettere sull'influenza che ha la società sull'uomo nella costruzione di valori inventati, che sono stati poi assunti per assoluti, ma che finiscono con l'essere aggirabili, vedendo anche il protagonista premiato da una buona dose di fortuna.

In "Cassandra's Dream" ("Sogni e Delitti", come traduzione, proprio non mi è andata giù), che al momento rimane il mio preferito tra i tre, la riflessione va sempre a parare sul rapporto uomo-società, sfociando in un discorso superomistico, mettendo in luce ancora una volta la falsità di certi valori imposti, andando a smascherarli, affiancandoli a valori "genuini", in quanto propri dei protagonisti e non imposti dall'esterno come realtà assolute. Lo scontro tra questi due sistemi di valori, o, se vogliamo ricondurre il tutto a termini Nietzscheiani, lo scontro tra volontà di potenza e codice di valori non trasmutati, porta, esattamente all'esito contrario di Match Point, all'annientamento dei protagonisti.

"Vicky Cristina Barcelona" durata: 96 min. genere: Commedia, Drammatico anno: 2008 paese: USASpagna regia&sceneggiatura: Woody Allen cast: Scarlett Johansson, Penelope Cruz, Rebecca Hall, Javier Bardem, Patricia Clarkson, Chris Messina, Kevin Dunn.

Giungiamo così' a "Vicky Cristina Barcelona":
La trama del film è semplice, una coppia di amiche dalle personalità antitetiche vanno in vacanza a Barcellona, dove si innamorano entrambe di un pittore spagnolo, una delle due amiche, la più "posata", rinuncerà a questa follia in quanto in procinto di sposarsi, l'altra finirà a convivere per un periodo con il pittore e la sua ex moglie, un'altra pittrice, completamente fuori di testa, in preda a continui e vistosissimi balzi d'umori con accessi violenti; instaurando una relazione bisessuale con entrambi.
Il film è diviso in due fasi, nella fase iniziale ci viene presentato il primo triancolo: Vicky (Rebecca Hall), Cristina (Scarlett Johansson) e Juan Antonio (Javier Bardem); il pittore è attirato da entrambe le donne, Vicky inizialmente lo rifiuta irritata...lei donna precisa, lei che sa cosa vuole, in procinto di sposarsi, non ha tempo da perdere con un pittore che sfodera clichè di bassa lega per ottenere un'orgia.
Cristina, d'animo più artistico, libero, con un atteggiamento quasi da figlia dei fiori, è da subito attirata dall'uomo...sfortunatamente si sente male, dando modo a Vicky di cambiare idea per una notte.
Alla finedi questa prima parte Vicky viene raggiunta dal futuro marito a Barcellona e la sua vicenda va a separarsi da quella dell'amica, che invece rimane con Juan Antonio e si trasferisce da lui, un bel giorno si unisce a loro Maria Elena (Penelope Cruz), ex moglie di Juan Antonio; eccoci dunque giunti al secondo triangolo, che vuole un trionfo della sessualità dei tre, con sporadiche scene di baci saffici e rapporti a 3 appena introdotti.

Chiaro che in finale Cristina si troverà a disagio, scoprirà di non essere la libera pensatrice che credeva di essere, presa dal rifiuto per la cosa, abbandona i 2, che inevitabilmente ritornano a scannarsi.
Vicky, al contrario, scoprirà di non essere la donna inquadrata che credeva, ma di avere una vena più passionale del previsto.
Già a questo primo, superficiale, livello di lettura, ancora una volta Allen gioca sul rapporto uomo-società, su ciò che la società ci offre come scelte, su ciò che decidiamo di essere rispetto alla società.
Inevitabilmente le due protagoniste si riscoprono completamente opposte a quanto credevano di essere, la "ribelle" ha in realtà radicati in sè i principi fondamentali della società occidentale monogama, cosa che la sconvolge, la "precisa" si scopre un po' puttana (e concedetemela una licenza poetica ogni tanto!), proprio nel momento in cui finisce fatidicamente in pasto alla grande, distruttrice (questo l'ho aggiunto io per pure vezzo) istituzione che è il matrimonio.
Ma questo è veramente un livello di lettura superficiale, andando più a fondo, soffermandoci sulla forma e la storia, dovremmo renderci conto di una cosa fondamentalmente:
Le inquadrature sono stupende, il paesaggio prende vita, le attrici sono meravigliose, l'attore da vita ad un personaggio romanzesco, ma riesce ad inquadrarlo nel contesto nonostante gli eccessi...e di eccessi ce ne sono davvero tanti, a partire dalla voce fuori campo...
E' già perchè il film è accompagnato dall'inizio alla fine da una voce fuori campo che detta il ritmo della vicenda, che ha molto da dire nel presentare i personaggi, diminuendo poi il numero delle sue battute rispetto alla narrazione effettiva della storia, andando comodamente a nascondersi tra le pieghe del film, ma ricomparendo di quando in quando, a ricordarci di lei.
Quello che volevo arrivare a dire è:
il film è straniato e straniante...e con questo non intendo arrivare ad affermazioni del tipo "se Brecht avesse dovuto girare un film lo avrebbe girato così", ma voglio solo cominciare ad introdurre dentro questo secondo livello di lettura...quello della valutazione della vicenda di per sè.
Ciò che realmente accade in "Vicky Cristina Barcellona" è...NIENTE; si potrebbe quasi considerare il film come una decrizione di una lunga vacanza estiva; e sembra davvero di trovarsi davanti ad un quadro, la fotografia curatissima, i personaggi pittoreschi, i paesaggi e le ambientazioni in generale, questo film è pervaso da un'evidente poetica estetizzante; ci accompagna di scena in scena, di situazione in situazione, ma di concreto avviene ben poco, risvolti drammatici veramente degni di essere chiamati tali non ce ne sono, ci si limita a perdersi tra queste atmosfere spagnole trasognate e seguire una vicenda che finirà col non portarci da nessuna parte.
Sì perchè alla fine è questo che succede: "Vicky Cristina Barcellona" non porta da nessuna parte, in certi momenti sembra quasi girare a vuoto, ruota attorno a due triangoli che in sostanza non generano conflitti se non interiori, e alla fine porta la situazione a riequilibrarsi, a tornare esattamente al punto di partenza, come se nulla fosse avvenuto, come fosse stata (come in effetti è, per come è posta) tutta una lunga avventura estiva che, in fin dei conti, forse ha portato le protagoniste a porsi nuove domande, ma di certo niente di più.
La domanda che a questo punto può venir spontanea è: "Perchè? Perchè far perdere lo spettatore tra le spire di questo lungo volo pindarico cinematografico?", ma avendo seguito il film con attenzione, sarà nel momento stesso in cui ci si porrà la domanda che ci ritornerà alla mente, fulminea e fulminante (o almeno...per me è stato così) la risposta che Woody Allen ha lasciato lì, abbandonata in una singola battuta, persa nella sceneggiatura (se non fosse per il fatto che probabilmente quella è l'unica frase riflessiva detta in tutto il film, l'unica non collegata direttamente con le azioni dei personaggi) pronunciata, nella prima parte, da Juan Antonio:

"[...] the trick is to enjoy life, accepting it has No Meaning [...]"

("[...] il trucco è godersi la vita, accettando che non abbia alcun significato [...]")

Hanno definito "Vicky Cristina Barcelona" come il più sensuale dei film di Woody Allen, e sicuramente è così, esteticamente estremo, a cavallo tra pittura e poesia, con il sesso come filo conduttore, futilità fra le futilità nella più grande delle futilità che è rappresentata dalla vita...a questo punto potrei andare avanti per ore a cercare di estrapolare al meglio questo concetto...ad analizzare come questa pellicola riesca effettivamente a trasmettere dando l'impressione di girare a vuoto, ma senza mai lasciar cadere l'attenzione dello spettatore...ma sono certo che già dal "no-meaning" non fosse necessario aggiungere altro.
Questo film non è "Jules e Jim", è piuttosto un concentrato "oltre-nichilista" ed edonistico, esteticamente quasi eccessivo ma completamente appagante, che vede il più profondo dei suoi significati proprio nella sua estetica, tanto da farla arrivare quasi a coincidere con la trama stessa.
In altri termini: un'altra perla.

VOTO: 45

Uochi Toki - "Libro Audio"

2009-02-25T07:51:00.000-08:00

Lunga assenza dal blog finalmente giunta al termine, posso riprendere a viaggiare senza meta; avevo quasi finito l'articolo che sto riscrivendo, era lungo, bello e dettagliato, ma un clic sbagliato ha portato tutto alla cancellazione, devo decidermi a scrivere con open office e a ricopiare su splinder...comunque...lo riscriverò...via!
Anzitutto c'era una piccola introduzione che voleva portare l'attenzione del visitatore sull'eliminazione della voce "Moviez" dalla colonna qui accanto (era una lista che non avrei mai finito di compilare, oltre che essere piuttosto inutile) in favore della nuovissima "Vetrina", una raccolta di stimoli selezionati ogni circa 2 settimane, per ora divisa tra Audio-Video-Scritti, ma stavo pensando di ampliarla.
Perchè avevo scritto quest'introduzione? semplicemente per portare l'attenzione sul primo articolo in vetrina: "Libro Audio", un disco degli Uochi Toki.

Uochi Toki (sommariamente):
Trattasi di un duo - questi infatti sono Rico (alle basi) e Napo (ai testi) - nonchè di una realtà che esiste da molto tempo prima che se ne iniziasse a parlare; quando ho iniziato ad ascoltarli facevo fatica a trovare informazioni sul loro conto, ora hanno persino una pagina su wikipedia (piuttosto sommaria).
Hanno iniziato come Laze Biose nel 2001 con il disco "Scusate, Secondo Voi il Dentifricio Costituisce Ancora uno Status Symbol?", tra 2002 e 2003 hanno poi sfornato, come Uochi Toki, "Vocapatch", un disco di 31 tracce, seguito nel 2004 dal mastodontico "Uochi Toki" , contenente la bellezza di 81 tracce, alcune di pochi secondi riempiti di rumori e grida.
Nel 2005 l'ep "Equinoz" anticipa l'uscita del disco "Laze Biose"; nel 2007 i due, in collaborazione con l'Eterea Postbong Band, hanno realizzato il bellissimo "La Chiave del 20".
Il 20082009 è una buona annata per i due, prima Napo collabora con gli Useless Wooden Toys nel loro brano "Carenza di Basso" sfoderando una metrica completamente fuori dai suoi canoni, poi arriva febbraio 2009, ed è finalmente l'anno di "Libro Audio", dove troviamo nuovamente solo gli Uochi Toki e ci rendiamo conto - non mi spaventa dirlo in quanto lo trovo un dato di fatto indiscutibile - rappresenta, per ora, la vetta del gruppo, la raggiunta maturità.
A questo punto parlavo sommariamente del genere musicale intrapreso dai due: eh sì perchè voi qui di lato potete leggere "Rap Sperimentale" ma che diavolo vuol dire?
Napo e Rico sono senz'altro legati entrambi dalla ricerca dell'astrazione, la loro musica, a livello di basi, è passata negli anni dal fastidioso al più accomodante, ma mantenendo lo stesso regima stilistico: questo è rumorismo elettronico; in altre parole qui la musica in senso stretto è tenuta da parte in favore di suoni di sintetizzatori e sample distorti, che non sempre seguono una precisa partitura ritmica (specie andando indietro con gli anni) ma che puntano ad evocare; la filosofia di base di questo tipo di musica è il perdersi tra rumori sempre nuovi, più o meno duri e graffianti, alla ricerca dell'assoluto ("[...]Lo percepisco quando ascolto dentro e intorno sintetizzatori hardware o software generano immagini matematiche come le equazioni da cui provengono[...]"; "[...]Quando ascolto certi pezzi di elettronica vedo flatlandia, uccido il Buddha[...]").
Passando ai testi, Napo rappa - anche se molti mc milanesi, persi ormai nella loro scimmiottante imitazione di quello che vedono arrivare dall'america su mtv italia, che rappresenta il peggio di quanto c'è attualmente sul ben più vasto e interessante mercato americano, negherebbero quest'evidenza 'accusandolo' piuttosto di "parlare" - in una maniera senz'altro molto particolare, che si è però ben evoluta negli anni, passando da metriche quasi sciolte, che andavano a creare "disegni ritmici" lì dove le basi non ne avevano, fino ad arrivare a strofe, pur sempre lunghe, pur sempre dilatate, spesso messe in un metro quasi sciolto , ma più variegate tra di loro (cosa che è stata permessa anche da un progressivo acquisimento di ritmicità da parte delle basi).

"Libro Audio":
A questo punto arrivavo al disco e cominciavo a parlare più nello specifico:
"Libro Audio" è un concept album che, come introducevo prima, rappresenta un viaggio verso l'astrazione più assoluta cui i due puntano (viaggio testimoniato sin dalla copertina, dove la scritta Libro Audio, è ripetuta in colonna fino a quando i caratteri si fondono tra loro, perdono il suo significato semiotico in favore di quello puramente astratto della rappresentazione).
Le basi sono sempre rumoriste (nonostante qui e lì spunti un sample di piano) ma hanno un'impostazione ritmica meglio definita; a livello di testi, se prima gli uochi toki volevano avere un impatto più divertito e divertente, quasi comico, anche nell'esporre concetti duri, filosofici, caratterizzati da quello che viene catalogato come cinismo, forte lucidità e da ciò che il buon Nietzsche avrebbe definito superamento del nichilismo (seppur a partire da una base piuttosto nichilista) - basti pensare a pezzi come "Le Metafore", "Le Ragazze", "I Fonici", "L'Estetica", "Il Primo Semestre" ,"Il Secondo Semestre" ,"I Gesti di Cattiveria" o "Le Armi" per ritrovarci catapultati in un universo al contempo serio e goliardico (sì, mi piace usare termini di questo stampo! Penso che mi premierò con un caffè) - adesso Napo sembra aver completamente abbandonato quella vena 'ridanciana' (oh sì!), in favore di un argomentare ben più incazzato e duro nell'esporre le sue tesi e nel mandare letteralmente a farsi fottere la stupidità delle masse e quella delle nicchie, scagliandosi apertamente contro fanatismi politici di qualsiasi tipo, stupidi (nonchè necessariamente falsi) idealismi e così via, in un disco all'insegna di storie che, più o meno verosimili che siano, sono pienamente umane, all'insegna del relativismo assoluto.
Il disco muove dalla convinzione che il rap sia una nuova forma di letteraura (affermazione con la quale sono solo parzialmente daccordo), non a caso ci si trova effettivamente davanti ad un libro, accompagnato da rumori che caratterizzano le vicende.
"Libro Audio" è diviso in 12 tracce per 12 personalità ed ha uno schema argomentativostilistico chiastico (il chiasmo è raffigurato anche nella tracklist contenuta nel booklet, tutto illustrato dallo stesso Napo, che è anche disegnatore, sotto il nome di Lapis Niger); la prima metà del disco vede Napo come cantastorie di vicende personali o di gente a lui vicina, persone reali o realistiche, vicende concrete sulle quali il rapper specula ad alti livelli, accompagnato da basi più canoniche del solito, a tratti quasi hip hop (sarebbe meglio dire "accessibili ad un orecchio vincolato ai limit dell'hip hop); la traccia numero 6, dalla durata totale di 9.39, è la chiave di volta del disco, è divisa in 2 parti "L'Osservatore" e "L'Osservatore¹ ", a metà traccia Napo sentenzia il cambio radicale di "regia" annunciando: "Comincio a vedere cose che non esistono"; da qui in avanti i personaggi e le situazioni diventeranno sempre più astratte, mischiando reale, onirico e allucinato. Anche a livello di suoni abbiamo qui una transizione, la traccia inizia con una batteria che sembra vera, se non fosse per le drillate che ci avvisano che non è che una batteria sintetizzata, e che tutto sta per cambiare; dopo l'affermazione di napo la base si butta su suoni più esplicitamente sintetizzati, cominciando lentamente a scomporre la batteria, a rallentarla, a deformarle, fino a snaturare la natura iniziale del beat.
Questo processo andrà avanti fino alla traccia numero 12, i personaggi si faranno sempre più inverosimili, le riflessioni sempre più astratte, le basi sempre più rumorose (ma stavolta mantenendosi su un livello di seguibilità decisamente superiore a quello cui ci avevano abituato) fino a giungere a "la bestia", il più astratto dei personaggi, il più breve dei testi, con un lungo epilogo firmato Rico, che ci accompagna verso la fine con una base aggressiva, che vuole essere l'apice dell'astrazione musicale delle tracce.

Non voglio anticipare null'altro dell'opera, mi limito ad esprimere il profondo piacere che ho provato nell'ascoltarla, Napo riesce a farmi andar giù anche un tipo di rumorismo a cui non sono abituato (non sono mai stato il tipo da elettronica rumorista pesante, il mio concetto di rumorismo è più che altro legato quello del Tom Waits di "Swordfishtrombones"!), complice anche l'affinità d'idee che mi lega al gruppo, li ritengo una delle realtà più interessanti attualmente attive in Italia.
Per quanto mi riguarda, al momento, questo è il capolavoro del gruppo, un disco da avere...vedremo cosa ci riserveranno in futuro...

Link:
Sul loro Myspace è attualmente possibile ascoltare "Il Ladro" e "Il Nonno, Il Bisnonno", dalle quali vi sarà possibile iniziare a farvi un'idea più concreta di cos'è questo disco:
http://www.myspace.com/uochitoki

Tracklist:
01 - Il Cinico
02 - I Mangiatori di patate
03 - Il nonno, Il Bisnonno
04 - Il Ballerino
05 - Il Non-Illuminato
06 - L'osservatoreL'Osservatore¹
07 - Il Ladro
08 - Il piromane
09 - Il Claustrofilo
10 - lo Spadaccino
11 - Il Necromante
12 - La Bestia

Mi piacerebbe vedere più spesso il rap applicato a contesti che gli sono stati tenuti lontani per troppo tempo, e devo dire che ultimamente anche l'Italia mi sta fornendo del materiale interessante...prima "Di Vizi di Forma Virtù", ora "Libro Audio"...ma non nascondo comunque un certo timore rispetto al futuro...

MA

2009-01-26T14:52:00.000-08:00

Ok...priviamoci per un attimo dei concetti di tempo e spazio...questo significa che immaginerete quanto segue...mmm...bhè...probabilmente su sfondo nero...perchè di solito si usa il nero per approssimare e contenere l'infinito nella propria testa...poi vedete un po' voi (che è un po' come dire che vedo un po' io, o magari che vede un po' quello che sta leggendo...ma questo lo potreste capire solo finito di leggere, e non ci giurerei!).
Dunque dicevamo...privatevi dei concetti di tempo e spazio, quindi annullate l'idea di posto e l'idea di quando e....via!

"C'è" una "racchetta da ping pong" che "colpisce" una "pallina"; davanti a "lei" "vede" un'altra "racchetta da ping pong" che "risponde" "colpendo" la "pallina"
MA

"C'è" un "orso" che "balla" ed "è" "convinto" di "vedere" un altro "orso" "guardarlo" "ammiccando".

Ora riflettete.
Prendetevi pure tutto il tempo necessario.
Bene...
Se effettivamente ci siete arrivati, benvenuti nell'assoluto, evitate di chiamarlo "dio" perchè è molto più grande e meno limitato dell'immagine legata a quelle 3 lettere.
E' una condizione e non una condizionante; una condizione che non ammette condizionanti, ma solo condizionati.
La risposta ai vostri dilemmi metafisici è dunque questa, ed è anche piuttosto semplice. Siete stati tratti in inganno dalla confusione generata tra l'entità "fatto" e l'entità "ipotesi".
Bene...
A questo punto possiamo divagare in maniera più divertente e divertita...
Notate quali parole poste nel postulato non necissitino virgolette...non trovate che sia straordinariamente ironico?
E ora lasciamo spazio a una più triste considerazione...
Notate come le metafore, figure retoriche, non siano altro che il miglior modo per rendere l'assoluto...ma come per farlo non possano fare a meno di involgarirlo, impoveririlo, rischiare di lasciarlo lì, irraggiungibile...tutto questo solo perchè l'idea di un cervello finito non può generare l'idea d'infinito, ma l'idea d'impulso elettrico può far sì che lo si sperimenti e lo si senta nello stomaco, non a caso definito sede del "cervello viscerale"...
uh...che prigionia frustrante...

Spartiti On Line

2009-01-25T11:36:00.000-08:00

Sono qui di passaggio..per un intervento anomalo rispetto al solito...
Questo è dedicato a tutti coloro che si trovano a cercare spartiti in internet: è stato recentemente portato alla mia attenzione questo sito:
www.pianofiles.com
Qui è possibile, una volta registrati, compilare un elenco (solo scritto) di spartiti e tablature di cui si dispone per poi procedere per scambi. A dirla tutta per il momento io non ho avuto modo di fare scambi veri e propri, nonostante ciò però sono riuscito a farmi mandare un paio di nuovi spartiti; è un modo rapido ed efficace per avere spartiti solitamente buoni (o, nel peggiore dei casi, dignitosi!).
Ci si trova abbastanza di tutto ed è molto più funzionale dei vari siti di download per Guitar Pro (soprattutto non è limitato alla chitarra!).
(già che ci sono segnalo che www.pianophilia.com è un altro sito simile...ma per questo non so come garantire visto che misono registrato giusto oggi e ancora non ho avuto modo di provarlo)

Yes Man

2009-01-22T05:11:00.000-08:00

"Yes Man" durata: 102 min. paese: USA anno: 2008 genere: commedia regia: Peyton Reed sceneggiatura: Nicholas Stoller, Jarrad Paul, Andrew Mogel, Danny Wallace(book) cast: Jim Carrey, Zoey Deschanel, Bradley Cooper, John Michael Higgins, Rhys Derby, Danny Masterson, Fionnula Flanagan, Terence Stamp, Sasha Alexander, Molly Sims, Brent Briscoe, John Cothran Jr., Spencer Garrett, Sean O'Bryan, Rocky Carroll, Patrick Labyorteaux.

Jim Carrey è sempre lui...è sempre quel grande attore che si presta in continuazione a parti mediocri per film banali, sollevando il livello di molti film (seppur sotto solo un aspetto, giacchè un attore, a parer mio, è difficile salvi un intero film) ma riinviando pericolosamente il giorno in cui si lancerà in una qualche pellicola "definitiva", una di quelle a 5 stelle!
Certo lo abbiamo potuto apprezzare in svariati film di buon livello, da "The Truman Show" a "The Man on the Moon", ma credo non sia ancora abbastanza.
Comunque è pur sempre vero che è l'unico attore che riesce a farmi scomodare per andare a vedere commedie che di loro non avrebbero nè infamia nè lode; questo è il caso di "Yes Man".
La trama è semplicissima, un uomo incastrato nella sua vita, col disgusto per se stesso (un uomo in cui lo spettatore "x" possa riconoscesi insomma, me incluso!) incontra un gruppo di fanatici e diventa il seguace di una filosofia di vita di uno dei tanti "Life Trainer" che fanno soldi facili negli states.
La filosofia proposta è "dite di sì alla vita, siate degli yes man!", da qui in avanti il personaggio decide di dire sì ad ogni evento gli si pari davanti, completamente suggestionato, al punto di credere che dire "no" lo porterebbe alla catastrofe.
Da qui nasce la storia d'amore utilizzata per riequilibrare il tipo di messaggio lanciato dal santone e per darci l'insegnamento che il creatore aveva in mente: "cogliete l'attimo, la vita è breve, non lasciatevi sfuggire neanche un minuto".
Essendo questa la trama credo non ci voglia un genio per capire che l film si può tranquillamente caratterizzare come una commedia banale, che più banale non si può.
Ma...c'è sempre un ma!
Oltre a Carrey, che, come ho già detto, mi ha spinto a voler vedere questo film, c'è da dire che ci sono un certo numero di belle trovate; dalle attività, chiamiamole "peculiari", della protagonista femminile del film, a come questa scelta di vita influenzi il lavoro del protagonista...a dirla tutta qui si intravede anche una possibilità sprecata!
Il protagonista lavora infatti in una banca, dal giorno in cui comincia a dire di sì a qualsiasi cosa, si trova a concedere prestiti per cifre minime, per gente ed attività comuni, tutto ciò finirà addirittura col risollevare le sorti della banca. Probabilmente se il film si fosse concesso di spostare l'attenzione un po' più sulla vicenda dei "micro-crediti", qui avrebbe trovato uno spunto per una pellicola dello stesso genere, ma più fresca, più originale, che sapesse meno di "già sentito" (neanche troppo....ma sarebbe stato un passo avanti).
Perchè il problema principale di questi film è quello...prese le capacità di Jim Carrey come attore e ridotte a una parte modesta che gli permetta di sfoggiare un po' della sua mitica mimica facciale (ormai vista e rivista, la stessa che in passato a portato a chiamarlo "il nuovo Jerry Lewis"), la storia si sviluppa a cavallo tra la slapstick comedy e la commedia educativa, quello che ne esce è un miscuglio di scene già viste, frasi già sentite, argomenti già tratti, con qualche scena funzionale e divertente che per fortuna riesce a far fare qualche risata salvando il film dall'essere un disastro.
Certo è che se la parte fosse stata affidata, come inizialmente era stato deciso, a Jack Black, il film sarebbe risultato un completo fallimento!
In finale non c'è molto da dire su "Yes Man" se non che è una commedia senza pretese, un po' "Bugiardo, Bugiardo", un po' "Amore a Prima Svista", un po' "Click.".Di quelle pellicole che si sforzano a tenere basso il tiro, ma che riescono a raggiungere qualche piccola vetta di comicità che lascia ad intendere un "ok, avremmo potuto fare qualcosa di meglio" di fondo.Comunque, essendo queste, in fin dei conti, le premesse con le quali si va a vedere il film, non si può certo dire che la pellicola 'deluda' più di tanto, anzi, come ogni volta in cui ci mette piede Jim Carrey, e come ho già avuto modo di dire, riesce a strappare i suoi bravi sorrisi.
Buona per passare un pomeriggio.
Rimango decisamente più curioso di sapere cosa ne sarà di "I Love You, Philip Morris"!

VOTO: 1.5/5

Are You Sleepin' With My Wife?!

2009-01-19T08:43:00.000-08:00

Tornando su 2 attori dei quali mi è capitato di parlare nell'ultimo intervento, ma solo in relazione ad un film (e l'intervento era decisamente più incentrato sulle doti di Kenneth Branagh che non sulle loro), vi lascio qui di seguito uno sketch tratto dal loro mitico show inglese andato in onda dal 1989 al 1995: "A Bit of Fry and Laurie" (periodo durante il quale i due andavano in onda anche nel telefilm "Jeeves and Wooster", tratto dai romanzi comici di P. D. Wodehouse; purtroppo, ma anche comprensibilmente vista la natura prettamente britannica della loro comicità, nessuno dei due show è mai arrivato in italia...ma, con qualche sforzo, sto riuscendo a reperirli lentamente entrambi).

Credo che nessuno avrà problemi a capire cosa parodizza questo sketch...

Gli Amici di Peter

2009-01-17T04:06:00.000-08:00

Kenneth Branagh è stato (ed è) senz'altro una delle figure più influenti per il sottoscritto; è stato uno dei primi attori cui mi sono avvicinato nei miei primi anni di vita,il primo ad avermi 'raccontato' Shakespeare, il primo attore "non da copertina" che ho imparato a conoscere.
Attualmente continuo a ritenerlo una delle figure più sottovalutate del cinema moderno, anche se, forse, l'essere celebrato solo in ambienti più "di nicchia" non sia stato un male per lui. Probabilmente è proprio grazie a questa sua popolarità priva di eccessivi fanatismi che si è sempre riuscito a muovere indisturbato nel mondo dello spettacolo, ultimo (e a suo modo 'unico') ad essere riuscito a portare Shakespeare al cinema e a ricontestualizzare ogni sua opera in periodi storici diversi, per dimostrare quanto ogni operda del "bardo" sia senza tempo.
Ma non sono qui per parlare di uno dei suoi film basati sul teatro shakespeariano, volevo piuttosto spostare l'attenzione su un film che ho avuto modo di vedere solo di recente: "Gli Amici di Peter".

"Gli Amici di Peter" ("Peter's Friends") paese: UK durata: 101 min. anno: 1992 genere: commediadrammatico regia: Kenneth Branagh sceneggiatura: Martin Bergman, Rita Rudner cast: Kennet Branagh, Emma Thompson, Stephen Fry, Hugh Laurie, Alphonsia Emmanuel, Imelda Staunton, Phillyda Law, Rita Rudner, Tony Slattery, Alex Lowe

Per riassumere la trama:
Un gruppo di 6 amici che condividevano la passione per teatro e cabaret all'epoca del college, si ritrova dopo dieci anni, in occasione del capodanno 1992 (in italia, essendo il film arrivato con 2 anni di ritardo, la data fu trasformata in 1994), in una grande casa andata in eredità ad uno di loro, Peter, a seguito della morte del padre. Durante questi tre giorni ci saranno scontri, tensioni e discussioni di varia natura, fino a quando si verrà a sapere il motivo della rimpatriata.

Certamente non siamo di fronte ad un film immediatamente classificabile durante la visione; l'opera è evidentemente divisa in due parti: parte come commedia, dinamica e frizzante, ma da subito si respira quell'atmosfera di serietà e quell'aria di morte che caratterizzano la seconda parte. I protagonisti sono la generazione cresciuta negli anni '80, partita con grandi ambizioni, purezza d'intenti, amore per l'arte, e finita incastrata in vite approssimativamente simili a quelle che avrebbero desiderato, frustrati, soli, mai cambiati, mai cresciuti (d'altronde, come è lo stesso Branagh a dire nel film: "un adulto è solo un bambino con un impiego").
I fallimenti e i rancori verranno messi in disparte di fronte alla rivelazione finale e il film si concluderà con la situazione iniziale sostanzialmente rimasta invariata, ma con un ultimo augurio di buon anno e un festeggiamento che, certo, non risolveranno nulla, perchè le cose non si mettono mai "a posto", ma aiuteranno a sopportare il tempo che se ne va.
Anche in questo caso Branagh mette su un cast formidabile e lo dirige egregiamente, creando l'ennesima miscela tra cinema e teatro (sono convinto che quest'uomo riuscirebbe a trasformare in teatro anche il peggior prodotto hollywoodiano privo di idee e basato sugli effetti speciali...insomma ricaverebbe dello shakesperiano anche dai transformers!), non per niente il cast è costituito principalmente da teatranti e l'"impianto" della commedia è molto più teatrale ceh cinematografico.
Emma Thompson (che all'epoca era "la solita compagna" del regista) da del suo meglio, così come Stephen Fry (ovvero il Peter del titolo); già ho fatto tante lodi a Kenneth Branagh dall'inizio del post a questa parte, ma non posso omettere certo il suo contributo recitativo nella parte di un personaggio ambiguo e affascinante.
Durante tutta l'opera, ogni tensione tra i personaggi sembra appianarsi solo davanti al gesto artistico, ovvero solo quando i 6 amici si riuniscono intorno allo strumento musicale di turno, a riesumare qualcuno dei loro vecchi numeri; in funzione di ciò l'altro personaggio fondamentale è quello di Hugh Laurie (che i più profani ricorderanno solo come "il dottor house") quasi sempre dietro un pianoforte o con in braccio una chitarra.
Questi sono i personaggi chiave che fanno da perno a tutto il film; non vanno comunque dimenticati Rita Rudner, co-autrice dell'eccellente sceneggiatura, che interpreta una nevrotica e ossessiva attrice di sit-com ex alcolista; Phillyda Law, la governante, sguardo saggio, distaccato e amareggiato sul gruppo di amici (nonchè, nella realtà, madre di Emma Thompson); Imelda Staunton, che interpreta la compagna di Roger Charleston (Hugh Laurie), madre ossessiva a seguito della morte di uno dei due figli; e, per finire, Alphonsia Emmanuel nei panni di una ninfomane mangiaumini insicura di ciò che vuole, e Tony Slattery, il suo amante di turno, più una figura grottesca che un personaggio funzionale ai fini del film.La domanda che sorge spontanea alla fine è "cos'è questo film?", uno sguardo acido su tutta una generazione e su quelle a seguire? Uno spaccato di realtà sul mondo dello spettacolo? Un film su come nella vita si finisca, il più delle volte, a patteggiare con quelle che erano le proprie ambizioni? Una serie di considerazioni tristi e malignamente divertenti sul fallimento? Uno sguardo mortifero su quanto crescere sia mortificante e vivere sia frustrante? Un film sull'amicizia vera e non idealizzata? O forse una malinconica e divertita dichiarazione d'amore all'arte?
In finale suppongo sia un po' tutte queste cose...

VOTO: 3/5

[youtube http://www.youtube.com/watch?v=Gl2pdy5SbZQ&hl=it&fs=1]

"Il Terzo Uomo" (the third man)

2009-01-05T06:48:00.000-08:00

Aprirò la serie di post dell'anno con una piccola riflessione sul film "Il Terzo Uomo" di Carol Reed.

"Il Terzo Uomo" ("The Third Man") - durata: 104 min. anno: 1949 genere: Noir paese: UKUSA regia: Carol Reed sceneggiatura: Graham Greene, Orson Welles cast: Joseph Cotten, Alida Valli, Orson Welles, Trevor Howard, Bernard Lee, Wilfrid Hyde-White, Ernst Deutsch, Eric Ponto, Alexis Chesnakov

La trama di base di questo film, tratta dall'omonimo romanzo di Graham Greene, è davvero scarna: Vienna, secondo dopoguerra, Holly Martins, uno scrittore americano di romanzetti commerciali da quattro soldi si crea dei problemi quando decide di investigare sulla morte del un suo amico Harry Lime, morto, a quanto pare, in un incidente d'auto svoltosi in maniera ambigua. Investigando, Martins, conosce Anna Schmidt, ex ragazza di Lime, di cui si innamora, e il Maggiore Calloway, che indaga a sua volta sulle tracce del morto, sospettato di traffici di medicinali.
Si verrà a scoprire che il funerale era una farsa e che in realtà Lime era vivo e vegeto.
Come molti dei film in cui ha lavorato Orson Welles (a partire dalle sue opere maggiori), anche questo film svolge un'interessante riflessione sulla dicotomia bene-male e buoni-cattivi con la quale si distorce la visione dei fatti agli occhi dela gente.
Tutti i personaggi del film si "schierano" a seconda del loro ruolo:
Calloway, ovviamente, rappresenta la polizia; Anna Schmidt rimane sempre e comunque dalla parte di Lime, anche davanti al torbido passato del suo uomo e alla sua simulazione di morte; non è importante che sia o meno daccordo con lui perchè sa di non poterlo abbandonare.
Harry Lime (che, per chi non lo sapesse, è proprio il persoanggio di Orson Welles) è di certo il personaggio più interessante del film, lotta per se stesso, squalo in un mondo di squali, perchè così gli piace.
La sua filosofia è riassunta nel suo celebre monologo contenente l'unica battuta scritta, appositamente per la parte, da Orson Welles (battuta citata anche nel post precedente):

"In Italia, per trent'anni, sotto i Borgia, ci furono guerre, terrore, omicidi, carneficine. Ma vennero fuori Michelangelo, Leonardo Da Vinci e il Rinascimento.
In Svizzera non vi fu che amore fraterno, ma in 500 anni di quieto vivere e di pace, che cosa ne è venuto fuori? L'orologio a cucù".

A questo punto arriviamo a Holly Martins: l'uomo medio (e, non per niete, mediocre), confuso, combattuto sul da che parte stare; l'uomo che inizia la sua battaglia nel tentativo di riscattare il nome dell'amico che crede morto, fino a quando non scopre che questo suo amico è in realtà vivo, e che vende medicinali allungati con l'acqua causando innumerevoli morti, tutto questo per soldi.
Innanzi a questa realtà, in principio si distacca comunque dalla polizia, non volendo essere proprio lui a mettere il cappio attorno al collo di quello che credeva un amico; subito dopo accetta di fare da esca per catturarlo, ma solo per di aiutare Anna Schmidt, che la polizia russa vuole rimandare a casa; quando però Anna capisce cosa sta avvenendo decide di rimanere e mostra tutto il suo dissenso a Martins, sempre più confuso sul da farsi; in finale a Calloway - che ha capito molto bene con chi ha a che fare - basta far leva su alcuni punti semplicissimi, a partire dalla pietà, e per convincerlo a collaborare lo porta in un ospedale infantile. il culmine della vicenda di quest'uomo, torturato da una coscienza che non sa più bene a chi dar retta, arriva alla fine del lunghissimo e strepitoso inseguimento tra le fognature di Vienna, quando Lime verrà ferito, lasciandosi quindi uccidere dall'amico, a seguito di uno sguardo d'intesa profonda.
In altra parole la storia sfocia in un omicidio meccanico, privo di rabbia, privo di senso.
Nella sequenza finale, al funerale dell'amico, Martins tenterà anche di riconciliarsi con Anna Schmidt, della quale è ormai innamorato, venendo però completamente ignorato da quest'ultima.
E' proprio qui che si trova la sfumatura finale che il regista ha voluto dare al film: nel libro da cui è tratto, infatti, troviamo un lieto fine, la "vittoria" del protagonista; nel film, invece, Reed ha voluto privare di gloria il suo protagonista, che esce dalla vicenda come uno stupido che non ha fatto altro che uccidere un suo amico per degli ideali di cui non poteva neanche essere troppo sicuro.
Ancora una volta troviamo un personaggio che rappresenta l'uomo perso tra le contraddizioni dell'etica e della coscienza, un "servo" della società se vogliamo, schierato con tutti e con nessuno, senza un'idea precisa, che si ritrova ad uccidere il suo migliore amico in nome di valori altrui, e che non fa altro che venir sfruttato dall'inizio alla fine del film, prima da una parte, poi dall'altra, per giungere poi a non avere in mano niente se non disprezzo, e a essere attaccato dalla donna che ama, la quale non può accettare la sua fede cieca in valori approssimativi, a discapito di un suo amico.
Le discussioni tra questi due personaggi a partire dalla scoperta della vera natura delle attività di Lime, ruotano sempre attorno allo stesso punto, la naturale incapacità di mettere qualcosa di artificiale come i valori contro qualcosa di istintivo come i sentimenti, incapacità andata perduta nel protagonista.
Non è un caso il fatto che Martins sia il personaggio che è: scrittore di novelle per semi-analfabeti, narratore fermo alle vicende dei nobili eroi in lotta contro gli antagonisti di turno, il frutto puro dell'industrializzazione di qualsiasi arte, mai considerato come un artista, anzi, messo in luce come un ignorante, cresciuto con letteratura commerciale, andato a finire nella letteratura commerciale, senza neanche troppo successo.
Insomma il protagonista di questa storia è più che altro lo zimbello di questa storia, intento a combattere per una "bandiera" in cui neanche crede più di tanto, destinato a non porsi alcuna domanda all'infuori del "chi ha ragione e chi ha torto?" basandosi su criteri che non appartengono in realtà a nessuno.

Secondo alcuni Orson Welles avrebbe anche supervisionato tutta la tesissima scena di inseguimento nelle fogne, ma non è un dato accertato; certo è quanto Carol Reed si sia ispirato alle precedenti regie del suo attore protagonista, stilisticamente e contenutisticamente.
Il film è stato (in maniera piuttosto evidente) girato con una lente grandangolare volta a distorcere vagamente i tratti del profilmico, in più la telecamera si pone sempre su linee oblique, incrementando l'atmosfera già cupa di questo fantastico esempio di cinema noir portato ai massimi livelli; per usare le parole del regista:
"Ho girato la maggior parte del film con una lente frandangolare, che ha distorto gli edifici ed enfatizzato le strade acciottolate e bagnate.
E' costato un bell'impegno innaffiarle costantemente. Ma l'angolazione doveva appunto suggerire che stava succedendo qualcosa di "storto" ".Anche a quest'epoca il doppiaggio si prendeva abbondanti "licenze", in questo caso, ad esempio, permettendosi di togliere completamente la voce narrante introduttiva (che, nella versione inglese, è Reed, nell'americana, di Cotten), ma sarò sincero, quest'ultimo dato l'ho rubato, non esiste che mi veda questi film doppiati!
Celeberrimo anche il motivetto iniziale della sigla, suonato con la cetra da Anton Karas.

VOTO: 4.55

Ultimi Pensieri Altrui Prima di Andare.

2008-12-27T14:04:00.000-08:00

In procinto di partire lascio qualche ultimo pensiero (stavolta altrui) a salvaguardare il blog...giusto quel paio di cose che mi hanno ossessionato (donandomi l'appagamento e la compagnia che mancano sempre) negli ultimi tempi, alle quali dunque devo molto...
La cosa strana è che in sole 3 righe di mio pugno ho scritto di me più di quanto di solito non scriva, ma non voglio diventi un abitudine.

Take Me to the Basement (Aesop Rock)
Take me to the basement
let me count the holes in your foundation
ancient ridicule system alert, kissing my lurk
the perch of rare grimace on iron mask
i remember science class
if chemistry could silence the lions laugh I'd be fine
(i fail tah) molindone up
adrenaline trades the leaves that walk the plank
before the crimson struck a match this season
meridian carpal will jolt your logic
when the burn earned its self normalcy for 20 plus
run a muck or sink, swims not an option
she applied the lipstick slow
slow enough for me to bask in
fast enough for me to wish it lasted
past my alarms cackling
the front line of its mystique's geek
doubled my proposals,bargains
for the ogers who prefer the roller coasters
(i prefer the roller coasters)
well that'll sip the blood of merry men
that'll grace holiday carols when the merry ends
barrel past the auto craft, exhale into final raft
and pirate your local rain puddle torturous
try to shake pilot fish off your dorsal fin
lets dive through the archives, synax on frantic planets
stamp it with a noteable brand to reek the profit
see i don't know hell but I've read about it often
sounds like a dope concept gone wrong
(note to caution)

Take Me to the basement
lets zoom into that war paint sensation
Take Me to the basement
lets dis-sable the cause rotation
sayin, if you choose to build or you'll die by the tools you build with
so make some noise for all your predecessors reppin dirty grill-age
Take Me to the basement
lets deny the nervous rooms of pacin
Take Me to the basement
lets review the hearts ramifications
sayin, if you choose to build or you'll die by the tools you build with
so make some noise for all your predecessors reppin sturdy grill-age

Take me to the basement
lets remove the costume you escaped in
hold up your legacies,I'll tell you which ones my favorite
hold up your elacerative innocence
I'll teach you about the perks of patience in seminar format
I've worn that hat for seven years
that's why its discolored,ragged and shitty
i ain't about to toss when its been through all these dream wars with me
I'm an undercover profit,thrift shop god
i rather starve then sit inside this gridlock till it parts
this tailor made rutiny ain't suitin me
it's tied around my neck like 13 loops rafter an apple box
heartless harvest of mine,I'm tired of pissin benediction
maybe it ain't healthy,but sometimes i rather burn then let you help me
it's getting brisk, brisk as fuck
my skin ain't thick enough ,these icicles ain't civil
how many freezer burn victims can one society on tilt manufacture
prior to hire,being intervening just to release last laughter
and every tree trunks made of third rails with tourniquet branches
and i learned to walk with an anchor in my back pocket
and man i read palms during even the most brief handshakes
and man i ain't alive to pull the weeds around the spotlit
well I'm wallowin, followin my little lost princess to the promise land
hollerin my potent slogan,hell if Nostradamus can
conquering these open roads with throttle pin to floor
cause I'm a win right after i finish these chores

Take Me to the basement
lets zoom into that war paint sensation
Take Me to the basement
lets dissable the cause rotation
sayin, if you choose to build or you'll die by the tools you build with
so make some noise for all your predecessors reppin sturdy grillage
Take Me to the basement
lets deny the nervous rooms of pacin
Take Me to the basement
lets review the hearts ramifications
sayin, if you choose to build or you'll die by the tools you build with
so make some noise for all your predecessors reppin sturdy grillage
Take Me to the basement

"In Italia, per trent'anni, sotto i Borgia, vi furono guerre, terrore, omicidi, carneficine; ma vennero fuoriMichelangelo, Leonardo Da Vinci e il rinascimento. In Svizzera non vi fu che amore fraterno, ma in 500 anni di quieto vivere e di pace che cosa ne è venuto fuori? L'orologio a cucù."

-Orson Welles

"Amico mio, fuggi nella tua solitudine! Io ti vedo assordato dal fracasso dei grandi uomini e punzecchiato dai pungiglioni degli uomini piccoli.
[...]La dove la solitudine finisce, comincia il mercato; e dove il mercato comincia, là comincia anche il fracasso dei grandi commedianti e il ronzio delle mosche velenose.
Anche le cose più eccellenti del modo non valgono nulla se non trovano qualcuno che le rappresenti: grandi uomini sono chiamati dal popolo questi attori.
Il popolo capisce poco ciò che è grande, cioè: la creazione. Ma esso ha comprensione per tutti gli attori e i commedianti delle grandi cause.Il mondo ruota attorno agli inventori di valori nuovi - invisibilmente esso ruota. Ma il popolo e la fama ruotano intorno ai commedianti: così va il mondo.
Il commediante ha spirito, ma poca coscienza dello spirito. Egli crede sempre a ciò che gli riesce di suscitare la fede più intensa - la fede in se stesso.
[...]una verità che si insinui solo in orecchie fini, la chiama menzogna e nullità. Certo, egli crede solo a dei che facciano gran fracasso nel mondo!
Il mercato è pieno di buffoni solenni, e il popolo esalta i suoi grandi uomini, questi sono per lui i padroni del momento.
Ma il momento incalza, così essi ti incalzano: e anche da te pretendono un sì o un no [...] per via di questi assoluti e indiscreti, sii senza gelosia, tu che sei amante della verità! Mai la veriotà fu al fianco di un assoluto.[...] spossato io ti vedo da mosche velenose, sanguinosamente segnato in cento scalfitture; e il tuo orgoglio non vuole nemmeno andare in collera. [...]Bada però che non diventi la tua rovina, dover sopportare i loro torti velenosi.
Essi ti ronzano attorno anche con la lode: impertinenza è la loro lode. Essi vogliono la vicinanza della tua pelle e del tuo sangue.
[...] Spesso fanno anche gli amabili con te. Ma questa sempre stata l'intelligenza dei vili. Sì, i vili sono intelligenti!
Essi riflettono molto su di te nella loro anima angusta - tu sei sempre inquietante per loro! Tutto quanto è oggetto di molta riflessione, diventa inquietante.
[...]Anche se sei mite con loro, si sentono sempre disprezzati e ricambiano ogni tuo atto benefico con subdole cattiverie.
[...]Essi si sentono meschini di fronte a te, e la loro bassezza cova, ardente sotto la cener, una vendetta invisibile.
Quante volte sono ammutoliti al tuo apparire, e la loro forza li ha abbandonati come il fumo di un fuoco che si estingue: non l'hai notato?
Sì, amico mio, tu sei la cattiva coscienza dei tuoi prossimi: essi infatti non sono degni di te. Perciò ti odiano e vorrebbero succhiarti il sangue.
I tuoi prossimi saranno sempre mosche velenose; ciò che in te è grande - proprio questo non può non renderli più che velenosi e sempre più mosche.
Amico mio, fugginella tua solitudine, là dove spira un'aria forte e inclemente. Non è tuo destino essere uno scacciamosche.-

Così parlò Zarathustra."

(Friedrich Nietzsche - "Così Parlò Zarathustra" delle mosche del mercato)

Infine un saluto al maestro e profeta Asdrubale Molletta, re di facebook!...non che io ne faccia parte (sul serio) ma, di questi tempi, chi non conosce il signor molletta?!

(la foto non rappresenta il signore in questione, che ha ritenuto meglio ritenersi irrappresentabile per un po')

"Kicko, dove c'è un commento" (titolo cantato sulle note di "chicco, dove c'è un bambino")

2008-12-23T08:01:00.000-08:00

Non sono un tipo che segue più di tanto lo sport...questo non significa che non ne abbia praticato o che nessuno sport mi interessi (per la cronaca, sono più tipo da pallacanestro), ma semplicemente che non ci sto chiuso più di tanto...
Certo è che sin da piccolo non ho mai amato il calcio, quando l'italia ha vinto i mondiali qualche anno fa, non solo non ho visto la partita e non ho festeggiato (e ne sono più che fiero), ma ho trovato anche fastidioso il frastuono dei giorni a seguire, la cosa mi aveva tanto stancato che sono arrivato anche a sperare che l'aereo su cui viaggiavano gli 11 semi-analfabeti multimiliardari precipitasse (non che ci voglia niente affinchè io auguri la morte a qualcuno, anzi, si può dire che attualmente sia questo il mio sport)...
...
...
ah ma non è di questo che volevo parlare! Anzi, ultimamente ho anche quasi sanato l'ostile divario che si piantava tra me e il calcio, scoprendo che c'è una cosa del calcio che mi diverte: pes!
Ma non è neanche questo il punto...
...
...
Il punto è:
tutti voi avrete sentito parlare di questo cazzo di Kicko e, se non ne avete sentito parlare...allora vi chiedo di non arrivare fino in fondo perchè non vorrei fargli pubblicità (ma mi sento in dovere...subdoli bastardi!) ma devo insultare 'sta gente in qualche modo!
Comunque: l'iniziativa in questione consiste nel pubblicare video nei quali sono immortalate le proprie abilità calcistiche su questo...suppongo sia un sito...insomma su questo kicko.
Ora...io non so quanta gente lo abbia fatto e non mi interessa...so solo che per mesi questo tale dr. spongy - al quale auguro un ascesso (come minimo) - ha rotto il cazzo a tutta la comunità web (ergo a una mandria di rincoglioniti) con 'sto cazzo di video di 'sta cazzo d'amica sua che era stato censurato.
Il video rappresenta questa tizia che da l'illusione di spogliarsi in meno di 50 secondi...e in teoria servirebbe a pubblicizzare questo kicko.
Ora...se c'è una cosa che mi sta sul cazzo più della censura, è quando quest'ultima in realtà è pubblicità! Se youtube non avesse censurato questo video (che di censurabile non ha nulla, cosa che mi fa pensare che potrebbe anche essere stato lo stesso dr. spongy a farlo censurare...ma non è questo il punto) migliaia di pagine web si sarebbero risparmiate l'intervento di questo parassita e del suo piagnucolante
"non è giusto, youtube ha censurato questa mia amica, questo video non era da censura..." blablabla (tra l'altro con il video postato subito sotto...io 'sta censura l'ho sentit nominare solo a lui).
Ora pare che il video non sia più censurato e quindi migliaia di pagine web hanno l'intervento di questo tale che ringrazia perchè "evviva! ora è giusto! il video della mia maica non è più censurato" (e il video, ovviamente, è sempre sotto).

Il fatto che questo post sia potenziale pubblicità non mi interessa, soprattutto visto che tutti ormai hanno avuto modo di leggere e vedere questo video...solo che, ora come ora (e per i 3 minuti a venire), provo odio incondizionato nei confronti di questi poveri morti di fame che, incapaci di farsi venire buone idee per un video, ne hanno realizzato uno INSIGNIFICANTE e A CAZZO DI CANE, dopodichè hanno usato la parola "censura" per farsi pubblicità.

Volevo solo prendermi un po' di spazio per poter dire da qualche parte che vi odio e vi auguro lutti per il presente e aborti per il futuro.

Tra le altre cose la tipa che si spoglia (che suppongo fosse la migliore che potessero permettersi questi poveracci) è fan di vasco rossi, tre metri soprail cielo, scusa se ti chiamo amore e altre minchiate, so che tutto questo è irrilevante ma ogni pretesto è buono per ribadire come il progetto kicko sia formato da persone che, quando avrò conquistato il mondo, verranno appese a testa in giù, legati per le palle con un filo di nylon gli uni, agganciate da dentro come i manzi dal macellaio le altre, non perchè io abbia ragione e loro torto, ma semplicemente perchè avrò conquisato il mondo e mi divertirò a martoriare qualsiasi cosa mi susciti schifo!
Per finire mi limiterò a togliere l'accesso a internet al solito paio di peli di fica aderenti al progetto che hanno perso di vista la retta via della pornografia...dopodichè le farò scuoiare e le farò travolgere da svariati carri di buoi mentre migliaia di pappagalli ammaestrati intoneranno all'unisono la domanda "Chi tira di più adesso?! CHI TIRA DI PIU' ADESSOOOOOO?!?!?!?!?!?!".
No, non posterò il video.

ps. - Ehi Santa? hai letto bene che ho scritto? Cogli il suggerimento e fammi questo bel regalo (scegline uno qualsiasi della parte che va da "ascesso" scritto in grassetto a "chi tira di più adesso?!" scritto maiuscolo con tanti punti interrogativi ed esclamativi) che quest'anno sono stato buono!

Aesop Rock - "B-Sides & Rarities" vol.1&2

2008-12-20T14:35:00.000-08:00

Ok, 12 giorni non sono poi così tanti...in ogni caso tra 5 giorni è natale, una festa stupida e insignificante, che però da a tutti l'opportunità di non fare n benemerito...in più, nonostante le stomachevoli connotazioni religiose, è pur sempre vero che "oh, sarà 'na merda, ma mejo 'r natale der capodanno!"...o almeno questa è la mia personalissima visione...perchè se il natale è insignificante (caratteristica che ha ogni festa), il capodanno rimane comunque odioso...
Non so il perchè di tale introduzione...in ogni caso anche quest'anno ho pensato di mettere on-line una sorta di regalo...ora...non so se effettivamente qualcuno legga ancora questo blog, anche se le cirfre camminano, ma so per certo che qualcuno potrebbe capitarci a caso googlando e trovarsi a poter scaricare questo:

AESOP ROCK - "B-Sides & Rarities" vol. 1&2

VOL. 1 (1999-2003)
01 - Water
02 - Wise Up
03 - The Active Element
04 - The Tugboat Complex
05 - Bad Karma
06 - Take Me to the Basement
07 - Blacklist (feat. MF Doom)
08 - Sinister (feat. Vast Aire & Yesh)
09 - Helium (feat. Vordul)
10 - Dragon Coaster (feat. Mojo)
11 - Inner City Hustle [Wakin'] (feat. L.I.F.E. Long)
12 - Tap Dancin' for Scratch (feat. Vast Aire)
13 - Put Your Quarters Up (feat. MF Doom)
14 - Home Again (feat. The Controls)
15 - Coma [remix]
16 - Atlantis (feat. Mojo)
17 - Bad Summeritan
18 - Commencement at the Obedience Academy [Original Version]
19 - Accapella [Live at the El-Ray]

VOL. 2 (2003-2005)
01 - Fishtales
02 - Face Melter
03 - Numb [To the Guns]
04 - Sniff Glue
05 - Crooked
06 - Sabbatical with Options
07 - Kill Switch
08 - Jet Son
09 - Train Buffer
10 - Ace Rocks
11 - All in All
12 - Kill Em All
13 - Junkyard
14 - Preservation (feat. Del)
16 - One of Four
17 - Kill Em All [Rjd2 remix]
18 - no jumper cables [remix]
19 - Train Buffer [remix]
20 - Encounter

Nel caso non l'aveste capito...il titolo in alto, sopra entrambe le tracklist è il link a rapidshare per scaricare...

"Il Prigioniero del Terrore"

2008-12-08T07:04:00.000-08:00

Forse non renderò onore a Fritz Lang partendo con questo, tra tutti i suoi film...ma, dopo "L'Infernale Quinlan" voglio passare ad un titolo classico ma più leggero.
In questo periodo dell'anno mi trovo a guardare (spesso RI-guardare) molti film classici per motivi di studio, è per questo che ultimamente il blog sta prendendo sempre più la direzione delle recensioni...per questo oltre che per grosse crisi in ogni altro ambito ma non è il momento di parlarne, piuttosto è il mometo di tornare agli nei quali si faceva il cinema...

"Il Prigioniero del Terrore" ("Ministry of Fear") - paese: USA durata: 85 min. anno: 1944 genere: Noir-Spionaggio regia: Fritz Lang soggetto: Graham Greene sceneggiatura: Seton I. Miller cast: Ray Milland, Marjorie Reynolds, Carl Esmond, Dan Duryea, Hillary Brooke, Erskine Sanford, Alan Napier

Lang è famoso certo per ben altri titoli, come "Metropolis" e "M - Il Mostro di Dusseldorf" (personalmente il mio preferito), ma c'è stato un periodo nella sua carriera praticamente dedicato all'anti-nazismo, un periodo iniziato dopo la sua fuga dalla Germania, avvenuta per non dover cedere alle "avance" di Adolf Hitler che, uomo d'ingegno e buon gusto, aveva visto in lui le qualità adatte a realizzare dell'ottimo cinema di propaganda (in quell'epoca, quando ormai si cominciava ad avere più dimestichezza con la settima arte, il cinema stava diventando uno dei mezzi di propaganda per eccellenza).
E' dunque tra i film anti-nazisti (cominciati con "Duello Mortale") del periodo americano di Lang che va a porsi "Il Prigioniero del terrore", un anno dopo "Anche i Boia Muoiono" e un anno prima di "La Donna del Ritratto".

"Il Prigioniero del Terrore" dunque non è un film di contenuto, non ha le riflessioni psicologiche e filosofiche che abbiamo visto in "M", piuttosto è un noir spionistico "duro e puro", un film d'intrattenimento i cui punti di forza sono l'intreccio narrativo alla base, tratto dal libro "Ministry of the Fear" ("Quinta Colonna"), e la regia che, essendo di uno dei pilastri della storia del cinema mondiale, non delude di certo. Lo sviluppo della trama è continuo e vorticoso, il film incalza lo spettatore senza problemi, creando un'atmosfera d'insicurezza e di pericolo, nulla è quello che sembra.
Il film inizia con Stephen Neal, il protagonista, rinchiuso in una stanza non meglio specificata a fissare l'orologio, elemento che al principio assume connotati ambigui e inquietanti; è rinchiuso in quella che ci sembrerebbe di capire essere una prigione e stiamo assistendo al giorno del rilascio; una volta uscito la telecamera lo segue svelandoci che si tratta di una clinica psichiatrica. Non vi è approfondimento di sorta sulla vicenda fino alla fine, quindi non sappiamo di certo chi è il personaggio che stimo seguendo, sappiamo solo che si trova ad una festa di beneficienza a parlare con una cartomante, che si scoprirà poi non essere una cartomante, a vincere una torta, che però pare non essere una semplice torta poichè tentano di sottrargliela in ogni modo fino a quando, una volta imbarcato su un treno diretto a londra, non lo avvicina un cieco, che subito si rivela non essere un cieco, lo colpisce e fugge con la torta, scatta un inseguimento che viene portato a termine da un bombardamento aereo.
Da qui in avanti Neal cercherà di capire per quale motivo qualcuno sembra intenzionato ad ucciderlo, entra in contatto con una serie di personaggi che continuano a rivelarsi diversi da ciò che sembrano, persino la regia è ambigua, attribuisce una carica particolare a certi oggetti, li enfatizza, come ad esempio accade con quel fantastico paio di forbici da sarto usato per comporre un numero telefonico; insomma anche gli oggetti vengono "caricati" fino a quando non finiamo con l'avvertirli come un pericolo per il protagonista, e in finale si rivlano con l'essere altro, uno strumento di suicidio piuttosto che un oggetto innoquo.
Continuando a cambiare continuamente le carte in tavola il nemico, un nemico intangibile di cui non avremo idea chiara fino al finale, sembra essere ovunque e per nessuna ragione, in questo modo l'aria si fa tesa e non esiste personaggio o situazione sui quali fare affidamento.
L'intreccio si andrà sciogliendo poi con una precisione chirurgica, ma solo una volta giunti al finale, fino ad allora non ci viene concesso il tempo per respirare.
Insomma un bel film, un noir solido e divertente, che non piacque molto a Lang, ma che non delude lo spettatore, così come all'epoca non deluse la critica. Il protagonista è Ray Milland, lo stesso protagonista del magnifico "I Giorni Perduti" di Billy Wilder, qui gli viene affidata una parte priva di spessore psicologico (come ho già detto, non è quel tipo di film), ma se la cava comunque egregiamente, accompagnandoci in un film più che soddisfacente.
Pare sia stato distribuito in una versione da 92' e in una da 85'.

VOTO: 3/5

"L'Infernale Quinlan"

2008-12-06T12:02:00.000-08:00

Poche cose, a mio parere, sono assolutamente certe nel mondo dell'arte e, di conseguenza, nel mondo del cinema; praticamente ogni film (per lo meno ogni film nato da un'idea, la cosa vale di meno con idee abbozzate solo al fine di fare un film) può essere sottoposto a qualsiasi tipo d'interpretazione e quasi ogni autore, anche tra i più grandi di sempre, ha almeno una fetta di pubblico (magari minuscola e ignorante, ma non è questo il punto) che non "ascolta" quello che i suoi film hanno da dire, che per un motivo o per un altro, magari anche riconoscendo loro una certa forma di grandezza, storce il naso davanti alle sue opere.
Questo è un po' come dire "tutto è relativo", che non è una novità, ma persino nel mondo astratto, quindi, dell'arte, si sono creati dei punti fermi. Nel caso del cinema, credo che non esista cinefilo al mondo che potrebbe mai avere nulla da ridire contro Orson Welles; quest'attore, regista, sceneggiatore, conduttore e ideatore di programmi radiofonici, e quant'altro, ha cambiato una volta per tutte il mondo della cellulosa, i suoi film sono stati la spinta decisiva per la maggior parte dei nomi che sono stati apprezzati in seguito, possiamo anche dire per tutti...ora vediamo dove voglio andare a parare...

Sono personalmente convinto che Welles abbia creato i più grandi personaggi della storia del cinema; chiaramente mi riferisco a Charles Foster Kane, un personaggio che s'è fatto portavoce di quella che potremmo definire la "filosofia di fondo" di Welles, di cui "Quarto Potere" è stato il primo promotore.
A Kane mi sento di affiancare Hank Quinlan...
Se da una parte parlo di "Quarto Potere" come di una sorta di "dichiarazione d'intenti" di Welles (tralasciando il fatto che sono tra i tanti a considerarlo, se non il miglior film di sempre, un caposaldo per eccellenza, che nella mia testa colloco in un olimpo di titoli non troppo affollato), dall'altra vedo certamente in "L'Infernale Quinlan" lo straordinario canto del cigno di uno dei più grandi geni del secolo scorso.

"L'Infernale Quinlan" ("Touch of Evil") - paese: USA anno: 1958 durata: 112 min. genere: Noir regia&sceneggiatura: Orson Welles soggetto: With Masterson cast: Charlton Heston, Janet Leigh, Orson Welles, Marlene Dietrich, Joseph Calleia

"L'Infernale Quinlan" trae spunto dal romanzo poliziesco "Contro Tutti", di With Masterson (badate bene: Welles ha scritto una storia basandosi sul plot generale, ma senza mai aver avuto il tempo di leggere il libro!); Welles ha preso un intreccio noir come tanti e lo ha usato per girare un capolavoro assoluto, stilisticamente e contenutisticamente parlando; capolavoro che è stato poi 'camuffato' da b-movie (senza nulla togliere alla categoria, che conta più di una perla) per la sua uscita. Il film uscì originariamente con un montaggio diverso da quello che avrebbe voluto Welles, la Universal aveva deciso di renderlo più "abbordabile" girando alcune scene in più e rimaneggiandolo.
Solo nel 1998, 40 anni dopo l'uscita in sala, il film è stato rimontato secondo le volontà del suo autore originale, che aveva appositamente d'appunti un libro di appunti su come lui lo avrebbe voluto realizzare; parliamo di circa 50 correzioni.
Tanto per citarne alcune: la musica è stata abbassata di volume, in maniera da confondersi a tratti con i rumori, a conferire un effetto di maggior realismo; il celebre piano-sequenza iniziale (doverosamente citato da Altmann ne "I Protagonisti") non contiene titoli di testa; tutte le scene girate senza il regista sono state tolte e sono state reinserite delle scene che la universal aveva deciso di eliminare.
La correzione del film ha portato la pellicola da 95 minuti a 112.
Basta curiosità tecniche sulla storia dell'opera...passo a parlare del film vero e proprio.

Un poliziotto messicano - tale Vargas - della narcotici, in viaggio di nozze negli stati uniti con la moglie americana (nel libro le nazionalità sono invertite), assiste all'omicidio del più ricco abitante della zona e si unisce alle indagini, gestite da Hank Quinlan, il poliziotto più carismatico della zona.
Nel frattempo la famiglia di un gangster recentemente arrestato da Vargas, in attesa di processo, si mette in contatto con la moglie di quest'ultimo, minacciando la coppia.
Durante le indagini sull'omicidio, Vargas ha da ridire sui metodi "poco ortodossi" di Quinlan, che è convinto abbia alterato le prove per incastrare un innocente; in tutta risposta Quinlan diviene complice dei mafiosi che ricattano Vargas e tenta di diffamare lui e la moglie facendoli passare per dei tossicodipendenti, in maniera tale da potersi salvare dalle accuse del poliziotto messicano senza che si apra un'inchiesta su di lui.

Memorabile è la scena nella quale Quinlan fa fuori il suo complice lasciandolo morto stecchito, occhi spalancati, sopra la moglie di Vargas, priva di sensi e drogata. Questa scena meriterebbe di essere commentata apparte, è densa di significato e violenza, persino Welles, che non era solito abbandonarsi alle interpretazioni dei suoi film, ha parlato di quanto fosse estrema, perversa, pregna della tensione sessuale, tanto da farlo sentire a disagio:
"[...]E' una scena molto sgradevole, orrenda. Mi sono sentito malissimo dopo. E' perversa, morbosa. Non è che mi piaccia, fare quel genere di cose. Ma bisogna fare così, senza mezze misure, nel genere schifezze e morbosità. Tamiroff è grandioso in quella scena: quando la guarda, quella pistola diventa tutti i cazzi mai esistiti nella storia. Faceva paura come la guardava[...]".Sfortunatamente non ho nè il tempo nè le competenze per fermarmi ad approfondire il discorso, soprattutto perchè l'elemento sul quale voglio spostare l'attenzione è quello che più mi colpisce e che più ammiro della figura di Orson Welles: la filosofia di fondo.

Welles, come già in precedenza, gioca con l'etica e la morale creando un personaggio per il quale (come già per Kane in Quarto Potere) non si possono utilizzare parole come "antagonista", nè sì può schierarlo dalla parte del bene o del male (a proposito di questo aspetto dei personaggi di Welles alcuni parlano di "innocenza del peccato"), come già in precedenza si può solo stare ad osservare la sua volontà di potenza e vedere dove lo porterà.
Welles stesso interpreta Quinlan, ma possiamo allo stesso modo dire che Quinlan è Welles.
In finale si scoprirà sì che Quinlan alterava le prove, ma anche che effettivamente il suo intuito non sbagliava, e mentre Vargas fa di tutto per uscire dalla sua brutta situazione, Quinlan non fa altro che tornare ad ubriacarsi e cercare rifugio da una cartomante con la quale c'erano stati dei precedenti che ci vengono solo lasciati immaginare (tra l'altro questo personaggio, al quale, come vedremo, è affidato il commento finale del film, è stato inventato di sana pianta da Welles per la sua amica Marlene Dietrich).
Lasciatemi dire che anche Charles Foster Kane è Orson Welles (non per niente "quarto potere" è interamente incentrato sulla volontà di potenza del suo protagonista e su come non sia stato possibile per nessuno giudicarlo nè conoscerlo a fondo), ma, mentre potremmo dire che quello è stato il personaggio che ne ha sancito la nascita come artista, di Hank Quinlan possiamo definitivamente dire che ne rappresenta la morte, il suo addio al cinema.
Il punto definitivo di contatto tra il personaggio e il suo creatore arriva nella scena in cui Quinlan si reca ubriaco dalla cartomante per farsi leggere il futuro, ma questa gli risponde che non c'è nulla da leggere poichè "il suo futuro è completamente consumato"; questo scambio di battute finisce con un'inquadratura su Quinlan quasi compiaciuto.
Dunque, nel finale, quel corpo galleggiante è tanto Quinlan quanto Welles, che, per l'ennesima volta, ha portato i suoi spettatori in un luogo dove la malinconia e la rassegnazione implicite nella fine e nei finiti ci lasciano sempre il modo di riflettere sul presente e sull'assoluta caoticità dell'essere umano.
"Quinlan era un poliziotto corrotto, ma era un grande uomo", queste le parole con cui il film si conclude, pronunciate, ma sarebbe meglio dire sentenziate, dalla cartomante; ed è proprio così:
Se Charles Foster Kane è un personaggio enigmatico e ingiudicabile, con cui lo spettatore entra in contatto solo una volta morto (per cause naturali); Hank Quinlan è un personaggio ucciso dal giudizio, o meglio, ucciso dalla paura disorientata di chi tenta di giudicarlo, Vargas è un uomo di valori, dunque è quasi l'opposto di ciò di ciò di cui parla Welles, è vincolato dal suo bisogno di distinguere tra "poliziotti onesti" e "poliziotti corrotti" (ergo: buoni e cattivi) ed è dunque ovvio che sia lui a causare (seppur non direttamente) la morte di Quinlan, morte alla quale questa volta siamo chiamati ad assistere. Si potrebbe quasi dire che questo film parli proprio della morte di Hank Quinlan, poliziotto corrotto, ma, a suo modo, un grand'uomo.

Nonostante tutto ciò, in questo caso, contrariamente a quanto accadeva in "Quarto Potere", è decisamente più difficile schierarsi dalla parte di QuinlanWelles, ma perchè?
La risposta è sempre la stessa: è la natura umana; in altri termini: CAOS.

VOTO: 4.5/5

"Nuovo Punk Story"

2008-12-04T13:11:00.000-08:00

Ad alcuni dei titoli contenuti nella mia valigia farcita di film capita di aspettare anche anni prima di essere visti, questo è il caso di "Nuovo Punk Story", che tenevo in serbo ormai da qualcosa come 3 anni...oggi l'attesa è finita e anche questo titolo si è aggiunto al mio bagaglio mentale...

"Nuovo Punk Story" ("Desperate Living") - paese: USA durata: 87 min anno:1977 genere: Commedia Grottesca regia: John Waters cast: Liz Renay, Mink Stole, Edith Massey, Susan Lowe, Mary Vivian Pearce, Jean Hill

Se dovessi scegliere un film tra i tanti per riassumere il concetto di cinema "trash" e "grottesco", questo sarebbe probabilmente tra i primi a venirmi in mente:
la casalinga nevrotica Peggy Gravel, con l'aiuto della sua domestica di colore obesa, Grizelda, uccide il marito durante una lite; le due cominciano a fuggire e, dopo essere state molestate da un poliziotto feticista in mezzo ad un viale alberato, finiscono con l'approdare a Mortville, una sorta di bidonville piena di derelitti umani fuorilegge di varia natura. Regina del luogo è la "straripante" Carlotta (insomma un'altra obesa), che odia il popolo tanto da decidere di infettare tutti con la rabbia, e che passa il tempo a mangiare e a fare sesso con qualcuna delle sue guardie. Le due protagoniste vengono ospitate da due lesbiche, scoprendo anch'elle questo aspetto della loro sessualità ed esplorando mano mano questo nuovo mondo, fino a quando Peggy non entra nelle grazie della regina...
Non aggiungo altro.
Il film - come ogni suo personaggio - è grottesco all'inverosimile, trash, stilisticamente una rilettura di alice nel paese delle meraviglie e biancaneve, ma in chiave "malata"; il politicamente scorretto è spinto al massimo. L'intera pellicola si sposta attraverso immagini squallide quanto geniali, rapporti saffici, omicidi assurdi, in una sorta di follia lucida che regna in questo mondo onirico.
Non voglio anticipare troppo, il film merita di essere visto per quanto risulti disfunzionale, in finale è cinema effettivamente a tinte "punk" e dal contenuto filoanarchico; a tratti ricorda persino Fellini.
Due parole ancora sulla regia: se dovessi trasportare i concetti posti dietro il punk al cinema, probabilmente realizzerei una regia del genere, confusionaria, quasi casuale, spesso addirittura sfocata! Ciò che ne deriva è un continuo effetto di sporco, disordinato, caotico, folle...insomma è la regia perfetta per un film del genere e contribuisce in pieno a dare quel sapore di surrealismo-spazzatura aggressivo e impressionante.
Le scenografie e la recitazione, sono molto teatrali, l'immagine è sporca e, nel caso decideste di vederlo in italiano, sappiate che il doppiaggio è discontinuo e approssimativo (ma per una volta riesce a rendere l'idea). Pare che il regista avesse attorno a se un piccolo circolo di cultori del suo trash in quel periodo, e questo non è certo il suo film più pesante!

VOTO: 3/5
purtroppo l'unico video "trailer" che ho trovato è fatto in casa...